Le dossier du n°51-52 est consacré à la cinéaste française Céline Sciamma, réalisatrice de cinq longs métrages qu'elle a également écrits, sortis entre 2007 et 2021. Au cours de sa carrière, Sciamma a également collaboré à l'écriture du scénario pour les films d'autres réalisateur·ice·s, dont André Téchiné (Quand on a 17 ans, 2016), Jacques Audiard (Les Olympiades, 2021) et Noémie Merlant (Les Femmes au balcon, 2024), ainsi que Claude Barras pour le film d'animation Ma vie de Courgette (2016).Si ses trois premiers films – Naissance des pieuvres (2007), Tomboy (2011) et Bande de filles (2014) – connaissent un important succès, c'est avec le quatrième, Portrait de la jeune fille en feu (2019) que Céline Sciamma acquiert une notoriété internationale et que son œuvre devient le symbole de luttes féministes et queer. Son cinquième – et à ce jour dernier – long métrage, Petite maman (2021), poursuit l'exploration du thème de la sororité – à comprendre dans un sens large – déployé tout au long de sa carrière.Ce dossier offre une multiplicité de points de vue sur l'œuvre de Céline Sciamma en donnant autant la parole à de jeunes chercheur·se·s qu'à une autre figure féministe du cinéma militant – la suissesse Danielle Jaeggi – et à Sciamma elle-même, grâce à un entretien portant sur son parcours où elle déploie son regard sur l'état du cinéma et réfléchit à son propre engagement dans ce milieu.Résumé des articlesPrenez le temps de me regarder. À propos de Portrait de la jeune fille en feuDanielle JaeggiLa cinéaste suisse militante Danielle Jaeggi – réalisatrice notamment de Pano ne passera pas (1969) et de La Fille de Prague avec un sac très lourd, 1979 – propose une lecture personnelle du plus célèbre film de Céline Sciamma, centrée autour de la question du regard et de l'inscription du film dans un historique des combats féministes.Inventer un langage commun pour projeter des harmonies futures: entretien avec Céline SciammaCoralie Lamotte et Achilleas PapakonstantisDans cet entretien-fleuve, Céline Sciamma revient sur l'ensemble de sa carrière, détaillant ses motivations profondes, ses valeurs et ses choix, portant un regard lucide, parfois incisif à la fois sur ses propres films, sur l'état du cinéma et les dynamiques à l'œuvre au sein de ce milieu.Le pouvoir tentaculaire du désir. Re-mise en scène de dynamiques patriarcales et d'alliances sororales dans Naissance des pieuvres.Achilleas PapakonstantisEn se concentrant sur le premier film écrit et réalisé par Sciamma, Naissance des pieuvres, Achilleas Papakonstantis entend éclairer la manière dont la mise en scène du film prend pour objet la mise en scène préexistante de la société hétéropatriarcale et néolibérale en France du début du XXIe siècle. En mobilisant le concept sociologique de " capital sexuel ", l'auteur examine plus attentivement les stratégies de représentation du personnage de Floriane (interprété par Adèle Haenel).Bande de filles: stéréotypes racistes ou regard féministe?Salima TenficheDans son article, Salima Tenfiche mène une analyse de la réception clivée de Bande de filles, en s'attachant à des sources généralement ignorées, à savoir les blogs féministes et les réactions du public. S'interrogeant sur les raisons du rejet du film par une partie des personnes directement concernées par les représentations que celui-ci met en scène, l'autrice pose la délicate question de la légitimité des créateur·ice·s sur un terrain socialement et politiquement miné.Visions of Ecstasy. Résilience et mélancolie dans les séquences musicales de Bande de fillesAlice PemberLa contribution d'Alice Pember offre un point de vue complémentaire