Au XXe siècle, alors que la sécularisation de la société s'amplifie, que les vocations ecclésiastiques s'effondrent, des écrivains catholiques aspirent à obtenir une vraie reconnaissance littéraire tout en revendiquant leur étiquette de croyant. De Barbey d'Aurevilly à Bernanos, de Bloy à Cesbron, de Bourget à Michel de Saint- Pierre, ils offrent aux lecteurs deux veines d'une littérature d'inspiration catholique profondément distinctes. Ils développent une nouvelle forme de fi ction, le roman sacerdotal, où un prêtre de papier est au coeur du drame, mêlant inextricablement écriture d'engagement et recherche littéraire. Enjeux spirituels, politiques, sociaux et littéraires ne se séparent pas. Même les choix esthétiques répondent à un projet tant littéraire que spirituel.

Albert Camus se définissait comme artiste, plus que comme écrivain. Même s'il a exercé avec talent bien d'autres " métiers ", c'est dans la création – qui passe pour lui par l'édification d'un langage – qu'il tente de faire son " métier d'homme " de la manière la plus accomplie. Il réfléchit sur l'art dès ses écrits de jeunesse et il n'interrompra jamais cette méditation. Elle prend la forme de commentaires théoriques sur les fonctions de l'art et sur la responsabilité de l'artiste, où l'exigence éthique est constamment présente. Elle mène aussi à une maturation secrète par laquelle s'approfondit sa vocation d'artiste. C'est ce rapport de Camus à l'art que nous avons voulu explorer: à son art, aux artistes, à d'autres arts en particulier, à l'art en général. Les contribu- tions qui forment ce volume font appel à l'ensemble de l'œuvre de Camus, y compris des textes peu connus, dont elles dévoilent la pertinence; leurs auteurs viennent de quatre continents et couvrent quatre générations de chercheurs – unis par la conviction que, sans que soient réduites les autres facettes de son expérience existentielle, la dimension esthétique est centrale dans l'être-au-monde de Camus. Ce livre intéressera, bien sûr, ceux qui veulent en apprendre davantage sur Albert Camus et en découvrir un pan méconnu, mais aussi ceux qui veulent approfondir la réflexion esthétique et la théorie sur l'art.

On s'est beaucoup interrogé sur l'articulation de la double face de Macedonio Fernández (Buenos Aires, 1874-1952), auteur de textes philosophiques et d'une oeuvre littéraire variée (humour, roman, poésie). Cet ouvrage, dont le fil conducteur est la critique de la représentation dans le domaine philosophique et dans la pratique littéraire, cherche à saisir le moment où la distinction entre philosophie et littérature disparaît. Le concept d'affection, élaboré à la lisière des oeuvres de ses maîtres (A. Schopenhauer, W. James) et dans l'effervescence des avant-gardes, est la clé de cette entreprise. En 1921 arrive en Argentine le fils d'un ami de jeunesse de Macedonio, J. L. Borges, qui rapporte ainsi les liens d'amitié qui se nouèrent entre eux: " Les historiens de la mystique juive parlent d'un type de maître appelé Zaddik, dont la doctrine de la Loi est moins importante que le fait qu'il soit lui-même la Loi. Il y avait quelque chose de Zaddik chez Macedonio. En ces années-là, je l'imitais jusqu'à la simple transcription, jusqu'au plagiat passionné et plein de dévotion. Je ressentais Macedonio comme étant la métaphysique et la littérature. Ceux qui l'ont précédé ont pu resplendir dans l'histoire, mais c'étaient des brouillons de Macedonio, des versions préalables et imparfaites. Ne point imiter cette norme eût été une incroyable négligence. " Les pages de ce livre ne perdent jamais de vue les traces que Macedonio a pu laisser dans l'oeuvre de son disciple le plus doué.

