Frédéric Épaud, se plaçant aussi bien sur le plan des structures que sur celui des techniques de travail aborde un des aspects les plus importants mais aussi les plus méconnus de l'architecture médiévale normande : celui des ouvrages en bois.Son livre, très largement illustré de photos et de relevés architecturaux inédits, est consacré à l'étude des charpentes d'édifices romans et gothiques de Haute et Basse-Normandie, notamment celles des cathédrales de Rouen, Bayeux et Lisieux, des grandes églises abbatiales de Fécamp et de Saint-Georges-de-Boscherville, mais aussi celles de nombreuses autres églises, manoirs, granges et bâtiments abbatiaux des XIe-XIIIe siècles. Ces ouvrages en bois sont aussi bien des charpentes de combles, pans de bois, voûtes lambrissées d'églises ou de manoirs, beffroi de cathédrale que des charpentes de granges ou de halles. Le volume offre au lecteur une étude complète sur le plan historique, architectural et archéologique de ces monuments à la lumière des charpentes analysées et datées pour la plupart par dendrochronologie. Nombre d'observations sur les traces archéologiques laissées sur les bois lors de la conception et de la mise en œuvre de la charpente, ou encore par des engins de levage utilisés lors du montage.Après ces études monographiques, l'ouvrage traite de l'évolution générale des charpentes du XIe au XIIIe siècle dans le contexte du passage de l'architecture romane à l'architecture gothique. Cette évolution est expliquée à travers la modification des structures, des assemblages, du mode de répartition des charges et illustrée de commentaires techniques, de relevés et de photos. Le lecteur pourra comprendre comment une charpente est conçue à l'époque romane, depuis le tracé de l'épure au sol, en passant par le marquage de ses bois et jusqu'au levage et à l'assemblage définitif de ses pièces. Remontant ainsi toute la chaîne opératoire, il aura loisir de s'intéresser aussi bien au bois en tant que matériau (essences, choix des périodes d'abattage, techniques de taille...), qu'au mode de sélection des arbres en forêt, à leur transport, par voie terrestre ou fluviale, aux outils utilisés, aux engins de levage ou encore aux divers matériaux de couverture employés à cette époque en Normandie. Panorama à la fois général et précis de l'ensemble des techniques de charpenterie médiévales connues actuellement, cet ouvrage, à travers l'étude archéologique des charpentes conservées sur les édifices normands majeurs, permet de mieux comprendre le passage de la charpente romane à la charpente gothique.

Si l'architecte Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814-1879) n'eut que quelques expériences directes d'enseignement, il n'en eut pas moins de nombreux "élèves" car il ne renonça jamais à la transmission de ses idées. Outre les établissements dans lesquels il enseigna, ce fut au cours de sa pratique, dans son agence ou sur les chantiers de restauration, ou encore par le biais de ses publications qu'il transmit ses connaissances. Ainsi, si parmi ces "élèves" certains avaient réellement suivi un enseignement du "maître" dans un établissement d'enseignement, d'autres, les plus nombreux, reçurent les leçons violletleduciennes par d'autres biais, sans l'avoir nécessairement rencontré, ni même lui avoir été contemporains. Largement usité de nos jours, l'expression "élève de Viollet-le-Duc" méritait, nous l'avons cru, quelques éclaircissements. C'est l'ambition de ce volume qui, grâce aux contributions de 22 auteurs et autrices, interroge les biais de transmission de la pensée de Viollet-le-Duc et les productions de quelques-uns de ses continuateurs.

Si l'on pouvait interroger un pèlerin ayant réalisé le pèlerinage à Saint-Jacques de Compostelle vers le milieu du xiie siècle, il est certain qu'il évoquerait les splendeurs des portails sculptés de la cathédrale, découvertes une fois arrivé à destination.Ces oeuvres admirables accueillent en effet depuis des siècles le visiteur qui a vaillamment traversé de nombreuses contrées, le récompensant ainsi de manière grandiose. Parcourant les chemins de pèlerinage qui mènent à Saint-Jacques-de-Compostelle, les sculpteurs formés sur les chantiers d'Ile-de-France, de Bourgogne ou d'Occitanie importent dans leurs bagages des innovations qu'ils emploient ensuite sur le chantier de la cathédrale. Par leur participation à la construction de nouveaux sanctuaires, ils diffusent des iconographies et des formes nouvelles, impactant le développement ultérieur de la sculpture hispanique.Cette vision d'une forte influence de la France sur la péninsule ibérique, qui se développe dans l'historiographie dès la fin du XIXe siècle, a durablement marqué les études sur la sculpture hispanique. Les recherches actuelles tendent à nuancer cette approche et s'attachent à définir de manière plus pointue la notion de " transfert ", permettant ainsi d'expliquer les processus et les modalités d'adaptation face aux nouveautés.Cet ouvrage aborde, à travers une série d'articles richement documentés, l'évolution de la sculpture dans la péninsule ibérique depuis le XIIe siècle jusqu'au milieu du XIIIe siècle. L'utilisation de moyens méthodologiques renouvelés permet aux auteur·e·s de mieux examiner la genèse de l'implantationde l'art gothique au sud des Pyrénées.

