Entre assujettissement et claustration, les héroïnes terrifiées et terrifiantes des fictions produites en Irlande au XIXe siècle, objet de cette étude, évoluent dans cet entre-deux qui définit la littérature fantastique et le " mode " gothique, aux frontières génériques elles-mêmes instables. Mariage forcé, envoûtement, spoliation, abus, secrets familiaux, les mises en intrigue dressent une cartographie du féminin qui serait celle du destin contraint de l'Irlande. La terreur qu'inspire le féminin tout comme la peur qu'éprouvent les héroïnes se lisent dans les mésaventures de ces protagonistes malmenées par des puissances extérieures (sociales, politiques ou culturelles) propres à cette terre rude, de tourbières, de contrées désolées et de demeures qui ont perdu leur vocation protectrice. L'étude qui s'appuie sur un corpus de dix œuvres de romancières irlandaises identifie les motifs et les ressorts narratifs qui contribuent à définir une " irlandicité " du gothique. Installé dans l'ambivalence du genre, qu'il s'agisse du genre littéraire comme du genre féminin, le gothique irlandais emprunte ses modalités propres aux aspirations comme aux angoisses individuelles et collectives.

Whitehall, Londres, 1649. La hache s'abat, un grondement se fait entendre. Charles 1er meurt, exécuté publiquement, abandonnant sur l'échafaud la couronne terrestre pour accueillir la couronne céleste. Alors que le roi prononce sa dernière tirade, le personnage de Charles 1er prend vie sous la plume des royalistes. Au moment même où le roi meurt, le livre paraît, véritable héritage pour ses sujets. Si son corps mortel n'est plus, l'œuvre le remplace peu à peu pour finalement s'y substituer totalement. Dès lors, le culte du roi martyr ne fera que s'amplifier. Le message des royalistes est repris par des élégies, des pamphlets, des balades mais aussi des poèmes, des portraits, des gravures et des objets. Le roi se lit, s'écoute, se touche, se regarde et se dissimule. Véritable objet de collection, talisman ou objet de deuil, il est emporté dans les maisons, la rue, les lieux d'échanges. La parole silencieuse du roi est d'une puissance redoutable pour contrer la propagande parlementaire. Grâce à l'essor de l'imprimerie et à la stratégie d'écriture de ce livre, Eikon Basilike devient un objet que l'on s'approprie, à la faveur de la création d'une sphère publique. Si Eikon Basilike fut si populaire, c'est sans doute que les contemporains ont pu y déceler ce qu'ils y cherchaient pour répondre à la crise qu'ils traversaient. Eikon Basilike transgresse les codes et les genres tout en redonnant stabilité et repères. Plus de 350 ans après sa parution, il convenait de redonner toute sa place à cet ouvrage en le replaçant au cœur de son contexte politique, historique, social, religieux et culturel mais aussi en le relisant à travers le prisme de la culture matérielle et visuelle, en étudiant non seulement sa stratégie d'écriture mais aussi et surtout en étudiant sa réception.

Durant les années de plomb (1968-1974), la France a envoyé ses plus grands spécialistes du renseignement au Brésil. Issus d'horizons politiques divers, ces hommes ont assuré le transfert des doctrines coloniales de l'armée française vers l'armée brésilienne et ont créé des débouchés pour les industries françaises reconstituées dans l'après Seconde Guerre mondiale. En moins de vingt ans, l'armée française a entièrement remodelé la perception que les militaires brésiliens avaient de leur rôle. La technologie exportée n'était pas uniquement matérielle, mais aussi politique. Elle a permis la construction d'un nouvel édifice militaire, fondé sur le principe de la guerre antisubversive, l'action des services de renseignement et l'hégémonie des groupes industriels liés à l'armement. La France a ainsi largement contribué à l'autonomie stratégique de l'armée brésilienne, constituant un contrepoids certain à la présence des États-Unis. À partir de nombreux documents d'archives, cet ouvrage a pour ambition de comprendre la manière dont ces liens particuliers entre militaires français et brésiliens ont été construits.

Arcadia de Philip Sidney, l'une des œuvres les plus fascinantes de l'époque élisabéthaine, jouit depuis quelques années d'un regain d'intérêt de la part de la communauté scientifique française. Longtemps dominé par Shakespeare, le champ des études élisabéthaines en France s'est élargi et s'intéresse désormais aux autres figures littéraires qui ont contribué à façonner l'esprit élisabéthain. Parmi cette petite élite culturelle, Sidney fait figure d'exception. Bien avant que sa mort héroïque ne lui confère le statut de légende nationale, Sidney avait acquis une dimension internationale, notamment par sa fréquentation des grandes cours d'Europe au cours de son " grand tour " de 1572 à 1575, et de sa mission diplomatique auprès de l'empereur Rodolphe II. Ces voyages lui offrirent l'occasion de s'édifier au contact des intellectuels, des artistes et des poètes qui assuraient aux puissances continentales un rayonnement culturel que l'Angleterre ne connaissait pas encore. Ce serait d'ailleurs au retour de son ambassade que Sidney aurait commencé la rédaction d'Arcadia qui n'est rien de moins que la première œuvre de fiction sérieuse rédigée en anglais. Le projet était à la hauteur de l'ambition de l'auteur: donner à la langue anglaise le grand chef-d'œuvre qui lui manquait.