sur la réception de Bande de filles, en s'intéressant pour sa part aux moments musicaux du film et à la façon dont ils véhiculent un discours beaucoup plus ambivalent – entre résilience et mélancolie – que la plupart des lectures ont pu le laisser paraître.Le rythme dans la mise en scène de Céline Sciamma: expression individuelle, relationnelle et sociétale Sacha PeluchonEn s'appuyant sur l'analyse de l'ensemble des films de Sciamma et en sollicitant une riche littérature issue de l'anthropologie et de la philosophie, Sacha Peluchon montre comment l'élément rythmique structure l'œuvre de la cinéaste, et tout particulièrement la caractérisation de ses personnages, leurs relations et leur rapport à la société.Jeux d'enfants: fonction et pouvoir des activités ludiques dans le cinéma de Céline SciammaCoralie LamotteCoralie Lamotte analyse l'importance du jeu à la fois au niveau symbolique, narratif et de la mise en scène dans les deux longs métrages de Céline Sciamma dont les protagonistes sont des enfants – Tomboy et Petite maman. Elle suggère que les activités ludiques, loin d'être considérées comme un motif anodin de l'enfance, possèdent dans ces films un rôle identitaire et relationnel majeur.Jouer ou ne pas jouer: la direction d'actrices chez Céline Sciamma, entre réalisme et stylisationAlexandre MoussaL'article d'Alexandre Moussa se concentre sur le statut et le jeu des actrices dans les films de Sciamma. En revenant sur les méthodes de casting et les choix des interprètes et en analysant en détail leurs performances, il met en évidence une certaine rupture entre les trois premiers films de la cinéaste et les deux suivants, notamment à l'égard des dialogues.Un autre ordre du regard. La peinture et le cinéma dans Portrait de la jeune fille en feuTainah Negreiros de SouzaConjuguant son expérience de chercheuse et de peintre, Tainah Negreiros de Souza offre un regard original sur Portrait de la jeune fille en feu. À partir de l'analyse des tableaux du film et de la représentation de l'acte de peindre, l'article met en dialogue différents contextes historiques et propose des associations entre plusieurs courants picturaux, apportant ainsi une nouvelle perspective aux discussions qu'a pu provoquer ce film au sujet du regard et des représentations dans les arts visuels.

Sonimage – à comprendre comme l'articulation de sons et d'images et comme " son image ", la sienne propre – est un collectif de production audiovisuel fondé et animé par Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville en 1973. Choisissant la périphérie (Grenoble, puis Rolle) contre le centre (Paris), l'ambition de cette structure consiste à se doter de moyens de production autonomes, qui ne sont pas dépendants des structures de financement du cinéma. Plusieurs films tournés en 16mm (Ici et ailleurs, 1976) ou 35mm (Comment ça va?, 1976) sont réalisés à cette enseigne. Mais l'investissement de la vidéo non professionnelle paraît comme l'accomplissement le plus remarquable de Sonimage: Six fois deux, Sur et sous la communication (1976) et France/tour/détour/deux/enfants (1978) réinventent la conception de l'émission télévisuelle, en donnant la parole à des personnes non médiatisées. Des spécialistes suisses, français, canadiens et mexicains éclairent les enjeux de cette œuvre réalisée à deux et l'utopie de l'autogestion qui la sous-tend, en se focalisant à chaque fois sur un film ou une série d'émissions. Deux entretiens complètent l'ensemble (avec le technicien vidéo qui a permis à Godard et Miéville de s'équiper et avec le cofondateur de l'atelier Cinéma/Video à l'Ecole supérieure des arts visuels de Genève).

