" Septembre 1944. […] Mais c'est l'art des invasions barbares " ! Ainsi s'exprime Waldemar-George (1893-1970) à son retour à Paris, après deux ans de vie clandestine. Dans l'immédiat après-guerre, Waldemar-George, qui avait été naguère le promoteur de l'École de Paris, n'a pas renoncé aux valeurs du Néo-Humanisme dont il a été le fondateur vingt ans plus tôt. Ce mouvement, qui fait de l'homme la mesure de toutes choses en art, a beaucoup souffert de sa proximité avec les sympathies fascistes de son théoricien. En 1946, curieux malentendu: c'est à Waldemar-George que l'on demande un texte pour une exposition sur l'art des " malades mentaux " présentée à l'hôpital Sainte-Anne. Le critique d'art persiste et signe: " L'art des fous sera-t-il l'ultima ratio des élites corrompues par l'abus des alcools spirituels et intellectuels ? " Pourtant, petit à petit, Waldemar-George, ennemi de l'abstraction comme de toute figuration déformante, finira par trouver dans la figuration quasi abstraite de peintres tels que Jorn ou Pignon, puis, à la fin des années 1950, dans la tendance informelle ou tachiste de l'avant-garde parisienne, une forme d'expression acceptable pour son inlassable quête de l'homme en art.

Ce premier Dictionnaire de la critique d'art à Paris (1890-1969) comprend près de six cents notices, dont trois cents détaillées, sur les principaux auteurs qui ont oeuvré dans le champ de la critique d'art à Paris entre 1890-1969. Le cadre chronologique est délimité, d'un côté, par l'émergence, dans l'ultime décennie du XIXe siècle, d'un nouveau type de critique d'art en lien avec la floraison des " petites revues " symbolistes et par la création de deux grandes revues littéraires et artistiques, le Mercure de France et La Revue blanche; de l'autre côté, par la disparition, au cours des années 1960, de toute une génération d'auteurs ayant marqué le monde de l'art depuis une quarantaine d'années. En France, la critique d'art de cette période, qui se distingue de l'esthétique et de l'histoire de l'art contrairement à l'Allemagne ou l'Italie, est exercée principalement par des journalistes, des écrivains, des poètes, mais aussi par des artistes, des historiens d'art, des diplomates ou encore des hommes politiques. L'ouvrage s'intéresse essentiellement aux critiques, professionnels ou non, qui ont commenté la peinture, la sculpture, les arts graphiques et la photographie – dans une moindre mesure le cinéma –, mais ni l'architecture, ni les arts décoratifs. Se voulant avant tout un instrument de travail pour la recherche, mais également un outil documentaire pour un public relativement large, le dictionnaire comporte, pour chaque auteur faisant l'objet d'une entrée détaillée, des éléments biographiques précis, une bibliographie, des indications concernant l'iconographie et la mention des fonds d'archives lorsqu'ils existent. L'ouvrage comprend également un certain nombre d'articles thématiques sur les éléments essentiels à la constitution historique du champ de la critique d'art (galeries, musées, expositions, édition d'art, etc.), ainsi qu'une chronologie qui recense les principaux événements liés à la critique d'art et les écrits sur l'art publiés en volume. Dans ce travail, ont en effet été privilégiés les auteurs ayant publié des recueils de critique d'art en volume, une tradition amorcée au XIXe siècle, mais poursuivie au cours du siècle suivant, et notamment dans une perspective historiographique, à l'époque où la critique d'art commence véritablement à faire l'objet d'éditions et d'études systématiques. Trois autres parties complètent la chronologie: un répertoire des principales collections et séries sur l'art publiées entre 1890 et 1970, un index des périodiques, enfin un index général des noms propres, dans lequel sont répertoriés tous les artistes et les auteurs cités dans le dictionnaire et ses annexes.

L?'œuvre critique de Georges Limbour constituait un continent méconnu jusqu'à leur publication récente par les éditions du Bruit du temps. Entre 1924 et 1970, date de sa mort, ce " spectateur des arts " a publié près de quatre cents écrits dont l'essentiel est consacré à la peinture, " cet art d'une intense aimantation ". Chroniqueur pour la grande presse ou des revues spécialisées, Limbour entraîne son lecteur dans l'aventure allègre qui le mène sans relâche des galeries aux Salons et aux ateliers. Au-delà du plaisir suscité par la " coulée " de son écriture, l'étude de ces écrits révèle leur cohérence, au service de la défense de l'art moderne. Mais c'est en poète que Limbour " pénètre " dans la peinture, tout en dessinant un horizon esthétique dont le maître-mot pourrait être la " re-création ". À sa suite, le lecteur apprend à circuler entre les espaces, entre les signes, entre les fables puisque les contes et les récits de l'écrivain se révèlent indissociables de ses écrits sur l'art. Une bibliographie chronologique, pour ne pas dissocier les écrits critiques des poèmes et de l'œuvre de fiction, est présentée en fin de volume.

Les années 1980 forment une décennie de bouleversements multiples qui secouent l'histoire de l'art et ses récits établis : la crise des avant-gardes, le retour de la peinture figurative, l'avènement polémique du postmoderne, l'explosion du marché de l'art et l'affirmation de scènes artistiques nationales sont quelques-unes de ces données qui modifient considérablement le paysage artistique et théorique du monde occidental. Dans ce contexte de rupture, l'histoire de l'art du XXe siècle devient l'objet de multiples réévaluations, de bilans critiques. Et le modernisme de Clement Greenberg, qui voyait dans l'art abstrait la quintessence de la modernité et son but ultime, devient la cible privilégiée des acteurs du monde de l'art. L'écriture de l'histoire de l'art abstrait est dès lors profondément remaniée ; sa place privilégiée au sein des récits de la modernité est remise en cause. Envisageant des sources aussi variées que les manuels d'histoire de l'art, les revues art press et October, les catalogues des ambitieuses expositions de la décennie portant sur différents chapitres de l'histoire de l'art abstrait, cet essai entend dresser un panorama précis des enjeux que cristallise le récit de l'art abstrait à l'ère de la post-avant-garde. Décrypter les prises de position des uns et des autres, dans un contexte économique et politique particulier, doit permettre de comprendre que la crise de l'art abstrait si souvent annoncée a souvent été une crise du discours plus que des pratiques elles-mêmes.

