Vingt ans après avoir exploré les friches culturelles et les "nouveaux territoires de l'art", Culture & Musées consacre son nouveau numéro aux tiers-lieux culturels, ces espaces hybrides à mi-chemin entre lieu de création artistique, lieu de vie et espace citoyen.Portés par des collectifs d'artistes, des habitants ou des associations, les tiers-lieux culturels se distinguent par leur souplesse, leur fonctionnement collaboratif et leur ancrage territorial. Loin des institutions traditionnelles, ils expérimentent de nouvelles formes de création et de médiation, en lien avec les enjeux de transition écologique, de lien social et d'accès à la culture pour tous.Ce numéro interroge les promesses, mais aussi les limites de ces lieux parfois institutionnalisés ou récupérés par des logiques de marketing territorial. Il pose une question essentielle: les tiers-lieux culturels peuvent-ils renouveler durablement les manières de vivre, de créer et de partager la culture aujourd'hui?

A l'avant-garde de la création artistique, le monde du spectacle vivant contemporain fascine, mais reste souvent méconnu. Conjuguant enquêtes systématiques et études de cas plus spécifiques, ce livre synthétise cinq années de recherche collective par une équipe de sociologues au cœur des arts vivants sur la rive Nord du Léman.Dans cet ouvrage, des données d'une précision rare et des analyses nuancées viennent éclairer les rapports sociaux entre les acteurs et actrices du monde du spectacle contemporain, depuis les fonctions de programmation jusqu'aux métiers techniques en passant bien sûr par le travail de création des interprètes et des auteurs et autrices.Écrit dans une langue à la fois accessible et rigoureuse, ce livre intéressera aussi bien le public académique spécialiste des arts et de la culture, que les professionnel·les du secteur, et toutes les personnes désirant travailler dans le domaine du spectacle, ou souhaitant mieux comprendre comment fonctionnent ces mondes sociaux.

Au carrefour du Proche-Orient et de la Méditerranée orientale, le Levant a été de tout temps une aire multiculturelle, une zone de contacts entre l'Asie, l'Afrique et l'Europe. Depuis le XIXe siècle, des fouilles archéologiques en révèlent l'archéologie et l'histoire. En écho aux évolutions et aux enjeux de l'archéologie dans cette région, ce numéro de la revue Technè mettra en lumière les apports de l'approche pluridisciplinaire à la connaissance et à la préservation des patrimoines du Levant, du Néolithique à la fin du Moyen Âge. Les recherches fondées sur l'association de l'archéologie et de l'histoire à l'approche archéométrique s'y sont développées à partir de la première moitié du XXe siècle. Il s'agira de retracer les évolutions de cette démarche et les différentes étapes qui ont conduit à la mise en œuvre de nouvelles méthodes d'examen et d'analyses apportant une connaissance de plus en plus approfondie des productions de la culture matérielle des sociétés qui se sont épanouies dans cette région, et qui sont aujourd'hui conservées dans des musées et des collections publiques.

À l'heure où les images se répandent dans un flux continu, saturant nos écrans, nos champs de vision, nos horizons, les pratiques de création consistant à se réapproprier le répertoire visuel déjà produit traversent les arts et les médias.Ce volume questionne les modalités de ces reprises, les retours d'images qui gagnent un statut de référence, les défis portés à la propriété artistique, les processus de transformation et de recontextualisation opérés dans des registres variés – ludique, critique, engagé… Des mèmes internet aux reenactments, en passant par les tableaux vivants et les réemplois artistiques et cinématographiques d'images d'autrui, ce numéro confronte les démarches de réappropriation pour mieux en cerner les contours, les limites et les potentiels créatifs.

L'ouvrage restitue les résultats d'une enquête collective menée pendant deux ans sur le festival Off d'Avignon, terrain particulièrement éclairant pour penser et questionner les rapports à l'art et à la création aujourd'hui.Fruit d'une enquête collective de deux ans, l'ouvrage explore le festival Off d'Avignon, historique pendant protestataire du festival In ; terrain particulièrement éclairant pour penser et questionner les rapports à l'art et à la création aujourd'hui, ainsi que les mutations qui traversent la filière du spectacle vivant dans un contexte post crise sanitaire et à l'heure des transitions environnementale, économique, numérique et sociale.

Depuis les années 1970, l'articulation entre l'histoire de l'art et les questions propres au genre dans les pratiques artistiques produit une réflexion critique qui occupe, jusqu'à aujourd'hui, une place prépondérante dans la sphère de la recherche et de l'enseignement à l'échelle globale. Les luttes pour les droits des femmes et des personnes queers permettent de réfléchir aux formes esthétiques plurielles qui s'épanouissent dans une histoire politique, culturelle et sociale de l'art. Celle-ci, à son tour, ouvre à des enjeux scientifiques majeurs, renouvelant les paradigmes de la recherche de façon puissante. Ce qui est à souligner, quand on considère ces enjeux, c'est la façon dont l'histoire de l'art, quelles que soient les périodes concernées, agit comme une force motrice où les idées sont littéralement tractées du présent vers le passé ou vers un futur en devenir. Les objets étudiés, dans toute leur diversité, sont des jalons de processus historiques, théoriques, critiques et esthétiques entremêlés. À la lecture des essais qui composent ce volume, on comprend que leurs autrices et auteurs engagent des réflexions qui font de l'histoire de l'art un espace de possibles, cherchant à bouger les lignes (chronologiques, thématiques, épistémologiques), renversant toute définition unique de la discipline.