Nous proposons ici un e´tat des lieux actuel de la critique et de la recherche sur l'œuvre de Chantal Akerman, en privile´giant les e´tudes anglo-saxonnes qui nous paraissent les plus de´terminantes dans la compre´hension et l'ana- lyse de son travail. Longtemps, la re´ception critique en France de la cine´aste a e´te´ oriente´e par d'importantes publications de textes et d'entretiens de Chantal Akerman, dans le cadre de re´trospectives de son œuvre, ses propos orientant la lecture de ses films. Certes, il y a aussi eu, en France, des e´tudes universitaires de qualite´. Mais nous constatons que dans l'espace anglo-saxon le travail de Chantal Akerman a fait l'objet de plusieurs mono- graphies et nume´ros de revues, dont l'approche est souvent plus historicise´e et politise´e. En effet, Chantal Akerman constitue l'une des figures de proue du cine´ma fe´ministe dans le contexte de la re´ception anglo-ame´ricaine de ses films, au moins depuis les anne´es 1980. Mais elle a aussi joue´ un ro^le important par son engagement vis-a`-vis de diffe´rents conflits territoriaux: en l'occurrence, la situation des pays de l'Est apre`s la chute de l'URSS, les conflits israe´lo-palestiniens, la frontie`re ame´ricano-mexicaine ou encore plus ge´ne´ralement la question raciale. C'est cette dimension historico-politique qui a tout particulie`rement retenu notre attention. Celle-ci nous parai^t parti- culie`rement pertinente aujourd'hui, depuis le de´po^t re´cent des archives de Chantal Akerman a` la Cine´mathe`que royale de Belgique – Cinematek. Le travail a` venir sur les archives, qui ont de´ja` e´te´ utilise´es de fac¸on ponctuelle par divers auteurs, permettra indiscutablement de reconside´rer la dimension historique et politique des films, des installations et plus ge´ne´ralement du parcours artistique de Chantal Akerman.Ces questions historiques et ge´opolitiques se manifestent avant tout dans son travail par un traitement singulier du texte et de l'image: l'espace-temps filmique devient le lieu d'expression privile´gie´ du politique, comme on peut le constater aussi bien au sujet de l'intimite´ et du corps propre dans Je tu il elle (1975), que dans les espaces publics et prive´es d'immobilite´ et d'attente mis en sce`ne dans D'Est (1993), par exemple. Par ailleurs, le travail de Chantal Akerman se caracte´rise par sa diversite´ d'e´cri- ture, celle-ci recourant a` des genres filmiques de´ja` constitue´s – tels que la come´die, le drame, le portrait et l'autoportrait – tout en empruntant la voie du documentaire, de la te´le´vision, du cine´ma expe´rimental et de l'installation. Cette diversite´ de registres d'e´criture prend son sens par rapport a` un de´cou- page chronologique, entre les de´buts nord-ame´ricains de Chantal Akerman, marque´s par le cine´ma expe´rimental et la danse oriente´e par l'action, et sesalle´es-venues entre la France, la Belgique et les E´tats-Unis. La plupart des contributions a` ce dossier portent sur ses films; mais la cine´aste a e´galement re´alise´ de nombreuses installations, le plus souvent issues de ses films, et e´crit diffe´rents romans et autofictions.Le pre´sent dossier est articule´ en trois parties. La premie`re partie, qui ouvre et ferme le dossier, est constitue´e de te´moignages de proches de Chantal Akerman. Le cine´aste Boris Lehman propose une introduction visuelle, suivie de deux textes personnels, dont un poe`me consacre´ a` l'amitie´ qu'il a entretenue avec Chantal Akerman. En clo^ture de dossier, nous tradui- sons deux textes de Babette Mangolte, cine´aste expe´rimental new-yorkaise et ope´ratrice des premiers films de Chantal Akerman. Elle revient sur ses collaborations avec Chantal Akerman a` New York, marque´es au sceau du cine´ma expe´rimental – elle e´voque notamment La re´gion centrale (1971) de Michael Snow, qui parcourt et e´puise la diversite´ des points de vue sur un espace donne´; ce sera la` le point de de´part de La chambre (1972) d'Akerman.La deuxie`me partie est constitue´e d'articles scientifiques ainsi que d'un entretien avec Claire Atherton portant sur les films de Chantal Akerman. L'e´tude de Marion Schmid porte sur le ro^le d'actrice de Chantal Akerman, qui se met elle-me^me en sce`ne dans une diversite´ de registres qui oscille entre la performance et l'autoportrait. Mathias Lavin souligne l'importance de la nourriture et de ses pratiques, voire de ses rituels, qui structurent le quotidien et traversent l'ensemble de sa filmographie, de la nutrition a` la destruction. Ivone Margulies met en e´vidence l'e´conomie du ressassement dans certains films de Chantal Akerman, insistant tout