Né en 1924, Michel Ragon se consacre à l'activité littéraire et à la critique d'art à partir en 1948. Après son engagement en faveur de l'Abstraction lyrique, il s'intéresse dès 1956 à l'architecture et, parallèlement à son intense activité de critique, fonde en 1965 le GIAP (Groupe international d'architecture prospective). Ce livre s'attache à explorer la figure du critique, en tant qu'acteur, critique et historien de la scène artistique et architecturale. Il questionne les spécificités de son écriture critique dans ses rapports à l'écriture de l'histoire, à la narration et à la littérature anarchiste, genres auxquels le critique s'est confronté successivement. Les choix défendus par Michel Ragon sont analysés à travers l'étude des différentes facettes qui composent son activité de critique d'art et d'architecture. Tour à tour promoteur de l'École de Paris, de Cobra, de l'architecture prospective, Michel Ragon se distingue aussi, en contrepoint de sa défense de l'art français, par la pratique d'une critique d'art " hors les murs ", qui le conduit à écrire sur le groupe Cobra, sur la " Nouvelle Figuration " européenne et sur la peinture et l'architecture américaines.

Cet ouvrage propose une exploration globale et, pour la première fois, collective de l'extraordinaire floraison des revues du XXe siècle artistique. Ces revues donnent toujours davantage d'informations et génèrent plus de significations que les hommes et les groupes, via leurs programmes, ont voulu ou cru y mettre. Bien souvent, au regard de l'histoire, leur influence est inversement proportionnelle à la durée de leur vie. Voilà pourquoi les revues jouissent aujourd'hui de la même considération que les archives en tant que source indispensable à la recherche. Avec une préface de Pierre Wat.

À la suite de Jean-Paul Bouillon, cet ouvrage explore le dialogue et la synthèse des arts, la figure de l'artiste, la critique, le marché de l'art et la notion de " modernité ". Il revient ainsi sur des artistes emblématiques tels que Baudelaire, Edmond de Goncourt, Zola, Denis, Degas, Cézanne ou Kandinsky, et sur des figures moins consacrées telles que le peintre et théoricien A. Séon, le critique G. Janneau ou le marchand L. Gauchez. Mais au-delà, il porte la réflexion sur l'histoire de l'art elle-même, sur la définition de ses objets de recherche et sur les modèles historiographiques. Il tente de clarifier la notion même de mouvement artistique pour, avant d'en user ou d'en abuser, saisir celle-ci dans son historicité.

À travers l'étude de textes de critiques, d'historiens ou d'" écrivains d'art ", cet ouvrage met au jour et commente les premières mises en forme d'une histoire de l'art de l'après-guerre aux années soixante. Le discours critique se révèle toujours aux prises avec la question historique, des récits canoniques de la modernité aux reconfigurations et ruptures des années soixante, du spiritualisme et de l'existentialisme des années quarante au structuralisme et au freudo-marxisme de l'après-68.

Cet ouvrage est la première étude universitaire sur Jean Dolent (1835-1909). Personnalité aussi complexe que singulière, Dolent est un " amoureux d'art " ainsi qu'il se définit en titre de son plus célèbre ouvrage publié en 1888. Dolent a mis en place une critique suggestive et assurément originale – fondée sur le propos d'artiste et la forme aphoristique – que cette étude analyse en détails. Pierre Pinchon donne à Dolent la place qu'il mérite dans la littérature artistique du XIXe siècle et il fait revivre celui qui avait été surnommé " le Mallarmé de Belleville ".

Cet ouvrage engage une réflexion sur la critique et l'histoire de l'art entre 1880 et 1914, prenant appui sur l'œuvre de Roger Marx dont la carrière renvoie à la question de l'art social : l'art à l'école, le solidarisme, le mobilier, l'affiche et l'habitation à bon marché. Les contributions abordent également la critique émotionnelle issue du milieu nancéien, l'impact de l'affaire Dreyfus, le paysage idéaliste, la sculpture et la peinture monumentales, l'ouverture à l'Orient ou le cubisme. L'ouvrage souligne au passage l'importance des revues comme la Gazette des Beaux-Arts, le Mercure de France ou Art et décoration et se penche sur certains réseaux (le cercle méconnu des Têtes de bois).  Avec le soutien de l'Institut national d'histoire de l'art.

Cet ouvrage rassemble les textes de critique d'art que Jean Grenier a fait paraître de 1944 à sa mort dans divers journaux, magazines et revues. Ces textes constituent des sources passionnantes sur l'histoire de l'art français de l'après-guerre. Il permet aussi de compléter la connaissance d'un philosophe, d'un romancier et d'un intellectuel qui a notamment été le professeur de philosophie de Camus.

Si la peinture a toujours exercé un ascendant sur les gens de lettres, les écrivains symbolistes ont nourri une véritable passion à son égard. L'ouvrage de F. Lucbert démontre que l'exercice de la critique d'art dans les périodiques fondés à l'époque du symbolisme témoigne d'une fascination durable et profonde pour l'univers pictural, qu'il s'agisse du milieu de l'art ou des peintres eux-mêmes.