Le terme prépon (πρέπον) ne signifie pas seulement le convenable, mais encore la brillance – Homère l'emploie, par exemple, pour dire d'Hector qu'il " brillait " parmi les guerriers troyens (" ho d'éprepe kai dia pantôn ", Iliade, XII, 104). Prépein (Πρέπειν) se dit ici d'un héros qui parmi ses semblables se distingue, sans doute parce qu'il convient plus qu'eux à la fonction guerrière, mais surtout parce qu'il est plus éclatant. C'est la nuance métaphorique qu'il faut saisir ici. Leconte de l'Isle traduit: " Il les surpassait tous. " Mais la prééminence d'Hector n'est pas une question de taille: Hector est plus considérable que les autres, il est splendide. Selon la première définition de Socrate, le beau serait donc l'éclat d'une splendeur exubérante; et cette traduction, voire cette interprétation, change le sens du Hippias majeur du tout au tout. La convenance concerne la bonne proportion, l'harmonie, comme Chauvet et Saisset le soulignent, en bons classicistes français du XIXe siècle. Cette définition de la beauté peut éventuellement avoir un sens dans le contexte de l'art français du XVIIe siècle et de son académie où l'on apprenait les canons de proportion simplifiés des Italiens du XVIe siècle, mais elle n'a aucun rapport avec les discussions de l'académie platonicienne.

Depuis 2010, les Rencontres de Cornillon mettent en œuvre un " matérialisme de la rencontre "inspiré de Lucrèce et des anciens atomistes, afi n de repenser quelques grands thèmes philosophiques à la lumière des enjeux artistiques, sociopolitiques et environnementaux d'aujourd'hui. Le présent volume réunit des contributions ayant pour point de mire les questions du corps, de la poésie et de l'esthétique. Que peut un corps, et que faut-il entendre par " corps "? Quel est le sens de l'agir poétique? Quelle place peut-on espérer pour la poésie et les arts au XXIe siècle? Comment l'esthétique (en tant que science du beau et de la sensation) ruine-t-elle les dichotomies traditionnelles qui grèvent la pensée occidentale, et jusqu'à quel point contribue-t-elle àles renforcer? Autant de questions débattues par un aréopage de poètes, de philosophes, demetteurs en scène, d'artistes et de critiques, réuni chaque été sur les bords de la Cèze, dans leGard, à l'initiative d'Arnaud Villani.

Les voix qui s'expriment ici entendent demeurer dans les parages de la déconstruction, et notamment de la pensée de Jacques Derrida. Autrement dit, elles ne séjournent pas sur le lieu même, mais restent dans le voisinage théorique d'une réflexion exigeante où l'expérience concrète – celle de l'art en particulier – précède toujours le passage au concept, loin de toute systématisation abstraite. Il ne s'agit pas de" déconstruire " une esthétique ou une philosophie de l'art, que l'auteur de La vérité en peinture a bien pris garde, au demeurant, de ne jamais élaborer, mais de s'approprier au plus juste les traces qu'il nous a léguées pour assurer notre présence dans le monde contemporain.

La profondeur, la précision et la vivacité de l'écriture fiedlerienne se révèlent pleinement dans ces pensées toujours subtiles, parfois fulgurantes, qui reprennent et prolongent la réflexion conduite dans l'ouvrage Sur l'origine de l'activité artistique, édité par D. Cohn dans la même collection. La pensée de Fiedler est plus qu'un moment majeur de l'esthétique néo-kantienne : elle élève l'art à la dignité d'une théorie de la connaissance. Son refus d'une esthétique vouée au bon goût, l'affirmation qu'un jugement artistique objectif est possible servent une conception de l'œuvre comme révélation des conditions de la visibilité. L'art devient, avec lui et pour la modernité qui s'annonce, une exploration de la perception humaine en tant que telle. Aussi Fiedler est-il aujourd'hui redécouvert et son influence sur Georg Simmel ou Ernst Cassirer, autant que sur Wölfflin ou Panofsky, réévaluée à sa juste mesure. La précédente édition des Aphorismes (Images modernes, 2004) est épuisée. Il s'agit ici d'une nouvelle édition.

L'importance de la réflexion de Cassirer (1874-1945) sur la fonction symbolique en général et sur l'art en particulier reste, encore en France, sous-estimée. Cet ouvrage propose de comprendre ce que signifie la forme symbolique en partant du laboratoire que constitue l' esthétique, au sens large de la phénoménologie de la perception et au sens étroit du discours sur l'art. Réciproquement, il s'agit d'évaluer la place et la fonction de l'art du point de vue d'une philosophie de la culture où l'art interagit avec le langage, le rituel mythique et la science. Outre la connexion de la pensée de Cassirer avec les travaux des historiens de l'art que furent Warburg et Panofsky, c'est aussi la réception de son œuvre en France par Merleau-Ponty, Foucault et Lévi-Strauss qui est explorée. Cassirer inaugure une anthropologie structurale avant la lettre, qui puise ses inflexions majeures dans les études sur le langage et au sein de laquelle l'art joue un rôle de contrepoint décisif : une morphologie revisitée intéressante pour notre actualité.

