"Le théâtre est mort!" L'idée que l'arrivée du cinéma parlant, à la fin des années 1920, signerait la mort du théâtre est largement partagée dans la presse de l'époque, qui parle de "détournement" du public et de "défection" des auteurs dramatiques et des acteurs qui se tourneraient alors résolument vers le septième art. Pourtant aucune véritable étude chiffrée n'a été conduite pour vérifier l'exactitude de cette assertion. Par le biais d'une étude locale, cet ouvrage propose une relecture des rapports entre le cinéma et le théâtre à Lyon lors de la généralisation du parlant. Contrairement aux idées reçues, si les théâtres lyonnais connaissent des difficultés dans les années 1930, la concurrence du film parlant n'en est pas la cause principale.

Qu'est-ce qu'une équipe de film? Comment des individus parviennent-ils à collaborer, afin de créer ensemble? Cet ouvrage observe l'équipe de film au travail, en adoptant des échelles d'observation diverses: du gros plan – à hauteur d'individu, parfois sur un geste ou une parole échangée –, au plan moyen, celui du collectif de l'équipe de film, jusqu'au plan panoramique – au niveau de l'élaboration et de la standardisation, voire de la recomposition, des modèles de production. Embrassant une vaste période, des années 1920 à nos jours, et couvrant des espaces divers (Europe, Etats-Unis, Union Soviétique, Inde), il se penche sur des configurations industrielles et artistiques variées, mais dont chacune met en évidence un collectif de cinéma pluriel. Ainsi abordée par ce prisme de l'équipe, la création cinématographique se lit comme l'art de la conciliation d'enjeux financiers, d'aspirations esthétiques et d'équipements technologiques au service d'un projet commun. Elle peut aussi apparaître comme l'art de composer avec une variété de savoir-faire et de savoir-être, au sein d'un tissu complexe où s'entremêlent des relations interpersonnelles sensibles, des enjeux de réputation, d'égo et de compétences sans cesse à démontrer.Avec les contributions de Fabio Andreazza, Bérénice Bonhomme, Caroline Damiens, Claire Demoulin, Kristian Feigelson, Soraya Hamache, Réjane Hamus-Vallée, Kira Kitsopanidou, Morgan Lefeuvre, Jean-Marc Leveratto, Tatian Monassa, Nedjma Moussaoui et Violaine Roussel.

Qu'est-ce qu'une séance de cinéma? À l'heure où le cinéma connaît d'importantes mutations technologiques et spectatorielles, cet ouvrage interroge la spécificité de la séance de cinéma, des espaces aux publics en passant par les imaginaires qu'elle a pu susciter. Embrassant une vaste période (des débuts du cinéma à nos jours), couvrant des espaces divers (France, Espagne, États-Unis, Amérique latine, URSS...) et mobilisant des sources de types et de natures variés, les contributions réunies montrent que cette notion plurielle et transversale de " séance " est essentielle pour penser le cinéma et son histoire. Un DVD vient enrichir la réflexion en proposant 10 films qui mettent en scène des séances de cinéma comme lieux de divertissement, de séduction, de révélation et d'illusion.

Cet ouvrage retrace l'histoire des dispositifs de transmission du cinéma mis en place entre les années 1910 et 1970, dans et hors l'école. Étudiant les pratiques des éducateurs autant que leurs méthodes, les choix des films comme les modalités d'organisation des séances, il interroge le projet d'une culture cinématographique de la jeunesse et les conditions de sa diffusion par ses principaux instigateurs. Si le cadre associatif constitue le lieu principal de cette action, les protagonistes de cette histoire sont mus par différentes considérations d'ordre moral, social et culturel qui renseignent sur les manières dont ils appréhendent le phénomène cinématographique et la jeunesse elle-même.

À l'intersection de la culture visuelle, du voyage et du divertissement populaire dans le contexte particulier des empires coloniaux, le cinéma d'expédition a contribué à façonner l'imaginaire géographique et anthropologique des publics. Cet ouvrage collectif interroge à la fois la production, les représentations et la diffusion de cette zone de contact cinématographique tout en replaçant la pratique de l'expédition au sein d'enjeux ethnographiques, artistiques, coloniaux ou commerciaux. Rassemblant douze études de cas allant de l'Amazonie au Grand Nord, en passant par les Balkans et les mers du Sud, ce volume entend redonner une place à ce corpus hybride dans l'histoire du cinéma.