particulie`rement sur les figures de la fatigue et de l'e´puisement. Catherine Fowler, a` partir d'une e´tude rigoureuse de La captive, de´veloppe une re´flexion sur l'ambigui¨te´ du regard et du de´sir, en termes de sexualite´. Franc¸ois Bovier et Serge Margel reviennent sur la se´rie documentaire de Chantal Akerman, interrogeant les notions de frontie`res et d'alte´rite´. Suit un entretien avec Claire Atherton, sur son travail de montage, en particulier sur cette se´rie documentaire.La troisie`me partie comporte un article et e´galement un entretien avec Claire Atherton sur les installations que Chantal Akerman a de´veloppe´es a` partir de ses films. Giuliana Bruno propose une analyse syste´matique de l'ensemble des installations de Chantal Akerman, les confrontant aux films dont elles sont issues. Enfin, Claire Atherton, dans un entretien, revient sur sa collaboration avec Chantal Akerman par rapport a` ses installations, e´voquant les enjeux d'une reconfiguration du cine´ma par d'autres moyens. Elle pre´cise e´galement les modalite´s selon lesquelles elle reconstitue les installations de Chantal Akerman, d'un lieu d'exposition a` un autre.La rubrique suisse s'ouvre sur l'analyse de deux expositions qui ont e´te´ pre´- sente´es dans le cadre de festivals qui ont eu lieu a` Vevey et Nyon, en 2020. Ste´phanie Serra revient sur Sentiments, signes, passions, a` propos du livre d'image, la dernie`re exposition en date de Jean-Luc Godard. Le projet, mis en espace dans le cha^teau de Nyon par Fabrice Aragno, proche collabora- teur de Godard, en e´te´ 2020, re´pond a` une invitation du Festival Visions du Re´el. Cette exposition est l'aboutissement d'un questionnement initie´ de`s lafin des anne´es 1960 sur la possibilite´ de penser l'exposition d'un film. Elle participe donc a` l'exercice qui e´tait encore ine´dit pour Jean-Luc Godard du de´ploiement dans l'espace d'un seul film: ici, Le livre d'image. Dans son compte rendu, Serra de´taille le de´ploiement des se´quences diffracte´es, re´pe´te´es et multiplie´es de ce film expose´. Elle insiste sur la de´liaison entre sons et images, proce´de´ bien connu de Godard, qui est au centre des dispositifs et qui est rendue possible par la multiplication des e´crans et des haut-parleurs. Selon Serra, l'exposition ouvre la possibilite´ d'une relecture du film, c'est-a`-dire celle de re´ouvrir les pages du film au hasard, comme si celui-ci e´tait un livre imprime´ a` feuilleter.Nathalie Dietschy commente "l'ensemble" An American Landscape, pre´sente´ par l'artiste franc¸ais Alain Bublex qui, dans un dispositif de pro- jection complexe, a redessine´ nume´riquement chaque plan du film Rambo (Ted Kotcheff, 1982) tout en gommant les personnages. Ne conservant que les arrie`re-plans de l'œuvre adapte´e, Bublex propose un dessin anime´ pre- nant pour cadre l'espace nord-ame´ricain, offrant ainsi une re´flexion sur le concept de paysage. Tout en pre´cisant les aspects techniques de l'installa- tion de Bublex ainsi que les re´fe´rences de l'artiste, Dietschy prend soin de comparer An American Landscape a` d'autres pratiques artistiques qui inter- viennent sur une œuvre existante pour la moduler et la modifier.Ade`le Morerod e´voque dans son texte l'activite´ " And you...? ", mise en place dans le cadre des Jeux olympiques de la jeunesse, qui se sont tenus a` Lausanne au mois de janvier 2020. Ladite activite´ proposait aux jeunes athle`tes pre´sents a` la manifestation sportive de visionner des extraits de films en lien avec le sujet de la maltraitance dans le milieu du sport; puis elle offrait a` ces jeunes la possibilite´ d'aborder cette question avec des pro- fessionnels. Dans son compte rendu, Morerod contextualise le projet " And you...? " sous l'angle de la me´diation, qui est particulie`rement en vogue en Suisse romande, tant dans le domaine pratique de la vie professionnelle que dans celui de la recherche.La rubrique suisse se clo^t sur la recension par Roland Cosandey du nume´ro 65 de la revue zurichoise cinema. Das Schweizer Filmjahrbuch, qui re´unit onze contributions sous la the´matique du " Scandale " (" Skandal "). Cosandey examine d'abord les multiples variations des statuts et des membres du comite´ de re´daction de la revue, dont l'histoire a commence´ en 1955. Pour lui, cinema donnerait matie`re a` une riche e´tude historiographique. Quand il e´voque plus spe´cifiquement le nume´ro 65 de cinema, l'auteur critique no- tamment le trop large e´ventail se´mantique du titre "scandale", qui permet d'inte´grer des textes traitant autant de la question de ce qui choque, de ce qui provoque, que de la censure.

