Le monastère bénédictin de Saint-Germain-des-Prés compte parmi les plus prestigieuses institutions ecclésiastiques du Paris médiéval comme la cathédrale Notre-Dame de Paris ou l'abbaye Sainte-Geneviève. Il a laissé un massif exceptionnel de documents produits entre le XIe et le XVe siècle, aujourd'hui conservés aux Archives nationales et à la Bibliothèque nationale de France. Fondé sur l'étude matérielle de ce vaste corpus et nourri d'autres sciences humaines et sociales comme la sociologie ou la géographie, ce livre montre comment l'écrit est progressivement devenu l'un des rouages essentiels du gouvernement du monastère. Richement illustré, il invite le lecteur à entrer dans les archives de l'abbaye pour suivre les transformations des pratiques documentaires et comprendre leurs effets sur trois dimensions fondamentales de la domination monastique : le contrôle des populations de la seigneurie, la maîtrise de l'espace et la rationalisation de l'administration. En confrontant le cas de Saint-Germain à celui d'autres grandes abbayes du nord du royaume de France et de l'Occident médiéval, Louis Genton retrace ainsi, sur le temps long, une histoire commune des innovations documentaires monastiques et éclaire la manière dont l'écrit a contribué à façonner les institutions médiévales.

Depuis les théâtres de la Foire du début du XVIIIe siècle jusqu'à la troisième salle Favart que nous connaissons aujourd'hui, l'Opéra-Comique apparaît comme une institution plus ouverte aux carrières féminines que d'autres scènes lyriques parisiennes. On se souvient surtout des grandes cantatrices qui s'y sont illustrées, comme Emma Calvé qui fut une Carmen célèbre mais aussi une collaboratrice inspirée de Jules Massenet. On sait moins que les premières troupes foraines furent gérées par des directrices, qu'une romancière des Lumières comme Marie-Jeanne Riccoboni écrivit pour cette scène un livret, que des compositrices comme Sophie Gail, sous la Restauration, ou Elsa Barraine, au milieu du XXe siècle, y connurent le succès, que des chorégraphes, sous la Troisième République, surent, comme la célèbre Mariquita, y poser les bases de la danse moderne. Fait notable, l'Opéra-Comique n'a employé que des femmes dans le rôle de maîtresses de ballet de 1877 à 1930. Si ces artistes, et particulièrement les compositrices, ont dû vaincre maints obstacles pour mener à bien leur carrière, leur présence sur ce théâtre ne doit pas être sous-estimée. Ce volume réunit des contributions à deux colloques tenus à l'Opéra-Comique, en 2019 et 2020, écrites par des spécialistes de plusieurs disciplines : musicologie, danse, littérature, arts du spectacle. Leurs enquêtes, fondées sur de nombreux documents d'archives inédits, sont complétées par des annexes utiles (chronologies, répertoires, index) en vue de corriger une histoire de l'Opéra-Comique trop souvent racontée au masculin.

Novembre 1883, à Paris, la presse à grand tirage fait ses choux gras d'une histoire fantasque : quatre mormons, désireux de compter parmi leur progéniture des descendants de Victor Hugo, lui auraient présenté deux jeunes femmes de leur Église pour qu'il les prenne comme épouses. Les nombreuses réactions que suscite cette anecdote mettent sur le devant de la scène les membres de cette nouvelle communauté religieuse américaine, devenue au fil du siècle un trope familier de la presse, de la littérature et de la culture populaire françaises. Pourquoi le mormonisme intéresse-t-il autant, et comment est-il compris dans la France du XIXe siècle ? Les mormons incarnent-ils le capitalisme moderne du Nouveau Monde, ou au contraire un socialisme utopique, eux qui pratiqueraient la propriété collective ? Sont-ils les ardents défenseurs d'un régime patriarcal fondé sur la polygamie ou bien des libéraux d'un genre nouveau, où les femmes exercent un pouvoir bien plus grand au sein des familles ? C'est qu'ils sont, dans l'imaginaire français, un peu tout cela à la fois.En explorant un vaste ensemble de textes, d'images, d'opérettes, de dessins ou d'articles de presse, Heather Belnap, Corry Cropper et Daryl Lee montrent comment les mormons sont érigés en figures archétypales, voire caricaturales, qui permettent de travailler en creux les représentations d'une société française alors en pleine mutation. De la monarchie de Juillet jusqu'à la Grande Guerre, le mormonisme a ainsi été instrumentalisé pour dénoncer, comparer, parodier les grandes affaires de l'époque et évoquer tour à tour les débats autour du divorce, de la famille ou des droits des femmes. Sous la plume ou le crayon d'auteurs issus d'horizons divers, les mormons deviennent alors les personnages de récits qui agissent comme autant de révélateurs des questionnements français sur la religion, la politique, le genre et même le colonialisme.

Dans sa nouvelle maquette, ce dix-huitième opus de la collection " Histo.art " propose une réflexion inédite sur les croisements féconds entre histoire des sensibilités et histoire de la photographie. Parce que l'histoire des émotions et des affects suscités par la photographie a souvent été inaperçue, Pour une histoire des sensibilités photographiques se propose de l'explorer en se demandant ce que l'histoire des sensibilités, qui étudie les fluctuations des perceptions sensorielles, des émotions et affects, des goûts et dégoûts, peut apporter à l'histoire de la photographie, et vice versa. Pour ce faire, ce volume se propose de suivre plusieurs pistes : la désensibilisation ou de re-sensibilisation du regard, la naissance et les variations d'un goût pour les photographies dites ordinaires ou personnelles, la relation aux images dites " sensibles ", les émotions ressenties face à l'appareil photographique, ou encore, le rapport à la nature ou aux inquiétudes environnementales des photographes.