Lieu de toutes les phases de création du film, de la pré-production à la post-production, le scénario en porte les marques, tel un palimpseste à déchiffrer pour retrouver la genèse d'un film. Parfois fruit de la collaboration de plusieurs auteurs, il s'adresse aussi à différents destinataires tels que le producteur, le réalisateur ou encore les techniciens.Les contextes de production (historique, économique, esthétique ou encore juridique) justifient les perpétuelles métamorphoses de ce document, dans sa forme et ses fonctions. Le scénario consiste ainsi à la fois à convaincre de l'intérêt du film, mais aussi à préparer le tournage, le montage, voire la promotion de l'œuvre. Il est aussi un moyen pour les maisons d'édition et les auteurs de se protéger contre le plagiat.Le scénario peut enfin être lu, et parfois même écrit uniquement dans ce but, constituant un genre autonome en littérature. Des plans, schémas, dessins d'une mise en scène peuvent encore conférer une dimension plastique à l'objet. L'ouvrage aborde ainsi la multiplicité de cette archive, à la croisée d'une histoire culturelle, industrielle, technique ou encore esthétique du cinéma, grâce à la contribution de chercheurs tissant des pistes de réflexion en lien avec sa conservation, ses usages et sa nature plurielle.

De 1944 à 1968, les cinémathèques-musées du cinéma s'imposèrent comme un paradigme dominant de patrimonialisation du cinéma en France. Leur développement s'enracine dans les pratiques cinéphiliques, et notamment le fait de pouvoir voir et revoir les films constitutifs de l'histoire du cinéma. La Cinémathèque française et Henri Langlois occupent une place déterminante dans ce processus mais d'autres initiatives, réinvestissant ce modèle, soulignent dans le même temps se limites. La création du Service des archives du film du CNC à la fin des années 1960, qui s'inscrit de ce mouvement de pluralisation des acteurs spécialisés du patrimoine cinématographique, vient entériner un profond changement d'organisation de la politique culturelle.

Mariages durables ou éphémères, mariages harmonieux ou contrastés, mariages féconds, mariages inattendus, mariages d'amour, mariages forcés ou arrangés... Ce livre veut raconter un aspect important de l'histoire du cinéma européen : la coproduction cinématographique constitue un champ de recherche vaste et encore largement inexploré.Dans un contexte politique, diplomatique et économique nouveau, qui est celui de l'après-guerre, l'Europe et son industrie cinématographique doivent faire face tout à la fois à l'arrivée massive de la concurrence hollywoodienne, aux tensions entre l'Est et l'Ouest, à la nécessité d'intégrer les nouveautés techniques (la couleur, les grands formats), ainsi qu'à une nouvelle mais nécessaire internationalisation de la production, de la distribution, et de l'exploitation cinématographiques. L'une des réponses apportées à ces questions est la mise en place, pour la première fois, d'accords officiels – c'est à dire intergouvernementaux – de coproduction. Après l'initiative pionnière de 1946 entre la France et l'Italie, ce modèle se répand graduellement dans toute l'Europe, et, sous des formes qui ont évolué dans le temps, il est encore en vigueur aujourd'hui.Des chercheurs européens, spécialistes de terrains variés – Allemagne(s), Bulgarie, Espagne, France, Grèce, Italie, Roumanie, Tchécoslovaquie et URSS – apportent leur contribution approfondie et documentée à cette exploration, ample à plus d'un titre. La période couverte va de la sortie de guerre à aujourd'hui. Réalisateurs, scénaristes, acteurs... célèbres et moins célèbres sont impliqués, comme les catégories d'œuvres les plus variées : du film musical au drame d'auteur, de la science-fiction au film historique consacré à un passé récent et douloureux, du dessin animé à la série télévisée, du mélodrame au film pour enfants. Ces collaborations ont impliqué des pays appartenant aux mêmes blocs idéologiques – l'Est et l'Ouest – mais elles ont aussi traversé le rideau de fer, faisant fi des glaciations géopolitiques, et constitué un élément de continuité de l'histoire culturelle globale de l'Europe.Qu'elle ait été vécue comme une contrainte ou comme une occasion rêvée d'échapper aux carcans nationaux, la coproduction cinématographique a toujours revêtu la forme d'un drôle de mariage, dont les multiples variations ont donc contribué– et contribuent encore – à façonner l'identité culturelle européenne.