Cet essai retrace l'histoire d'une série de malentendus qui jalonnent les vies multiples d'une œuvre et interrogent le rapport toujours tendu qu'entretiennent l'art et le politique. Tout débute par un ensemble de stratégies interprétatives destinées à " neutraliser " le sens que l'on attribue à la peinture du drapeau des États-Unis réalisée par Jasper Johns en 1954-1955. En inverser les couleurs revient-il à révéler une charge politique latente? Les interprétations qu'en donnent Faith Ringgold, Donald Judd ou Yvonne Rainer à la fin des années 1960 trahissent-elles l'indifférence de leur modèle? Certes, nous prévient Jasper Johns, un artiste qui dit fabriquer du chewing-gum peut se trouver attribuer l'intention de produire de la colle. L'histoire continue et, en 2025, on ne saurait sous-estimer la portée symbolique d'un drapeau des États-Unis en négatif tel que l'a peint Jasper Johns il y a tout juste 60 ans.

Les contributeurs et contributrices de ce numéro se penchent sur la question du travail dans ses relations avec l'histoire de l'art. Des représentations iconographiques – comme celles de l'artisanat, de l'industrie ou encore des femmes au travail – aux corporations et à la conception du statut de l'artiste en passant par la définition et l'exercice du métier d'historien et historienne de l'art, le thème de ce numéro permet d'examiner l'évolution de la conception de l'activité artistique en même temps que le développement du vocabulaire destiné à la nommer. Il s'agira également d'identifier les courants de l'histoire de l'art qui ont porté leur attention sur la production et le processus de l'art plutôt que sur sa réception et de comprendre selon quelles théories, méthodologies ou idéologies la discipline s'est constituée.

L'art urbain prend corps dans la rue. Il s'y expose, voire s'impose, tout en s'invitant parfois entre quatre murs.À travers les articles de chercheurs, les témoignages d'artistes, de porteurs de projets, mais aussi d'institutions culturelles de France et d'ailleurs, cet ouvrage collectif propose une analyse croisée autour des problématiques de monstration et d'expographie de l'art urbain. Par la mise en lumière de dispositifs originaux, alternatifs ou encore d'outils muséographiques traditionnels liés à ces pratiques plastiques et performatives, il s'agit d'interroger leur diffusion avec recul et exigence.

Ce numéro de La Revue de la BNU propose une plongée inédite dans le monde des archives musicales. Il interroge la place de la musique dans les bibliothèques, les centres d'archives et les institutions patrimoniales, en explorant des fonds riches, variés et souvent méconnus. Comment conserver ce qui est de l'ordre du son, du geste ou de l'interprétation? Comment transmettre des œuvres musicales à travers des documents, des enregistrements, des objets?Autour d'un dossier thématique structuré en trois volets — archives de musiciens, musiques populaires et expérimentales, territoires musicaux —, chercheurs, bibliothécaires et spécialistes révèlent les coulisses de collections fascinantes: Marius Constant, Jean-Marie Londeix, Déodat de Séverac, ou encore Georges Kastner. Sont également abordées les archives du jazz, les musiques de film, les collectes ethnomusicologiques, ou encore la mémoire sonore d'un quartier en transformation.Le numéro propose aussi des rubriques riches et variées: une photographie rare d'Iannis Xenakis, un hommage à Paul Méfano, une lettre inédite de Schönberg à Max Deutsch, et un aperçu des nouvelles acquisitions patrimoniales et des actualités scientifiques de la Bnu.Richement illustré et rédigé dans une langue accessible sans sacrifier la rigueur, ce numéro s'adresse à tous ceux qui s'intéressent à la musique comme fait culturel, à la mémoire sonore, à la patrimonialisation des œuvres immatérielles, et à la diversité des formes que prend la conservation musicale aujourd'hui.

La lumière étant traditionnellement considérée comme immatérielle, l'association " Lumière Matière " ne va pas nécessairement de soi. Pourtant, en écho à l'histoire scientifique qui balance entre lumière corpusculaire et lumière ondulatoire, l'art transcende sa complexité équivoque par le mouvement et le rayonnement.Conçu par le programme de recherche Lumière de Spectacle (Université de Lille) et issu d'un colloque franco-italien en collaboration avec l'Université de Padoue et l'Istituto per il Teatro e il Melodramma (Fondazione Cini), cet ouvrage pluridisciplinaire en explore les limites et les enjeux, réunissant des contributeurs internationaux (France, Italie, Brésil, Belgique).Artistes, éclairagistes et universitaires ont mis en commun leurs compétences et expertises pour aborder les aspects matériels et immatériels de la lumière dans les domaines des arts de la scène, selon des approches historiques, esthétiques et contemporaines liées à la création lumière.

Sous l'Ancien Régime, les foires, et les " jeux " qu'elles attirent, sont présentes dans toute la France, avec une durée et un prestige variables selon l'importance des villes : Paris, Beaucaire, Guibray, Lyon, Bordeaux… Si les spectacles forains parisiens sont bien connus car les plus documentés, la vie foraine, organisée en saisons et enrichie de spectacles importés d'autres pays européens, comme l'Angleterre et l'Italie, a irrigué de nombreuses villes de province. L'ouvrage analyse l'expression et le déploiement de cette activité foraine dans un contexte géographique élargi, en incluant les pérégrinations des forains eux-mêmes, sur un empan historique de près de deux siècles : 1660-1830. Mélange de numéros variés, allant des tours de passe-passe aux comédies de l'Opéra-Comique, des montreurs d'animaux aux théâtre de marionnettes, des " curiosités " et lanternes magiques aux spectaculaires acrobaties et danses de cordes, sans oublier les démonstrations des charlatans ou " opérateurs ", le spectacle forain présente une variété de facettes, autant de particularités ou d'invariants. À l'appui de documents d'archives inédits, de l'iconographie, de textes littéraires, historiques ou encore musicaux, il s'agit de mettre en évidence la nature, la dramaturgie et la richesse artistique de ces jeux forains à succès.