Des études récentes, associant l'histoire de l'art aux méthodes de l'archéologie du bâti et à la relecture des sources, renouvellent nos connaissances sur l'architecture religieuse et monastique du Moyen Âge central dans la partie septentrionale de l'ancienne province ecclésiastique de Reims (diocèses de Thérouanne, Tournai, Arras et Cambrai).Ces monuments, disparus ou encore présents, témoignent du dynamisme des bâtisseurs de cette vaste région, au carrefour de l'Europe du Nord, qu'il s'agisse de reconstructions sur des sites existants ou de nouvelles implantations, qu'elles soient canoniales ou monastiques. Les routes commerciales comme les voies fluviales – dont l'Escaut, frontière entre le Saint Empire romain germanique et la Flandre, fut un axe majeur – favorisèrent les échanges et permirent notamment la circulation de matériaux, accompagnée des transferts des formes et des techniques.

À la fin de sa vie, Lina Bo Bardi (1914-1992) conçoit un projet destine´ a` être présente´ lors de l'Exposition universelle de Séville de 1992. Il ne sera jamais réalisé, mais rend compte de plusieurs des préoccupations de cette architecte et intellectuelle, qui vécut entre l'Italie et le Brésil, notamment sa vigilance a` l'égard de l'ascendance des valeurs occidentales sur le reste du monde et sa conviction que les identités culturelles sont ancrées dans les manifestations quotidiennes. Pour elle, l'architecture ne se réduit pas a` un effet formel, elle implique la vie, la pensée critique et l'action collective. Cet ouvrage nous permet de comprendre le dialogue, à la fois critique et fécond, que Lina Bo Bardi noue avec la culture du xxe siècle. Son héritage créatif et visionnaire reste d'actualité dans un monde où les valeurs et pratiques humanistes sont en jeu.

Qu'attend-on aujourd'hui d'une ville ? Qu'elle soit agréable à vivre, confortable et sûre. Elle autorise le changement de rôle thématique du citadin qui peut alors se transformer en passant, en promeneur urbain. Parce qu'elle est sûre, le piéton peut ralentir son pas, entrecouper les multiples programmes qui déclinent des " moments " de la ville par des pauses et s'arrêter pour faire surgir une scène tout autour de lui.L'agrément de la ville élude une seconde condition implicite : pour susciter le désir de promenade, la ville doit être belle, ce qui signifie le plus souvent " pittoresque ", autrement dit disponible pour " faire image ", et l'assimile alors à un site consommé par les touristes comme une théâtre d'images toutes faites.Depuis quelques années, une nouvelle exigence s'ajoute à celles-ci, la créativité. Elle témoigne à la fois d'une capacité de la ville à s'inscrire dans son époque par des activités expressives lui donnant un caractère " contemporain ", mais aussi à se projeter dans le futur à travers l'innovation technologique, ce qui l'affiche comme une " smart city ".Les expressions créatives (œuvres, inscriptions, projets artistiques, etc.) relèvent de l'initiative des habitants ou de celle de l'institution, mais également de leur alliance lorsque les projets des citadins sont soutenus ou encouragés par la municipalité.

p.p1 {margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; font: 10.0px Helvetica}p.p2 {margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; font: 10.0px Helvetica; min-height: 12.0px}À la suite de l'engouement pour l'art urbain, ce petit livre revient sur l'opération lancée par les Services industriels de la Ville de Lausanne, qui ont voulu égayer les armoires électriques de la ville en faisant appel à des jeunes du COFOP, une école des métiers qui s'adresse à des jeunes ayant besoin d'un encadrement professionnel spécialisé.Cette opération a permis à nombre d'entre eux de s'initier au graffiti urbain sous l'égide de leur enseignant. Repérer un lieu, préparer des pochoirs, s'initier au sprayage, cet apprentissage donne l'occasion à ces jeunes de vivre la ville sous un autre angle en s'appropriant l'espace urbain. Quant aux usagères et usagers de la ville, ces armoires constituent autant de bornes colorées dans leur quotidien.À ce jour, plus de 350 armoires peuvent être admirées dans les rues lausannoises. Ce livre revient sur cette aventure et propose trois balades afin de découvrir la ville et une partie de ces armoires peintes.