Passant en revue les 200 premiers cinémas parisiens édifiés avant la Seconde Guerre mondiale, cette histoire retrace l'apparition et l'évolution d'une architecture propre au 7e art, interrogeant des idées reçues telles que l'imitation du théâtre par le cinéma à ses débuts. C'est un livre destiné aux spécialistes comme au grand public: les historiens y découvrent un aspect de l'exploitation cinématographique guère exploré; les architectes, un type d'édifice rarement étudié ; les cinéphiles, les amateurs du patrimoine et les amoureux de la Ville Lumière apprécieront un récit des salles parisiennes, des plus modestes aux plus monumentales, dont quelques unes représentent aujourd'hui un précieux héritage.

" Ténèbres empoisonnées "... L'expression employée dans les années 1950 pour désigner le loisir cinématographique et ses effets sur le jeune public dit bien la peur qui s'est emparée alors des spécialistes de l'enfance, qu'il s'agisse des éducateurs ou des professionnels de la justice des mineurs. En réalité, le cinéma, comme source de modernité, inquiète certains de ces spécialistes depuis longtemps, depuis son origine quasiment. Mais l'après Seconde Guerre mondiale va être marquée par une reviviscence particulièrement forte de ces peurs sociales anciennes car, au moment de la reconstruction, la jeunesse devient un sujet de préoccupation majeur, d'espoir mais aussi de crainte comme en témoignent les gros titres de la presse qui pointent sans cesse l'attention sur l'accroissement du phénomène de la délinquance juvénile. De là, il n'y a avait qu'un pas à franchir pour établir une corrélation entre l'expansion de cette forme de criminalité et le développement du cinéma, comme facteur d'influence direct ou secondaire.Toutes les caractéristiques du cinéma alimentent alors les inquiétudes. Le fait qu'il s'agisse d'un loisir qui se goûte dans la pénombre d'une salle, parfois située dans la périphérie des grandes villes ou aux abords de quartiers mal famés, que les jeunes aiment s'y rendre en bande ou pour flirter, que les films véhiculent des modes de vie bien éloignés des conditions réelles de la vie ordinaire avec leur lot de gangsters, de rebelles et de femmes légères, qu'ils agissent sur le psychisme selon des modalités que les psychologues ne parviennent pas à expliquer, provoquant chez tous, et plus encore chez les plus jeunes, un véritable " besoin " de cinéma.C'est au sein du secteur de l'Éducation surveillée que seront entreprises, dès 1947, les premières études dites scientifiques pour tenter de déterminer la part exacte du cinéma dans le phénomène général de la délinquance juvénile. Une grande enquête est alors lancée auprès des centres situés sur l'ensemble du territoire national, composée de deux versants, l'un sociologique et l'autre psychologique. Des ramifications se développent rapidement, au point que la question du cinéma devient une préoccupation centrale pour l'ensemble des spécialistes de la justice des mineurs. Ces travaux et ces discours constituent la matière centrale de cet ouvrage qui entend éclairer, grâce à une approche inédite, les composantes du débat sur le cinéma et la délinquance juvénile tel qu'il se posa, de la Libération aux années 1960.