Que fête-t-on quand on célèbre le centenaire, le cent-cinquantenaire ou le bicentenaire de la photographie ? La toute première image – ou, en tout cas, la plus ancienne connue et conservée, datée de 1826-1827 ? La divulgation publique d'un procédé technique qui a radicalement transformé notre sens visuel avec la commercialisation du daguerréotype en 1839 ? S'agit-il d'honorer des pionniers tels que Niépce ou Daguerre, quitte à verser dans une perspective nationaliste, ou bien de valoriser la richesse d'une pratique culturelle répandue dans le monde entier ? Cet essai retrace l'histoire des multiples anniversaires de la photographie et, relevant les diverses formes que leurs célébrations ont prises – expositions, discours officiels, statues ou banquets –, pose ainsi les jalons du surgissement d'une véritable conscience patrimoniale de la photographie.

1848, Afrique de l'Est. À mi-chemin entre la région des Grands Lacs et la côte swahili, alors qu'il cherche à évangéliser cette partie du continent, un missionnaire européen observe pour la première fois une immense montagne aux sommets enneigés : le Kilimandjaro.La description qu'il en rapporte suscite de vives réactions en Europe, et lance un grand mouvement d'exploration en Afrique de l'Est. Dans les décennies qui suivent, les voyageurs européens se succèdent et les puissances impériales se disputent le Kilimandjaro, perçu comme un véritable éden au cœur de l'Afrique : objet d'âpres négociations entre Allemands, Britanniques et Zanzibarites, le massif est finalement intégré au territoire colonial de l'Afrique orientale allemande (actuels Burundi, Rwanda et Tanzanie continentale), juste de l'autre côté de la frontière de l'Afrique orientale britannique (actuel Kenya). Les Allemands font alors du Kilimandjaro un emblème de leur puissance coloniale ; et sous leur domination, il devient un haut lieu du tourisme occidental en Afrique de l'Est.Le livre explore la fabrique de cette icône est-africaine et révèle les mécanismes de la domination coloniale qui la sous-tendent. Car, derrière les neiges éternelles du Kilimandjaro et ses forêts tropicales qui incarnent la nature africaine par excellence, se cache l'histoire, plus sombre, d'un violent et implacable mouvement d'expropriation des populations est-africaines par les Occidentaux en situation coloniale.

Dans les arts visuels des XXe et XXIe siècles, la notion de " collectif " ne désigne pas seulement une manière de travailler à plusieurs : elle engage des formes de création, de représentation et d'adresse qui reconfigurent en profondeur les rapports entre individu, communauté et public. À partir d'approches transdisciplinaires, ce numéro interroge le collectif comme catégorie esthétique et politique, en examinant ce que les artistes, les œuvres et les dispositifs visuels font au collectif, et ce que le collectif fait à l'art. En analysant les multiples formes que peut prendre le collectif (collectif de création, collectif représenté, collectif destinataire), les articles mettent en lumière les tensions qui traversent ces pratiques sans céder à une idéalisation du " faire ensemble ", et montrent que le collectif est à la fois une ressource critique, un outil de politisation et un lieu de négociation permanente, pris entre aspirations émancipatrices et contraintes institutionnelles, économiques ou symboliques. Le collectif ne serait ainsi ni une évidence ni une solution en soi, mais un processus à construire, à représenter et à penser. Il invite à investir les arts visuels comme un espace privilégié pour rendre sensibles les structures sociales, interroger les récits dominants et expérimenter de nouvelles manières de faire société.

En unité de soins palliatifs (USP), les soignants au sens large (du médecin à l'agent de service hospitalier [ASH] en passant par l'aide-soignant et le psychologue) ont été formés à soigner, parfois à guérir, et tous les malades qu'ils prennent en charge meurent. Comment faire du bon travail dans ce contexte ? Comment ne pas en souffrir et poursuivre, jour après jour, son activité ? Malgré ce que nous imaginons être une source de souffrance soignante, souvent, les professionnels s'inscrivent au long cours dans ce service et ne développent pas de pathologies liées au travail. Bien au contraire, plusieurs soignants disent avoir (re)trouvé un sens à leur activité en arrivant en USP ; sens qui fait parfois défaut dans des conditions hospitalières globalement dégradées. Si les USP sont mieux dotées en personnel que la gériatrie, tout dépend cependant de la mission et de la définition de la mort que l'on se donne. Ici, les cultures professionnelles sont importantes, comme celle d'accompagner celui qui meurt et ses proches. Le mourir et la mort sont politiques, non pas que l'on nie la réalité physiologique qui mène au décès et la thanatomorphose qui s'en suit, mais plutôt que les représentations et pratiques qui encadrent le mourir et la mort sont liées aux cultures mises en œuvre, ici celles des professionnels, des malades et de leurs proches. Ces constructions s'appuient alors sur différentes représentations, de ce qu'est la maladie, la fin de vie, le deuil, mais aussi la personne.

Les déplacements depuis l'Europe vers le Moyen-Orient et l'Afrique du Nord à partir de la fin du XIXᵉ siècle n'ont que récemment suscité l'intérêt des historiens. La dissolution de l'Empire ottoman, les deux guerres mondiales et la décolonisation constituent autant de moments charnières de cette histoire transcontinentale. Ce numéro envisage les sociétés du Moyen-Orient et de l'Afrique du Nord comme des espaces d'arrivée, de transit et d'installation pour des réfugiés venus d'Europe aux XIXᵉ et XXᵉ siècles. Les articles abordent les modalités de la venue, du passage et de l'établissement de ces réfugiés, leurs interactions avec la société civile et les institutions étatiques ainsi que l'évolution des politiques de refuge, de peuplement et de migration dans ces régions, dans le contexte des régimes coloniaux et postcoloniaux des XIXᵉ et XXᵉ siècles.