L'œuvre de Michel Tournier a, depuis plus de quarante ans, donné lieu à de très nombreuses traductions dans les diverses langues européennes, même les plus rares, comme l'estonien, le géorgien, mais aussi en hébreu, en chinois, en japonais, en thaï... Ses livres, particulièrement les contes, ont été illustrés par des artistes français tels Georges Lemoine, Alain Gauthier, Claude Lapointe, Alain Letort. Or les traductions, comme les illustrations, sont des interprétations à travers lesquelles se profilent les multiples facettes d'un écrivain que nous renvoient en miroir des contextes spatio-temporels différents. Ce livre fait entendre la voix de ceux qui ont contribué à la réception de cette œuvre multiple et qui sont à des titres divers les "passeurs" nécessaires : journalistes, traducteurs, illustrateurs, enseignants chercheurs, venus de tous les continents. Le langage des mythes explique-t-il cette large diffusion par-delà les frontières géo-graphiques et culturelles ? Ce livre se propose d'étudier la diversité des images que Michel Tournier donne de lui-même : écrivain géographique, voyageur ou sédentaire, écrivain classi-que, reconnu ou subversif, conteur, philosophe, chrétien.

Personnage complexe, le savant fou renvoie à une opposition remontant à l'antiquité qui perçoit folie et génie comme deux notions complémentaires. Cette complémentarité perdure et se nourrit des crises épistémologiques qui bouleversent la perception du monde et de lui-même qu'a l'être humain. La figure du savant fou cristallise de nombreuses peurs diffuses qui peuvent être d'ordre politique, social, religieux, économique ou idéologique et qui ont trait à la possibilité même de se définir en tant qu'être humain. La figure a par ailleurs accédé au rang de figure mythique " moderne " avec le mythe de Faust qui ractive le mythe antique de Prométhée. Cet ouvrage fournit l'occasion d'explorer plus particulièrement les avatars contemporains du savant fou ainsi que la spécificité des questionnements qu'il met en jeu dans le roman et les arts visuels de la fin du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il permet également d'aborder la dimension mythique de cette figure qui du Victor Frankenstein de Mary Shelley à nos jours ne se lasse pas de resurgir dans les représentations imaginaires et fictives.

Cet ouvrage présente tous les fragments de Timothée de Milet, dont un fragment musical, réédités, traduits, commentés. Il offre également la synthèse la plus complète sur cet auteur longtemps méconnu, l'un des plus grands musiciens et poètes grecs de la fin du Ve siècle avant J.-C. et de la première moitié du IVe.

Né en 1709 et mort en 1783, Charles Collé est au cœur de la production littéraire et critique du XVIIIe siècle. Chansonnier, membre du Caveau, homme de théâtre et auteur d'un Journal rédigé de 1748 à 1772 qui est une mine d'informations, il se met à écrire des pièces de circonstance pour la famille de son protecteur M. de Meulan, avant de devenir le fournisseur attitré des divertissements du duc d'Orléans (à Paris, Bagnolet et Villers-Cotterêts) et, à un moindre titre, de ceux du comte de Clermont (à Berny). Son statut d'auteur de société ne l'empêche pas de viser une reconnaissance littéraire : l'amuseur renommé pour ses chansons et sa veine amphigourique, le faiseur de parades et de tragédies burlesques est aussi l'auteur de La Veuve ou Dupuis et Desrosnais, des comédies proches du genre sérieux, et de La Partie de chasse de Henri IV, jouée en société puis en province avant d'être tardivement autorisée à la Comédie-Française. Cet ouvrage collectif explore pour la première fois l'ensemble de l'œuvre de Collé imprimée et manuscrite (chansons, pièces de théâtre de tout genre, journal et correspondance), ce qui permet de réévaluer sa place dans la République des Lettres, ses relations avec ses contemporains chansonniers, dramaturges, auteurs appointés ou indépendants, commanditaires ou acteurs, et d'expliciter un certain nombre de ses jugements esthétiques. Comme témoin de la vie littéraire de son époque, comme dramaturge de société qui réfléchit à sa condition d'homme de lettres et comme spécialiste des formes comiques et des petits genres, Collé est un auteur à redécouvrir.

