Les récits d'esclavage se multiplient dans les livres de jeunesse depuis la promulgation de la loi Taubira qui, en 2001, a institué l'esclavage comme crime contre l'humanité et prescrit son enseignement. Cette volonté de sensibilisation reflète le contexte de ce début de XXIe siècle qui prête une attention soutenue aux minorités, se penche sur les non-dits de l'histoire et cherche à faire connaître et comprendre les tragédies du passé. Attentif aussi bien au substrat historique des récits qu'à leur dimension littéraire, l'ouvrage s'attache à la transmission de l'histoire de l'esclavage à travers la littérature, l'iconographie, l'enseignement.

Les poétiques de l'incomplétude qui sont examinées ici concernent non pas des œuvres laissées inachevées par accident (par exemple du fait de la mort de l'auteur) ou par abandon, mais des œuvres achevées intégrant un principe d'incom­plétude dans leur définition même.Parmi les auteurs qui seront abordés dans ce volume, on trouvera Sterne, Diderot, Wezel, Hoffmann, Nodier, Balzac, Flaubert, Amiel, Baudelaire, Villiers, Mallarmé, Fénéon, Proust, Valéry, Kafka, Pessoa, Artaud, Michaux, Beckett, Barthes, Jabès, Schwarz-Bart, Perec, Duras, Cixous, Novarina, Bergounioux, Emaz, Tarkos, Ferrari, Balpe…

Ce volume mobilise une équipe de chercheurs pluridisciplinaire. Le projet se situe dans le cadre général d'une anthropologie sémiotique inspirée des " sciences de la culture ", dont la logique fut définie par Ernst Cassirer au début du siècle dernier. L'ouvrage s'organise en deux parties intitulées respectivement " Donner sa langue au monde: formes poétiques contemporaines et écologie du sens " et " " Mondes ". Manières de les faire, manières de les décrire ". Leur organisation vise a` cre´er des allers-retours entre e´piste´mologie critique et e´tudes de textes poe´tiques, à même de renouveler la compréhension de la notion de " mondes " appliquée à la poésie en liant art du langage et linguistique du sens.

À la suite des travaux du neurologue Bernheim sur la suggestion dans les années 1880, la notion et le mot de suggestion se sont diffusés dans le discours littéraire, notamment dans le courant symboliste. Cet ouvrage collectif tente de définir et de théoriser la notion de suggestion dans son usage littéraire, et dans les effets de la suggestion sur les lecteurs. Qu'est-ce que je perçois au juste lorsque je ressens une suggestion à la lecture d'un texte? Comment ce phénomène se produit-il? Qu'est-ce qui distingue allusion et suggestion? N'y a-t-il pas dans la suggestion une certaine ambiguïté? Car la suggestion peut non seulement faire penser, faire ressentir, mais elle peut aussi viser à faire agir.L'ouvrage commence par plusieurs chapitres fournissant des approches théoriques (à partir de Mallarmé, de Proust, de Valéry, mais aussi de la psychanalyse et de la linguistique); il aborde ensuite le cas de la suggestion dans la littérature érotique; il se poursuit avec les effets de suggestion dans des œuvres narratives (Rodenbach, Proust, Conrad…), puis dans des œuvres poétiques (Verlaine, Lautréamont, Jaccottet); il se termine par la question de la suggestion incitative , avec ses implications politiques.