Le hameau de la Reine à Versailles, commandé par Marie-Antoinette et construit par Richard Mique entre 1783 et 1789, se compose d'un ensemble de douze maisons rurales agencées autour d'un étang artificiel. Ce site en apparence vernaculaire se caractérise pourtant par une contradiction: nombre de ces bâtisses rustiques étaient habitées par le personnel y travaillant ou étaient utilisées pour la production agricole, tandis que d'autres servaient uniquement aux plaisirs de la cour. La salissure externe était en fait peinte, et une partie des intérieurs recelaient des décors opulents. À l'aide de sources d'archives qui n'avaient pas été étudiées jusqu'à présent, ce livre reconstitue l'histoire de la fonction et de l'utilisation de cette partie des jardins du Trianon. De plus, il analyse le hameau selon l'angle des sciences de la culture, en le situant dans la mouvance naissante de l'Empfind­samkeit (sentimentalisme). Cette approche met en lumière le caractère objectal de l'architecture, le statut des " corps exposés ", l'utilité comme catégorie esthétique ou encore la question de la création artificielle de la " naturalité ". Ces thématiques cen­trales revêtent une portée qui va bien au-delà de cette période charnière: dans le hameau de la Reine, l'authenticité devient un calcul esthétique dont les traces s'étendent jusqu'à aujourd'hui.

Dans le prolongement des questionnements engagés sur la transmission des œuvres en général, et plus particulièrement ceux attachés à la transmission des techniques, des images et des théories liées au processus de création artistique, cet ouvrage propose d'explorer dans cette perspective les notions de dynastie et de province. Plus précisément, il s'agit de porter un nouveau regard sur cette construction et sur ce qu'elle produit en province et au sein de lignée d'architectes et d'artistes au cours des XIXe et XXe siècles.L'ouvrage réunit les actes de la journée d'études menée conjointement par des chercheurs du Centre d'Histoire " Espaces et Cultures " (CHEC) de l'Université Clermont- Auvergne et de l'UMR Ressources de l'École nationale supérieure d'architecture de Clermont-Ferrand (ENSACF).

Ce numéro des Cahiers thématiques est consacré aux relations entre architecture et " Théorie critique ", telle que cette dernière a été initiée par les membres de l'École de Francfort – mais aussi, plus largement, aux liens entre pensée critique et architecture. Cette thématique est abordée selon trois angles complémentaires. Il s'agit, d'une part, d'examiner la manière dont l'architecture a nourri, directement ou indirectement, les champs de recherche des penseurs associés à l'École de Francfort?; il convient, d'autre part, d'interroger la manière dont les historiens et les théoriciens de l'architecture, mais aussi les architectes eux-mêmes, se sont inspirés des thèses de l'École de Francfort, au besoin en les adaptant, pour fonder et renouveler une approche critique de l'architecture, redéfinir le rôle de la théorie et repenser les enjeux de la discipline architecturale. Il importe enfin d'élargir le champ de recherche – au-delà de la stricte focale de la Théorie critique –, pour engager une réflexion sur la manière dont l'architecture elle-même, dans ses processus de conception et de réalisation, a pu – et peut encore – se constituer en tant qu'outil de résistance face aux idéologies et aux modes de production dominants, en revendiquant et en assumant – parfois au risque de la contradiction – une visée émancipatrice.

Au milieu de luxuriants jardins surplombant le Bosphore, l'architecte Sedad Hakki Eldem avait construit en 1948 le café Ta?lik, un édifice alliant architecture ottomane et modernisme occidental. Accessible à tous, sans distinction de classe ni de genre, ce lieu symbolisait alors l'idéal démocratique de la jeune république turque. Qu'en reste-t-il de nos jours? Démantelé et déplacé, le café, comme les jardins qui l'entouraient, a laissé place à un complexe hôtelier de luxe. La vue imprenable dont les habitants pouvaient autrefois jouir librement est désormais monnayée. Par son récit, Victor Burgin redonne vie à cet édifice. En mettant au jour des évolutions urbaines que l'on retrouve dans les métropoles du monde entier, il propose une définition de la ruine propre à l'ère capitaliste.

Les liens qui unissent les deux arts depuis l'Antiquité sont multiples mais respectent généralement un principe : celui de la soumission de la sculpture à l'architecture, et par voie de conséquence de l'architecte au sculpteur. Mais la sculpture n'est-elle qu'un art ancillaire ? Les rapports de force entre architectes et sculpteurs ne peuvent-ils s'inverser ? De quelle manière les sculpteurs ont-ils envisagé, investi, le domaine de l'architecture, ses théories, ses principes, son espace ? Ce numéro de la revue Sculptures présente un éclairage inédit sur les liens unissant sculpture et architecture autour des notions de limite, renversement, affranchissement, interaction entre les deux arts, du XIXe au XXIe siècle.