La diversité du vocabulaire qui se rattache au mot " art " – arts libéraux, arts mécaniques, beaux-arts, majeurs, mineurs, nobles, populaires, Grand Art, high art, low art, art de masse, arts décoratifs, arts appliqués, arts industriels, etc. – témoigne de la complexité de la question même de ses définitions. Bien que l'histoire de toutes ces catégories et des doctrines qui leur furent liées soit connue, les malentendus et les différends ne sont pas, aujourd'hui encore, vraiment résolus, d'autant que l'historiographie n'a pas épuisé la mise au jour des substrats idéologiques qui permettraient de toujours mieux en comprendre les fondements. Les communications du Séminaire Cultures, Arts et Sociétés réunies ici par Évelyne Toussaint, sous les regards croisés de l'histoire de l'art, de l'esthétique, de l'histoire de la musique, de la muséologie et du graphisme, participent à l'élaboration d'un état des lieux de la recherche et proposent de nouvelles pistes de réflexion.Contributions de Delphine Trébosc, Dominique Dussol, Jacques Battesti, Jean-Luc Poueyto, Évelyne Toussaint, François Damon, Marie Bruneau et Bertrand Genier.

L'ouvrage rassemble dix-huit études de spécialistes de l'Antiquité au XXe siècle autour d'une question transversale encore jamais clairement posée : peut-on parler d'un beau merveilleux ? Ou encore : le merveilleux est-il le beau ? Et que faire alors de la laideur, du monstrueux, de l'inquiétant, du sublime ? L'ensemble vise à établir un lien entre la question esthétique du beau et l'essentielle fascination que, sous la diversité de ses formes, le merveilleux peut susciter. Il peut se lire aussi comme un manifeste " pour une esthétique du merveilleux ", qui entend revendiquer, à côté des approches historiques, ethnologiques, imaginaires du merveilleux, une approche esthétique. Dans cette optique, qui n'exclut pas les autres, ce qui fonde le merveilleux est aussi bien la chose merveilleuse (fait ou objet), que le regard qui l'émerveille ou la " merveille ". Le merveilleux n'est pas tant une question de principe voire d'origine, de destinateur ou de créateur (éventuellement Créateur), que de destinataire et même de spectateur. Plus exactement, elle n'est ni tout à fait dans l'objet ni tout à fait dans le sujet mais dans la relation entre les deux : acte, geste esthétique, donc. La merveille est performative : elle n'existe que lorsqu'on l'expérimente, c'est le regard qui la fonde. Ce questionnement n'entend cependant pas être anhistorique, comme en témoigne la structuration diachronique de l'ouvrage : car les termes de la relation esthétique ne sauraient être les mêmes selon que les critères de définition de la chose merveilleuse, d'une part, et de la catégorie esthétique, de l'autre, se modifient d'une époque à l'autre.

La critique a chez Benjamin une double dimension : celle de la reconstruction méthodique de l'objet signifiant et celle de l'instauration d'un écart qui, préparé déjà par la distance historique, fait éclater son unité de sens. Ce geste, qui se fonde sur la philosophie du langage du jeune Benjamin, renvoie également à la théorie de l'histoire de sa maturité. Mais c'est dans la réflexion sur le concept de critique d'art qu'il élabore le paradigme intellectuel qui, au sein même de l'œuvre, prend appui sur la conception romantique d'une critique immanente à l'objet qu'elle achève.Loin des célébrations empathiques et des réactualisations superficielles qui ont souvent caractérisé la première réception française de Benjamin, l'objectif commun des textes ici rassemblés, est de réfléchir aux fondements théoriques du geste critique chez l'auteur, en revenant sur les sources littéraires et philosophiques de sa pensée.