Ces Entretiens sont attachés à un lieu, qui leur donne son nom: La Garenne Lemot, une villa néo-classique, aux bords escarpés de la Sèvre, dans l'évocation de la Toscane. En cet endroit l'on peut parler de beauté et de grâce, mais aussi, comme nous l'avons fait, de tolérance et d'amitié. Ces Entretiens sont annuels. Le lieu est essentiel. Il communique un charme et une grâce qui ouvrent à la beauté. Il engage à l'absence de raideur que nous avons rêvée, chacun à travers nos disciplines et nos imaginaires. C'est d'ailleurs ainsi que nous entendons ces Entretiens. Des sujets vagues, dirait-on, des lieux communs, mais affrontés avec rigueur. Il y a longtemps que nous nous exerçons à ce que j'appelle l'élucidation critique des lieux communs de l'imaginaire, en prenant les chemins de nos disciplines, pour les regarder se rencontrer. Cette année-là il s'agissait du Rythme. Dans ce volume il sera beaucoup question de musique, (de la musique classique au jazz) et de poésie, mais aussi de médecine, de biologie, de mathématiques et de politique. On y trouvera les réflexions des philosophes, des historiens d'art et l'ensemble des textes permettra ainsi de donner un aperçu original sur ce thème du rythme. Un index des noms pourra être utile au lecteur pour s'y repérer. Ces Entretiens organisés sous la responsabilité de l'Association Les Entretiens de La Garenne Lemot ont pu avoir lieu grâce au soutien de l'université de Nantes (" Marges, Modernité, Antiquité " du Laboratoire Texte, Langage, Imaginaire. Modernité de l'Antique), du Conseil général de Loire Atlantique, du Conseil régional des Pays de la Loire, et de la mairie de Nantes. Nous remercions également Monsieur Charles Pain, de Panzoult, et Monsieur Denis Heuzé, de Bordeaux, pour leur généreux soutien.

Celui qui ouvre un livre " avec figures " est prévenu. Ce lecteur est aussi spectateur. Il l'est parfois avant tout et s'attardera sur un frontispice, au seuil d'un volume. Il l'est peut-être surtout et cherchera des images dispersées. Qui sait même s'il lira le livre, fût-ce un roman? Et qui dit que ces images seront contemplées durablement? On voudrait rendre compte ici de cette précarité et de cette intimité des relations du livre illustré et de son lecteur-spectateur. Le XVIIIe siècle est sans doute le siècle de l'illustration. Ces estampes s'imposent comme une évidence mais elles opposent aussi une résistance. Peut-on seulement encore voir ces gravures, ces eaux-fortes d'après Cochin, Gravelot, Eisen, Chodowiecki, Moreau, Marillier ou Stothard? Et qu'y voyons-nous? On montre et on explore ici ces figures, omniprésentes dans le livre et oubliées, indispensables et méprisées. Le XVIIIe siècle est peut-être déjà le siècle du roman. La Vie de Marianne, Clarissa, Julie ou La Nouvelle Héloïse et Le Paysan perverti tournent autour des figures que sont leurs personnages. Leurs éditions parues entre les années 1730 et la fin des années 1780 sont les jalons majeurs de l'illustration romanesque en Europe. Mais qu'est-ce que le roman aurait à voir avec l'image précisément? Qu'est-ce qui fait image et que fait l'image? On tente ici de cerner ce qui hante le roman et lui échappe, ces figures qui sont autant de fantômes. Faire avec toutes ces figures, c'est accepter l'étrangeté de l'image et interroger la familiarité du texte; c'est rendre justice au livre qui les met face à face; c'est engager notre imagination et entrer dans la fiction.

Fondé sur les recherches récentes concernant la notion de dispositif, cet ouvrage se propose d'étudier un corpus de " scènes érotiques " empruntées à diverses époques et issues de plusieurs disciplines: les arts du spectacle, les arts plastiques, le cinéma, la photographie et la littérature. Les premières contributions de cet ouvrage envisagent le dispositif de manière concrète: elles montrent que mettre en scène un dispositif de représentation suppose d'articuler un espace destiné au regard du lecteur/spectateur au moment de la consommation esthétique. Un autre regard anticipe fréquemment la vision du spectateur: celui d'un personnage placé en position de voyeur. Sa présence renforce la confi guration du dispositif en signalant l'existence d'un écran derrière lequel se cacher et vient également attester de l'effi cacité physique de la scène érotique. Mais l'intérêt du dispositif tient fi nalement moins dans sa capacité à organiser le monde qu'à le défaire: en effet, la très forte dimension subversive de nombre de représentations étudiées dans cet ouvrage révèle la puissance politique de la scène érotique.