Le dossier est consacré à l'écrivain et cinéaste allemand Alexander Kluge. Il porte avant tout sur des films réalisés durant les années 1960 à 1980. Signataire du manifeste d'Oberhausen en 1962 et figure incontournable du Nouveau Cinéma allemand, il demeure relativement méconnu dans la culture francophone malgré une filmographie abondante et une production pléthorique d'émissions télévisuelles. Son œuvre écrite a récemment été traduite en français et connaît un regain d'intérêt. Nous entendons par ce dossier faciliter l'accès à ses films pour un public francophone, tout en proposant des outils d'analyse qui n'ont pas été systématiquement appliqués à sa filmographie, et ceci malgré l'abondante secondaire produite dans les espaces anglo-saxons et germanophones. Son cinéma est fortement marqué par l'expérience traumatique de la Seconde Guerre mondiale et différentes formes d'oppression. Théoricien, sociologue et avocat de formation, il s'inscrit dans la postérité de la théorie critique telle qu'elle a été développée au sein de l'École de Francfort. Il développe à travers ses films une réflexion sur le processus de deuil, la mémoire, la résistance politique et artistique, notamment à travers des personnages qui se caractérisent par leur obstination. La forme de ses films se caractérise par le collage, un montage sur le mode du heurt, la disparité des matériaux utilisés et une stratégie de saturation du sens par la multiplicité des strates de signification déployées sur la bande image et la bande son. Une des raisons qui nous a poussé à réaliser ce dossier sur les films de Kluge est la récente édition par le Filmmuseum de Munich de l'intégralité de sa filmographie sous-titrée.La rubrique suisse est constituée d'un dossier thématique qui porte sur l'histoire de la télévision en Suisse romande, des années 1960 à 1980. Elle s'ouvre sur une reconsidération des liens de la télévision et du cinéma en retraçant les origines du Groupe 5 (Alain Tanner, Claude Goretta, Jean-Jacques Lagrange, Michel Soutter, Jean-Louis Roy). La production de long-métrages antérieurs au pacte de l'audiovisuel fait également l'objet d'une étude historique. Figurent finalement dans cette rubrique un entretien avec une figure importante du service dramatique de la TSR (Maurice Huelin), une analyse d'une chaîne de télévision privée, Télécinéromandie, ainsi qu'une réflexion sur les critères d'établissement d'une filmographie neuchâteloise prenant en compte la production télévisuelle.

Que nous disent les films d'Abdellatif Kechiche?Le quarante-troisième numéro de la revue Décadrages. Cinéma, à travers champs propose un voyage à la fois distancié et critique sur les films du cinéaste franco-maghrébin qui, à l'image de La Vie d'Adèle (2013) ou des récents Mektoub, My Love (2017/2019), ont défrayé la chronique et suscité de nombreux débats. À travers un faisceau pluriel de méthodes et d'approches, les six articles académiques regroupés dans ce dossier thématique visent à offrir un regard alternatif et documenté sur le cinéma de Kechiche pour nourrir le débat public, dans une optique de rapprochement du monde universitaire avec l'actualité sociopolitique.