Le corps est ici objet d'étude : en tant que lieu d'un savoir médical, physique, philosophique, il invite à scruter les modalités de sa représentation et l'imaginaire qu'il recouvre. De l'homme astronomique à l'imagerie médicale actuelle, en passant par les planches anatomiques " artistes " en même temps que scientifiques des XVIIe et XVIIIe siècles, il témoigne plus que d'autres objets d'une évolution de l'imaginaire comme de l'épistémé. Par ailleurs, le corps est lui-même objet métaphorique qui peut constituer et organiser un discours. Le corpus philosophique, le corps de l'Église ou le corps politique en sont des exemples évidents. À partir du moment où le corps est lui-même un élément constituant du savoir, c'est non seulement le discours qu'il structure et véhicule qu'il faut analyser, mais la représentation même du corps qui est implicitement à l'œuvre. Fruit d'une rencontre pluridisciplinaire de Cerisy, ce volume explore les figures du corps dans le savoir et l'imaginaire du savoir, de l'Antiquité à nos jours.

L' oeuvre de Christian Doumet est moderne au sens exigeant où le sont celles de Gérard Macé, d'Yves Bonnefoy ou de Pascal Quignard. Centré sur les enjeux de la fiction du vécu, cet ouvrage montre comment Christian Doumet se tourne vers le réel, l'écoute, et recrée à partir de cette écoute des sortes de fictions instantanées. Cette étude considère la création littéraire de Christian Doumet comme une variation discontinue sur le thème de l'invention de soi : invention destinée à mieux embrasser le monde dans son ambiguïté profonde et à confondre la réalité du monde et des mots dans un sens éthique, ontologique et esthétique. Poète et essayiste, spécialiste d'esthétique musicale, Christian Doumet est né en 1953 et a publié de nombreux ouvrages.

Ecrire la crise ce n'est pas la raconter. c'est montrer comment elle modifie nos manières de raconter. encore faut-il s'entendre sur le mot lui-même car peut-on appeler crise (du grec " krisis " : changement brutal) cette lente dissolution des valeurs de la modernité qui nous fait entrer dans un " après " informulable, sinon par le terme souvent controversé de postmodernité ? Au-delà des polémiques que suscite cette notion, il s'agit ici de considérer le postmoderne non pas comme une régression anti-moderne mais comme la prise de conscience d'un certain nombre de dévoiements du projet moderne qui nous projettent dans une ère de turbulence dont les arts, et en particulier la littérature, portent la marque. Ainsi considéré, le postmodernisme n'est ni une école, ni une avant-garde. il témoigne avant tout d'une crise de culture à la transition des deux siècles, qui s'est transformée en culture de la crise, de sorte que, non seulement la pensée, la science et les arts, s'en trouvent affectés, mais de manière plus profonde encore, la société et l'individu. c'est pourquoi cet essai se propose à la fois, d'examiner l'hypothèse postmoderne comme mise en turbulence des valeurs de la modernité, et de définir le postmodernisme en littérature comme une esthétique qui met en relation les configurations sociales et certaines formes d'écriture contemporaine.

Au coeur de la Révolution française, deux écrivains, Isabelle de Charrière et Mme de Genlis, proposent à leurs lecteurs émigrés une voie médiane, entre les valeurs d'une noblesse sur le déclin et celles d'une société en mutation rapide. Cette voie médiane se construit en référence à la figure de Jean-Jacques Rousseau, dont l'aura est sans pareille. Comme lui, elles adoptent une démarche rarement suivie de leurs contemporains, qui consiste dans le refus des opinions extrêmes et de l'esprit de parti. Proposant un idéal à atteindre pour les émigrés, elles ouvrent la porte à une valorisation du rôle des femmes, capables d'éduquer les enfants comme les adultes. Aussi leur représentation de mentors et d'écrivains féminins interroge-t-elle le bouleversement de l'époque, et le rôle qu'elles-mêmes espèrent tenir dans la nouvelle configuration sociale. Or, elles sont parfaitement conscientes que ces nouvelles fonctions qu'elles entendent exercer se heurtent aux conceptions rousseauistes de la femme qui régissent la société postrévolutionnaire. Les femmes de fiction sont façonnées aux idéaux de leurs créatrices : éducatrices, mères, elles sont aussi femmes d'esprit et défendent leur identité d'écrivain. À l'orée du XIXe siècle, qui verra triompher la figure dérisoire de la" femme auteur ", Mmes de Genlis et Charrière font preuve d'une singulière modernité en encourageant les femmes à suivre leur exemple.