Du gothique au fantastique le plus postmoderne, de la fiction spéculative aux dystopies, l'imaginaire des futurs possibles de l'humanité permet d'explorer les frontières de l'humain. Depuis Foucault et son visage de sable, de nombreux philosophes et sociologues ont constaté une fragilisation de l'humain et son possible effacement dans un monde où la nature même du réel est remise en question. Au cours des dernières décennies, de nombreux textes sont venus complexifier la réflexion en la mettant en regard d'une posthumanité. Se repose alors la question de la définition de l'humain, qui semble désormais se penser par une absence, par ce qu'il n'est pas ou ne sera plus. Par ailleurs, le pouvoir du virtuel sur le réel marque de nombreux artistes qui ont recours à l'imaginaire pour illustrer une société de l'image et du simulacre. La résistance des corps – individuels et collectifs – s'inscrit alors dans une réflexion politique et philosophique sur une persistance possible de l'humain. Cet ouvrage explore les modes de représentation de l'humain à l'aube du posthumain. Même si les confrontations entre homme organique et êtres artificiels remontent au début du XIXe siècle, c'est surtout l'après Seconde Guerre mondiale, alors qu'apparaît la possibilité d'une mort globale de l'humanité, qui est ici privilégiée, aussi bien dans la philosophie que les arts textuels et visuels. Les progrès technologiques n'ont pas cessé depuis et se sont ouverts au vivant, avec l'apparition des biotechnologies: les automates ont ainsi cédé la place aux cyborgs, aux clones et aux intelligences artificielles.

Ce travail, envisageant l'ensemble de l'œuvre de la nouvelliste canadienne Alice Munro (quatorze recueils entre 1968 et 2012), se propose d'étudier la façon dont le silence quitte l'univers diégétique pour contaminer la narration et l'écriture, soit un passage des politiques du silence à une poétique du silence, sensible dans l'art de la nouvelle tel que le pratique Alice Munro. La première partie étudie la représentation d'une " communauté du silence " et le rôle du silence dans les jeux de pouvoir ainsi que la représentation de la censure et du " silenciement ". la seconde partie étudie la façon dont ponctuation et typographie sont utilisées pour dessiner sur l'espace textuel les voix et paroles silenciées. La troisième partie est consacrée aux représentations des " corps et lieux du silence ": le corps féminin, tantôt objet de censure, tantôt menacé par la perte de la parole, tantôt lieu où le secret vit en silence, et le paysage canadien, dont les surfaces et couleurs ont pour rôle de simultanément cacher et révéler la présence des secrets et silences. La dernière partie tente de définir la poétique du silence ou les silences de la nouvelle: réticence, omissions, mensonges, superpositions, textes fantômes, fragments, refus de la clôture caractérisent en effet les nouvelles d'Alice Munro.

Riche de ses quinze études originales, le présent volume se propose d'avancer la connaissance des collections (phénomène éditorial essentiel aux XIXe et XXe siècles qui a façonné, en particulier, les pratiques d'achat et de lecture du grand public), ainsi que de leur rôle dans la construction des sociétés contemporaines. Chacune à sa manière, les différentes contributions étudient l'objet collection, non seulement en tant qu'artéfact, ou objet emblématique d'une nouvelle consommation culturelle, mais aussi en tant que fait de société à part entière. Adoptant une perspective spatio-temporelle résolument large qui embrasse trois siècles, les articles étudient des cas européens (France, Espagne, Italie, Suisse, Belgique) aussi bien qu'américains (Canada, Argentine). Dans sa démarche, ce volume se veut avant tout comparatiste, donnant ainsi au lecteur une vision horizontale des transferts et de la circulation des modèles éditoriaux. Les différents points de vue adoptés pour appréhender la collection sont une autre force de ce volume. En mobilisant une documentation abondante et variée, les auteurs se penchent notamment sur le rôle des différents acteurs associés au processus de création et de diffusion (auteurs, directeurs de collection, éditeurs, lecteurs, traducteurs), sur les enjeux matériels et économiques sous-jacents à tout projet éditorial ou bien encore proposent une approche thématique, la collection contribuant à structurer le savoir dans un domaine de connaissance donné (littérature, histoire, sciences, médecine…). Parce qu'au fil des pages sont également abordés, en filigrane, les changements culturels majeurs qui ont conduit à la démocratisation de la culture et à la culture de masse, cet ouvrage devrait retenir l'attention des spécialistes du sujet, mais aussi des professionnels de la culture et de l'édition de plus en plus interpellés par l'avenir du livre dans un marché éditorial mondialisé.