Julie Michot relève le défi d'aborder Billy Wilder par le biais de la musique et nous ouvre une perspective passionnante en nous faisant réaliser à la fois l'abondance et la diversité de cette dimension dans l'œuvre du cinéaste. De plus, dans cette analyse, la musique, parce qu'elle sous-tend le dialogue et le son, devient à la fois un outil d'investigation original et un instrument de création considérable et, jusqu'ici, négligé. Car, par le biais de la musique, c'est la maîtrise chorégraphique qui est étudiée (l'hôtel-cabaret de Berlin-Est dans Un, deux, trois, qui culmine dans les trémoussements de Liselotte Pulver au son de La Danse du sabre; la ronde effrénée des danseurs autour de Watson dans La Vie privée de Sherlock Holmes); puis la gestion de la mécanique des corps devient naturellement celle des voix et des répliques, voire des détails faciaux (il y a chez Wilder une chorégraphie du visage de Jack Lemmon). Bref, en un remarquable équilibre de rigueur analytique et de gourmandise cinéphile, Julie Michot célèbre un art complet, souverain, bien plus profond et complexe que ses apparences enivrantes le laissent supposer.

Mélanie Fresne s'empare de ce qui a longtemps été considéré, à tort aujourd'hui, comme un sous-genre de la littérature, le " polar ", vu du côté non seulement espagnol, mais même, plus spécifiquement, catalan, en étudiant, en particulier, deux romans noirs écrits durant cette période si singulière, où nos voisins s'éveillaient d'un long hiver qui avait persisté de 1936 à 1975, dates correspondant à la dictature franquiste et à son lot de répressions, d'interdictions, de tabous en tous genres, notamment, pour ce qui nous intéresse ici, de censure artistique et littéraire.

En 1892, la jeune Gertrude Lowthian Bell (1868-1926), qui n'est pas encore devenue la célèbre voyageuse, diplomate et archéologue, part en Perse pour y séjourner un an avec la Délégation Britannique. L'Orient est un appel pour cette jeune fille, issue d'une riche famille d'industriels, qui étouffe dans une société britannique conservatrice. Sa correspondance dévoile l'enthousiasme mais aussi le regard ambivalent d'une jeune anglaise qui, en quittant l'Angleterre pour une terre d'Orient, tente de se trouver un espace de liberté. La sélection des lettres persanes de Gertrude donne ainsi à voir les contradictions, les hésitations d'une Britannique érudite dont le désir d'Orient s'apparente à un désir d'être.Ces lettres datées de 1892 mettent en lumière une expérience persane pour une jeune aristocrate victorienne. Gertrude Bell se révèle spirituelle, curieuse, innocente mais aussi docile face aux conventions et à l'idéologie de sa classe sociale.Le présent recueil publie les textes originaux, traduits et commentés par Laurence Chamlou, agrégée d'anglais, maître de conférences à l'Université de Reims Champagne-Ardenne.

Carlos Sorín est un cinéaste argentin reconnu, dont l'œuvre atypique, rendue célèbre en Europe par Historias mínimas (2002) et Bombón el perro (2004) n'avait pas fait jusqu'à présent l'objet d'une étude approfondie. Cet ouvrage se propose de combler cette lacune. L'univers fictionnel du réalisateur échappe à tout enfermement, en dépit de son apparente simplicité. Sa filmographie s'inscrit d'emblée dans la société de son pays, qu'il dépeint de façon attachante dans un style qui lui est propre (lyrisme discret dans le filmage des paysages patagons), et selon des modalités particulières : équipe technique réduite, tournage avec un mixte d'acteurs et de non-professionnels, et liberté de mouvement rendue possible par la création de sa propre maison de production. La solidarité avec les oubliés du continent va de pair avec la profondeur de la réflexion sur la condition humaine (personnages en quête de chimères, tentation de la folie), mais aussi avec un humour léger et poétique, parfois hilarant dans la parodie de documentaire que constitue La Era del ñandú. Un art qui fuit les étiquettes, cultive les paradoxes, et s'interroge sur l'essence du cinéma.Agrégée d'espagnol et professeur à l'Université de Reims Champagne-Ardenne, Françoise Heitz est spécialiste du cinéma espagnol et latino-américain.