La métaphore du débordement suggère à la fois une fonction de l'œuvre littéraire ou artistique, voire une aptitude qui lui est inhérente, et une façon de rappeler ses limites ou de lui imposer un certain contour, de la mettre en contact avec le monde vers lequel elle déborde tout en la séparant de lui, ne serait-ce qu'artificiellement. Toutes sortes de " bords " peuvent aider à penser le monde des arts et ses ambivalences, à différents niveaux de réalité: l'artiste est pris entre la sensation que l'art " déborde ", ne lui laissant aucun dehors à saisir, et l'impérieuse nécessité où il se trouve de " déborder " lui-même; le lecteur ou spectateur est pris dans des réseaux complexes de cercles savants plus ou moins conscients du vaste hors-champ constitué par tous ceux qui n'ont pas l'art dans leurs vies et n'ont aucune pensée de ses enjeux politiques; diverses institutions, enfin, hiérarchisent et " bordent " les gestes critiques. Le présent volume interroge ces différents acteurs, dans le sillage de cheminements critiques familiers, émanant d'artistes comme l'écrivain Italo Calvino ou le plasticien Jorge Méndez Blake (dont une œuvre illustre la couverture), ou de philosophes comme Jacques Derrida et Jacques Rancière. La première section, Traductions critiques: mots et figures du débordement, interroge le rapport entre langue et action et à travers lui les moyens de l'écrivain. La deuxième section, Gestes critiques: interprétation et performance, pose l'horizon d'une réception dans l'espace public du théâtre ou de la rue, aborde la question du débordement comme " confluence ". La troisième section, Débordement dans le genre, propose une déclinaison de la notion de genre à travers les représentations des femmes au XVIIe siècle et le croisement des questions du genre, de la race et de la classe sociale dans les littératures du début du XXIe siècle. La dernière section, Au bord du contemporain, interroge spécifiquement la façon dont le récit contemporain travaille les cadres.L'ambition du volume n'est pas seulement de parler des débordements, d'en faire la liste ou d'en rappeler la diversité. Il montre que ce sont surtout des occasions de rencontres, des invitations à des assemblées publiques et à des croisements de corps et de voix.

Depuis la promulgation de la loi Taubira qui, en 2001, institue l'esclavage comme crime contre l'humanité et prescrit son enseignement dans les classes, l'édition pour la jeunesse et la recherche se sont emparées de cette question vive. Ce contexte mémoriel, éditorial et scientifique invite à étudier, au plan historique et littéraire, la prise en compte de l'esclavage dans les livres pour la jeunesse, ses modalités et ses enjeux. Il s'agit d'interroger le genre de la fiction historique, ses atouts et ses limites dans un domaine régi par une tension permanente entre le docere et le placere.

Cet ouvrage étudie l'action de la lecture, au double sens de l'action effectuée par le lecteur dans sa lecture, et de l'action effectuée par la lecture sur le lecteur. L'idée clé de l'ouvrage est que l'action de la lecture implique une énergie, une energeia comprise étymologiquement comme mise en œuvre voire passage à l'acte. Les auteurs étudient ici des œuvres littéraires qui thématisent ou théorisent ou impliquent ce que nous appelons ici une énergétique de la lecture. Quelles nouveautés la modernité littéraire a-t-elle apportées à la lecture et à la réception en termes d'énergie? Qu'en est-il aujourd'hui? Le tournant pragmatique qui s'est développé dans les études littéraires depuis les années 1980 nous a rendus sensibles aux effets éthiques et existentiels des textes dans la vie même des lecteurs. Notre réflexion intégrera aussi les effets historiques et politiques de la littérature des trois derniers siècles: comment la lecture peut-elle entraîner une mise en acte, une mise en action (une energeia)? Nous nous interrogerons sur l'énergie psychique investie dans l'acte de lecture, sur le statut de l'émotion impliquée dans cette énergie, sur la part de la contrainte du texte et la part de la liberté du lecteur.

Pour étudier le phénomène nommé épanchement du conte dans la littérature, les auteurs questionnent ledialogue permanent que la littérature et l'expérience littéraire entretiennent avec le domaine des contes, sur le mode de l'innutrition ou de la réappropriation. Territoire passionnant au regard de la poétique des genres, le conte se prête à tous les jeux de l'hybridation en se mêlant aux autres formes littéraires qu'il transpose, dilue ou incorpore.La réflexion se répartit en quatre volets dans lesquels ne sont pas distinguées littérature tout court et littérature de jeunesse.Sont abordés successivement l'emprise singulière des contes sur certains univers d'auteurs, les réécritures des contes de Perrault, le franchissement des frontières génériques, la manière dont lescontes sont enseignés.