À rebours des thèses structuralistes, ce livre affirme que la littérature parle du monde. Il y a du hors-texte. Cette étude de quatre œuvres marquantes d'auteurs emblématiques du mouvement postmoderne apporte une contribution importante à la géocritique et aux théories de l'espace qui fleurissent aujourd'hui dans le domaine de la littérature générale et comparée. Le monde, balisé par les lignes imaginaires des géographes et des navigateurs, est sillonné par les migrants, les voyageurs et les armées en campagne. Les frontières quant à elles sont des lignes qui ancrent une identité dans le territoire, et ce sont bien souvent des obstacles infranchissables. L'approche géocritique met en évidence la crise de ces notions dans les descriptions de villes utopiques des Città invisibili d'Italo Calvino, dans la course folle de l'héroïne des Grandes Blondes, de Jean Echenoz, dans les espaces subjonctifs de la Zone que parcourent les personnages de Gravity's Rainbow, de Thomas Pynchon, et dans les déserts rocheux du grand roman d'après-guerre de Christoph Ransmayr, Morbus Kitahara. Une fois résolue la très ancienne question de la représentation mimétique qui se trouverait au fondement de toute œuvre d'art, on peut faire émerger l'idée que dans la fiction récente, les configurations spatiales participent à l'intrigue de façon déterminante. Au-delà de la nostalgie postmoderne pour un monde vaste, qui recèlerait encore une part d'inconnu et serait favorable à tous nos désirs, ces œuvres instaurent une nouvelle relation à l'espace. Conçu comme un ensemble rhizomatique de milieux et de flux connectés entre eux, le monde entretient avec la littérature des rapports dont les textes du corpus, dans leur variété, permettent de saisir la cohérence.

Si les mythes représentent souvent la grandeur et la beauté de l'aspiration au savoir, inséparable de la condition humaine, ils en explorent aussi de manière récurrente les périls, qu'ils figurent à travers des personnages au destin terrible et fascinant: de Cassandre et d'Œdipe à Faust et Frankenstein, en passant par Prométhée, Narcisse ou Psyché, se dessine en variations potentiellement infinies le cortège des êtres qui n'ont ou ne donnent accès à la connaissance qu'au prix des plus grands malheurs pour autrui et/ou pour eux-mêmes. Or, en tête de ce cortège, se trouvent les Sirènes du chant XII de l'Odyssée, dont le chant merveilleux est promesse de mort autant que de savoir et qui, dans de nombreuses versions du mythe, sont finalement à leur tour vaincues, mutilées voire tuées. L'équation savoir = danger posée de manière à la fois implacable et énigmatique par le texte homérique autour des Sirènes a été le point de départ d'une immense chaîne de réécritures: qu'elles détiennent un savoir véritable ou n'en offrent qu'une pure virtualité, qu'elles soient dangereuses ou en danger, ces créatures hybrides, femmes-oiseaux ou femmes-poissons, dont même le nombre est instable, n'ont jamais cessé de hanter la littérature de leur présence aussi séduisante qu'inquiétante. Le présent volume se veut une enquête sur les raisons, les modalités et les effets de cette présence; du temps d'Homère à nos jours, il trace en deux volets – le premier consacré aux Sirènes grecques et romaines, le second allant du Moyen Âge au XXIe siècle – une histoire littéraire de ce mythe fondateur du savoir périlleux.

Cet ouvrage fait suite au colloque " L'habit d'emprunt : supercheries littéraires et tissages des arts " organisé en 2009 à l'université Paris-Est-Créteil et à la médiathèque L'Astrolabe de Melun. Il aborde les productions contemporaines (littéraires, picturales, musicales, photographiques ?) en faisant l'hypothèse qu'elles avancent masquées. Dans les œuvres contemporaines, les costumes, les reflets et les illusions sont plus que des thèmes : ils hantent les récits, de l'intrigue jusqu'aux personnages et aux narrateurs, des mots jusqu'aux figures de style. Ils sont les marques de dédoublements, de vols, d'emprunts, mais aussi du visible, de parure, d'invisible, voire de nudité. Quels sont les représentations et les enjeux esthétiques et éthiques des emprunts visibles ou invisibles. Quels sont les procédés poétiques, narratifs, interartistiques et philosophiques dont disposent les écrivains et les artistes ? Telles sont les questions qu'abordent les auteurs qui ont contribué à cet ouvrage.