" Je suis un ouvrier du théâtre. Le côté artisanal du théâtre me ravit ", déclare Jean Anouilh (1910-1987). Auteur à succès d'une cinquantaine de pièces représentées, ce dramaturge se vante, non sans provocation, d'avoir du métier, de connaître les ficelles de son art – qu'il exhibe à plaisir dans des arabesques métadramatiques. Cette posture lui a valu une réputation de faiseur, de boulevardier, utilisant inlassablement les mêmes trucs pour produire des pièces " bien faites ". Or le savoir-faire d'Anouilh est loin de se limiter à un ensemble de recettes éprouvées qui produiraient un succès facile : il est mis au service d'une oeuvre personnelle et d'une dramaturgie joyeusement et effi cacement bancale. Ce volume, qui constitue les actes du premier colloque consacré à l'oeuvre de cet auteur, est une plongée dans l'atelier du maître, une exploration des coulisses de sa création, une traversée de son répertoire. Quant à la façon elle- même, Anouilh apparaît comme un couturier dramatique : il taille, il coupe, il rapièce. De patrons connus, il fait des modèles neufs. L'étude de la " griffe " dramatique d'Anouilh, ici entreprise, passe d'abord par la redécouverte des maîtres qui ont inspiré et façonné son oeuvre : la mémoire du métier et son réemploi. Elle se poursuit par l'analyse du " bâti " : Anouilh ne cesse de varier les tons, d'hybrider les genres, de marier les imprimés, de changer de mode ; il se renouvelle en restant fi dèle à lui-même. Elle se termine par un retour sur les représentations de l'artisan dans son théâtre et ailleurs : Anouilh au miroir. En abordant cette oeuvre multicolore avec un nouveau regard, ces articles permettent de vérifier des acquis sur l'art d'Anouilh mais aussi de nuancer certaines idées reçues et peut-être de leur tordre le cou. Haute couture, basse couture ? Au lecteur d'en décider. Les actes du colloque sont complétés par deux inédits : La Traversée et Charlemagne.

La figure du maître n'a cessé d'évoluer, de l'Antiquité à l'époque moderne et la relation entre le maître et l'élève a toujours engagé, de la part de ce dernier, une constante recherche d'équilibre entre dépendance et autonomie, entre respect de l'autorité et émancipation, pour l'affirmation d'un " moi " face à un " Vous " qui le précède et le forme. D'un point de vue institutionnel et historique, nous assistons aujourd'hui à un profond questionnement sur les pouvoirs du maître et sur la légitimité des stratégies magistrales. D'un point de vue éthique, ce même regard critique nous amène à nous questionner sur la différence entre le bon et le mauvais maître, entre la maïeutique et l'assujettissement des consciences. D'un point de vue littéraire et artistique, nous reconnaissons la dette que chaque époque a contractée à l'égard des grandes personnalités qui ont su synthétiser l'esprit de leur temps, le marquer de leur empreinte, voire le dépasser. Le choix du thème de ce volume est le fruit d'un besoin de réflexion à la fois historique, sociale, anthropologique, littéraire et artistique sur le statut et les fonctions de la figure du maître.

L'histoire a principalement retenu Gustave Kahn (1859-1936) pour sa contribution au symbolisme littéraire et pour son œuvre de critique d'art. Or, c'est la nature même de son implication dans la vie culturelle de son époque qui fut exceptionnelle. Les études rassemblées ici développent une vision de l'auteur centrée sur son engagement artistique et social, tout en précisant des questions encore peu approfondies, comme la place de l'écrivain dans les milieux intellectuels de gauche ou encore son rôle dans la renaissance culturelle juive, en France, à partir des années 1910. L'ouvrage rend compte de la richesse d'un parcours singulier : si Kahn s'est illustré en tant que poète, son influence dépasse largement le domaine littéraire puisqu'il a été fondateur de revues, critique d'art, romancier, conteur, chroniqueur, préfacier, soutien aux artistes, libre penseur, homme de gauche convaincu et intellectuel juif. Le recueil démontre une cohérence profonde entre ces diverses formes d'engagement car, loin de la vision stéréotypée de l'écrivain symboliste dans sa tour d'ivoire, Kahn apparaît comme un auteur engagé qui défendait l'idée de la responsabilité du poète au sein de la société.

Dans Figures de l'étranger dans la littérature française, l'écrivain et penseur marocain Abdelkebir Khatibi, place Marguerite Duras aux côtés de Segalen, de Jean Genet et de Roland Barthes, de ces écrivains 'exotes' qui ont transformé leurs voyages dans les pays lointains en une plongée dans l'étrangeté et en une expérience initiatique riche et féconde qui leur a permis de sortir de leur culture, de libérer leur regard et d'aller à la rencontre de l'autre. C'est peut-être avec Marguerite Duras que cette rencontre va le plus loin, aussi bien pour l'écrivain que pour le lecteur, parce qu'elle n'est pas seulement découverte d'un ailleurs géographique, culturel et/ ou mental, mais exploration des zones inconnues et ténébreuses de soi-même.