L'idée d'énergie dans la littérature des 18ème, 19ème, et 20ème siècles, est abordée à la fois dans son versant thématique, dans son versant métalittéraire (l'énergie de l'écriture, l'énergie créatrice), et dans son versant formel (stylistique), non seulement dans la littérature française, mais aussi dans les littératures des autres domaines linguistiques. Plusieurs articles tiennent compte des implications littéraires des conceptions philosophiques et scientifiques de l'énergie.Le XVIIIe siècle est un nécessaire point de départ pour la construction de la notion même d'énergie, avec le matérialisme des Lumières et l'importance de l'idée d'énergie à l'époque révolutionnaire. Le XIXe siècle, pendant lequel s'est développé le modèle épistémologique de la Thermodynamique, a été à son tour traversé par les problématiques de l'énergie (notamment chez Balzac, Zola, Verne…). Au XXe siècle, la pensée de Bergson a donné à l'idée de l'énergie créatrice une place cruciale dans la réflexion esthétique; puis les nouveaux modèles épistémologiques (physique quantique, physique nucléaire) ont orienté une part des questions liées à l'énergie en littérature.

Si les arts résonnent en écho les uns aux autres, cependant ils ne correspondent pas directement entre eux, ainsi que le remarque Jean-Luc Nancy dans les Muses (1993), et leurs réalisations sensorielles sont différentes. Dans ce cadre, le présent volume, écrit par des chercheurs de diverses disciplines, essaie de faire apparaître des liens entre les arts en passant par l'idée qu'une écriture et une forme propres à l'art, comme les réécritures du corps humain, infusent les arts musicaux, plastiques ou littéraires, et offrent des soubassements à ces rapports.La première partie du volume s'interroge sur les paradigmes esthétiques dans le temps (l'époque romantique est vue comme force d'une forme qui saisit aussi bien Brahms que Caspar David Friedrich) et fait l'hypothèse de germes de significations qui sont à la source d'oeuvres relevant d'arts divers (selon Simondon et Rastier). La seconde partie observe les liens entre plusieurs arts à partir du visuel, montrant que l'usage de la photographie et du dessin comme source du texte introduit une distance et un éclairage synthétique après coup: sont proposés des liens entre Virginia Woolf et la photographie, Susan Howe et le dessin, Rembrandt et Genet, une comparaison entre Visconti et Godard. La troisième partie s'intéresse aux modes d'écriture de la littérature et de la musique: comment Bach influence-t-il Nancy Huston; comment la musique est-elle " tarabust " aux oreilles de Pascal Quignard; comment Verdi et Wagner composent-ils avec le langage et le corps? Elle se termine par une réflexion sur la musique contemporaine, conçue cette fois comme un parcours dessiné par chaque auditrice, autre forme d'écriture (avec l'exemple d'Elizabeth Anderson).

L'harmonie est une notion fondamentale dans la pensée chinoise et dans l'art chinois depuis l'Antiquité et jusqu'à nos jours. Elle est aussi une notion fondamentale dans la pensée occidentale et dans l'art occidental, depuis l'Antiquité, notamment en Grèce, jusqu'au classicisme des XVIIe et XVIIIe siècles ; mais ce fut l'un des événements capitaux de l'émergence de la modernité esthétique et littéraire au XIXe siècle que de voir vaciller ce critère de l'harmonie et d'envisager une esthétique de la disharmonie, voire du chaos.Alors qu'advient-il à l'art occidental lorsque la notion d'harmonie est ainsi contestée? Et qu'advient-il à l'art de la Chine lorsque celle-ci s'ouvre à l'art moderne occidental où l'harmonie a été mise en question? Et qu'advient-il à la modernité occidentale lorsqu'à son tour elle s'ouvre à l'art chinois et qu'elle y découvre l'idée d'une nouvelle harmonie possible?Tels sont les questionnements que le présent volume collectif va tenter d'explorer, particulièrement dans la littérature des deux derniers siècles.

Ce livre collectif porte sur les obstacles à l'expression de soi en poésie: réticences, discrétion, pudeur, autocensure, métaphorisations, voix obliques, messages implicites, stratégie d'évitement, obstacles provenant de l'environnement social ou du sujet lui-même, etc. Cette problématique est analysée non seulement dans la poésie occidentale (Nerval, Laforgue, Péguy, Breton, Reverdy, Genet, Beckett, Guillevic …) mais aussi dans la poésie orientale, notamment japonaise (le haïku et les poètes japonais du XXe siècle).L'originalité du livre consiste dans le fait que des chercheurs français et des chercheurs japonais réfléchissent sur une problématique poétique à la fois dans la poésie française et dans la poésie japonaise, en tenant compte aussi des influences réciproques de l'une sur l'autre.