Dès qu'il s'agit de porter un jugement sur l'art, l'activité créatrice ou ses œuvres, nous semblons pris entre deux attitudes opposées. D'un côté, le jugement naïf qui veut n'écouter que son goût, de l'autre une forme de nihilisme qui invalide toute tentative de jugement. Serions-nous alors condamnés à l'abstention ?Loin de céder à l'esprit doctrinaire ou de se résigner au silence, les auteurs de cet ouvrage ont remis sur le métier les concepts fondamentaux de la théorie du jugement esthétique et de la critique d'art au vu de l'art contemporain. Il s'agit donc bien d'un livre critique et d'un livre sur la critique, si tant est que par critique on entende le libre examen consistant à apprécier une oeuvre ou un sentiment comme une instance de médiation entre l'oeuvre et sa réception.Pour étudier l'application du jugement à l'art, trois aspects ont été retenus. D'abord une question de principe, le problème de la règle du jugement esthétique : où la trouver ? sur quoi la fonder ? comment l'admettre ? à quoi l'appliquer ? faut-il une ou plusieurs règles ? faut-il même une règle ? Ensuite le rapport entre la critique et la démocratie, entre un engagement personnel et la communauté des avis, entre l'un et le multiple, ce qui implique une interrogation sur le sens commun, sur la voix du plus grand nombre. Enfin, la critique d'art, ouverte à de nouvelles pratiques et de nouveaux champs artistiques.Cet ouvrage est destiné à toute personne intéressée par les débats sur l'art contemporain, et soucieuse de clarifier certaines notions fondamentales. En particulier les étudiants de philosophie de l'art, d'arts plastiques, d'histoire de l'art ou des beaux-arts y trouveront des analyses de référence.

Jean Burgos débute sa carrière d'enseignant universitaire à Chambéry et présente d'abord une thèse sur Apollinaire en 1967 puis, en 1969, un doctorat d'État ès lettres consacré à la poïétique de l'Imaginaire. Il va dès lors poursuivre son œuvre sur l'Imaginaire et ses travaux prennent une dimension internationale, notamment à partir de son ouvrage fondamental, Pour une poétique de l'Imaginaire, paru en 1982 et traduit en plusieurs langues. Professeur émérite des universités, président honoraire de l'Université de Savoie et président de l'Éditorat des Lettres Modernes, Jean Burgos a toujours conjugué, tout au long de sa carrière, son activité de chercheur de renommée internationale à celle d'enseignant capable de passionner plusieurs générations d'étudiants, en France comme à l'étranger. Avec cette Traversée du 20e siècle dans les domaines de l'Imaginaire et de la création, ses amis, ses collègues et ses anciens élèves entendent lui rendre un hommage appuyé.

Tout un chacun face à une image en cherche le sens. Mais comment savoir si on l'interprète avec justesse ?L'esthétique, comme analyse des conditions de réception et d'appréciation des œuvres d'art, peut-elle élucider ce qui fait sens ? La question de méthode est donc préjudicielle à une analyse de l'image : comment faire apparaître un sens immanent à l'oeuvre? Autrement dit, l'esthétique doit rompre avec le préjugé iconoclaste, venu du monothéisme comme du platonisme, pour admettre que le visuel a du sens, fait sens, est sens par lui-même.Le lecteur trouvera ici onze études sur des images diverses, examinées par des chercheurs d'horizons divers, tant géographiquement qu'intellectuellement. Une unité se dégage cependant : ne pas faire de l'image l'illustration accessoire d'une théorie préétablie, ayant par ailleurs sa cohérence et ses visées et dont le rapport à l'image serait occasionnel, mais dégager un sens inhérent à l'oeuvre, quitte à accepter le risque de la contingence, de la particularité, de la non-systématicité.Dans cet ouvrage, chaque analyse est indépendante des autres. Leur ordonnancement les constitue pourtant en une série significative. Le lecteur pourra cheminer dans ce livre soit en suivant l'ordre des auteurs, la logique interne de cette succession lui apparaissant au fil de sa lecture, soit en progressant selon son goût, selon l'intérêt que suscitera en lui telle ou telle image. Cet ouvrage s'adresse aux étudiants, aux enseignants et aux chercheurs soucieux d'approfondir les méthodologies d'analyse, mais aussi à toute personne désireuse d'apprendre à voir et de réfléchir sur ses propres perceptions.

La question du statut de la nature en esthétique et en art semblait être tombée en désuétude. Dans le contexte de la modernité artistique, l'artefact semblait avoir supplanté la nature, tandis que, sur le plan intellectuel, le concept de culture triomphait. Mais la floraison récente des théories du paysage indique qu'il faut repenser la question, et que c'est l'antinomie nature-culture qui est dépassée. En même temps, l'apparition d'une nouvelle forme d'art, le land art, rend à nouveau pertinente l'idée de créer artistiquement en utilisant un matériau naturel. Réévaluée comme invention permanente, non seulement dans le cadre de l'art, mais du point de vue plus général de l'environnement, la nature revient ainsi au premier plan. Sans préconiser un quelconque retour à une hypothétique pureté de la nature, de son état ou de sa notion, il est pertinent de réévaluer aujourd'hui son rôle à la fois dans l'art, notamment contemporain, et dans l'esthétique.