Aux lendemains de la Seconde Guerre mondiale, les ciné-clubs s'organisent autour d'un mouvement social et culturel sans précédent qui s'étend rapidement à toute la France. S'inscrivant dans le prolongement des premières expériences cinéphiles des années 1920 et 1930, ils fusionnent désormais avec les réseaux et les idéaux de l'éducation populaire. Dès lors, ce mouvement devient l'un des principaux lieux d'épanouissement d'une culture cinématographique aux ramifications multiples et aux formes d'expression diverses.Empruntant à l'histoire sociale et culturelle des représentations et à la sociologie de l'expertise, cet ouvrage se propose d'étudier le mouvement ciné-club entre 1944 et 1999 en s'intéressant en premier lieu à son " modèle structurel " (réseaux associatifs et fédérations) et son statut juridique (réglementation non commerciale). À ce cadre spécifique s'ajoute un " modèle culturel " qui se construit autour d'un corpus cinématographique de référence et s'exprime à l'occasion des séances du ciné-club en suivant un schéma précis: présentation du film, projection et discussion entre les animateurs et les adhérents de l'association. Ces différents éléments constituent un " modèle ciné-club ", dont l'observation permet d'analyser la diffusion d'un savoir " légitime " au sein d'un espace spécifique et d'étudier son application effective dans ce même espace, en le confrontant aux goûts et aux pratiques des animateurs et des adhérents.Le présent ouvrage tente ainsi de définir la culture cinématographique des ciné-clubs, en étudiant la constitution et l'expansion de ce mouvement d'éducation populaire " par et pour le cinéma " au sein duquel coexistent quatre générations de cinéphiles qui se croisent ou se succèdent durant plus d'un demi-siècle. Ces interactions entre une multitude d'acteurs, d'objets et de pratiques permettent d'évaluer les écarts entre les discours du sommet (fédérations de ciné-clubs) et les pratiques effectives à la base du mouvement (animateurs et adhérents). Elles questionnent ainsi l'émergence d'une " cinéphilie ciné-club ", véritable "cultivation " commune d'une culture cinématographique partagée.

Cet ouvrage représente une façon inhabituelle d'envisager l'histoire du cinéma. Comme certains historiens évoquent la chrétienté à travers les cathédrales, l'auteur a mis au premier plan les salles de cinéma, considérées comme un poste d'observation, comme un carrefour où les films rencontrent leur public. Plusieurs avenues mènent à ce carrefour, qui constituent autant de chemins à emprunter pour comprendre l'histoire du cinéma dans sa double identité d'art et d'industrie.L'architecture des cinémas, modeste ou prétentieuse, leur économie, leur situation dans la ville, leurs promoteurs et leurs architectes, leur programmation et leurs publics sont autant d'éléments signifiants. Comme sont également signifiants les changements dans les modes d'exploitation des films avec, notamment, la généralisation du système de l'exclusivité qui amène non seulement une forte hiérarchisation des salles mais témoigne aussi du changement d'attitude par rapport au film qui cesse d'être une marchandise industrielle standard. Ce changement d'attitude s'exprime aussi par le développement des ciné-clubs et des salles " d'avant-garde " dont l'influence est beaucoup plus importante que leur place marginale dans l'économie du cinéma ne le laisserait croire.Les années 1920 sont, en effet, celles de la naissance de la cinéphilie et de la reconnaissance du cinéma en tant qu'art.L'irruption en France du cinéma sonore dans une profession peu préparée, amena un véritable séisme. Léon Gaumont et Charles Pathé disparaissaient de la scène et laissaient la place à des concentrations industrielles et commerciales d'ampleur inconnue auparavant. Après le quasi-échec des mesures de contingentement, industriels et financiers misaient sur la barrière de la langue pour protéger le cinéma français de l'ogre américain et lui permettre une véritable renaissance, malgré les craintes suscitées par le film parlant chez certains intellectuels et artistes.L'exploitation dut faire de gros efforts pour rénover un parc de salles vieilli et surtout inadapté au cinéma sonore. Il fallut reconsidérer l'architecture intérieure des salles, rénover les anciennes et en construire de nouvelles. A Paris, le nombre de cinémas augmenta de près de 81% entre 1929 et la guerre. Des architectes de talent, dont certains influencés par les courants modernistes, profitèrent de ce nouvel élan en se spécialisant dans ce type de construction.Sur fond de crise du capitalisme et de vifs antagonismes politiques, le cinéma devenait le loisir numéro 1 des Français et son pouvoir médiatique, surtout depuis qu'il avait appris à parler, renforça l'intérêt que lui portaient les grandes familles de pensée. Qu'il s'agisse de films de la gauche, de l'Eglise, des Ligues d'extrême droite ou des films de propagande coloniale, le cinéma des années 1930 participa aux débats citoyens. Outre les meetings et les salles improvisées, les cinémas en furent les principaux témoins.Malgré le développement du doublage qui rouvrit largement le marché français aux films étrangers, malgré les fort nombreuses faillites du milieu des années 1930, le cinéma français ne retomba pas dans sa léthargie. Il trouva sa voie dans une certaine forme de réalisme poétique et fut souvent porté davantage vers le destin pittoresque d'êtres marginaux et solitaires que vers la classe ouvrière elle-même.