Le dossier du numéro 40-42 de la revue Décadrages, consacré au cinéma ethnographique, repose sur deux ensembles distincts mais articulés: le film ethnographique tel qu'il s'est développé depuis les années 1950 au sein de comités nationaux en France ou en Belgique d'une part, et l'anthropologie visuelle telle qu'elle s'est déployée aux Etats-Unis, infléchissant le film ethnographique dans une direction plus artistique, d'autre part. Le premier volet de ce dossier est connu de ce côté de l'Atlantique, voire résumé au travail de Jean Rouch, dont l'œuvre est encore trop souvent départagée entre documents destinés à des spécialistes et films adressés aux cinéphiles, alors que lui-même a toujours explicitement contesté cette distinction. Le second volet n'est guère pris en compte dans l'histoire et la théorisation du cinéma documentaire, alors que ces films réalisés par des cinéastes-ethnographes – Tim Asch, Robert Gardner, John Marshall, pour citer les plus reconnus d'entre eux – sont très largement reconnus dans le champ de l'anthropologie visuelle. Le présent dossier entend interroger, rapprocher et distinguer ces démarches qui émergent autour des années 1940-1950 et tendent à s'institutionnaliser dans les années 1960-1970. Dans ce but, nous avons fait appel à différents spécialistes, pour certains inscrits dans le champ des études cinématographiques, mais la plupart dans celui de l'anthropologie visuelle. Ce dossier porte donc sur des films qui font figure de " classiques " et qui ont fait l'objet d'analyses approfondies (à l'instar des Maîtres fous de Jean Rouch ou des Statues meurent aussi de Chris Marker et Alain Resnais), mais il aborde aussi et surtout des démarches filmiques, dont l'invention formelle et le goût pour l'expérimentation nous paraissent pourtant évidents, qui n'ont guère été intégrées à la théorisation du cinéma documentaire, du moins en dehors des Etats-Unis.

Ce numéro de Décadrages propose d'étudier les échanges et les hybridations entre le cinéma et les jeux vidéo, tels qu'ils se sont développés dès le début des années 1970, aux niveaux économique, culturel et esthétique. Le numéro comporte des articles de plusieurs chercheurs de renom dans le domaine de l'étude du jeu vidéo (Bernard Perron, Alexis Blanchet, Sébastien Genvo). Chaque article propose une étude détaillée de ces contaminations réciproques à partir d'un corpus spécifique de films (comme les westerns) ou de jeux (comme les jeux de Lucasfilm Games).

Le dossier de ce numéro double de la revue est consacré au cinéaste indépendant américain Lionel Rogosin (1924-2000) dont les premiers films remontent aux années 1950. Son oeuvre aborde des thèmes sociaux comme le racisme, l'exclusion ou encore l'alcoolisme. Il s'agit d'un représentant méconnu du nouveau cinéma américain.

Le dossier du numéro 34-36 de la revue Décadrages interroge le cinéma de re-montage, à travers deux axes principaux: les films de compilation [compilation films], dont on peut faire remonter l'origine à la pratique du re-montage dans les années 1920 en Union soviétique; et le found footage, dont la perspective est plus " artistique " qu'" archivistique ", et qui connaît un développement sans précédents dans les années 1960. L'enjeu de ce numéro thématique consiste à articuler et à penser ensemble ces deux paradigmes d'appropriation de plans " trouvés ", sans nier leurs spécificités, ni leurs distinctions.Sollicitant des spécialistes internationaux, ce dossier propose dans son premier volet des essais sur la documentariste Esfir Choub, sur les cinéastes militants Joris Ivens et Henri Storck, sur la pratique situationniste du détournement, sur le statut des documents d'archive, ainsi que sur le film de montage de Jean-Gabriel Périot, Une Jeunesse allemande (2015). Dans son second volet, des essais portent sur l'artiste surréaliste Joseph Cornell, sur les expérimentations d'Arthur Lipsett à l'ONF, sur l'artiste assemblagiste Bruce Conner, sur un film " trouvé " approprié par le cinéaste expérimental Ken Jacobs, sur l'artiste et turntablist Christian Marclay, sur le projet épique de Jean-Luc Godard, Histoire(s) du cinéma, et enfin sur la pratique collagiste de l'artiste et cinéaste Abigail Child. Par ailleurs, les cinéastes indépendants Cécile Fontaine et Noel Lawrence ainsi que l'artiste Claude Closky ont développé des contributions plastiques pour la revue.