Comparer l'emploi du merveilleux scandinave chez les auteurs et les autrices de la Percée moderne, c'est chercher à saisir l'impact de la voix féminine et son rôle de contournement dans la littérature. À travers différents genres de la littérature de formation, ce volume entend interroger les voies que les autrices scandinaves, pourtant nombreuses et connaissant un réel succès, pouvaient emprunter pour contourner une critique cherchant constamment à les minorer. Le contexte sociopolitique et historique des pays scandinaves au tournant du XXe siècle est fondamental pour comprendre la façon dont les autrices s'emparent du surnaturel différemment des écrivains, afin de s'adapter à une norme et de pratiquer un genre littéraire, proche du conte, compatible avec l'idée que les critiques se faisaient des lettres féminines. Leur approche témoigne d'une tendance partagée à employer esthétiquement le surnaturel pour traiter les débats modernes sur les droits des femmes, ouvrant de la sorte un passage vers les thématiques du folkhem à venir. Et si le merveilleux pouvait servir à narrer une vision utopique de la femme ?

Les contes littéraires sont un médium idéal de transfert des représentations sociales au cours du temps. C'est pourquoi il convient de les envisager au fil de leurs transformations, induites par des mutations sociohistoriques. Qu'ils s'adressent aux enfants, aux adultes, ou qu'ils mettent en œuvre une double adresse, ils relatent l'histoire de personnages sans cesse confrontés au regard de l'autre et aux prises avec les mécanismes sociaux. La légitimité d'une telle approche est proportionnelle à leur persistance à travers le temps et à leurs pouvoirs de métamorphose. Le conte des frères Grimm, Blanche-Neige, fait partie de ces textes aux relectures pléthoriques, dont l'omniprésence ne saurait être dissociée d'un éclairage socioculturel déterminant. Or le personnage de Blanche-Neige, image de relative passivité, prend désormais la parole et gagne en visibilité sur l'échiquier social. Les canevas amoureux, familiaux et générationnels que le conte semblait avoir fixés, s'en trouvent renversés, ce qui est significatif des mutations du statut des femmes et de leur prise en compte dans nos sociétés contemporaines. Confrontée à l'infanticide comme au féminicide, celle qui est devenue l'héroïne de nombreuses œuvres littéraires, iconographiques ou cinématographiques se trouve désormais au cœur de la réflexion sur la place du féminin.

Les discours officiels qui ne cessent d'alerter sur la déforestation, sur les crises climatiques et environnementales, ne suffisent pas à convaincre le plus grand nombre. N'aurions-nous pas besoin de nouveaux récits pour repenser notre relation à la forêt et à nos écosystèmes ? Et la fiction n'aurait-elle pas ce pouvoir de faire bouger les lignes ? C'est pour répondre à ces questions qu'un groupe de chercheurs (linguistes et littéraires) partant des discours nouveaux sur la forêt et des nouvelles taxinomies qui la désignent aujourd'hui, s'est intéressé à leur traduction actuelle dans des romans – dystopiques ou non –, des iconotextes, des films d'animation, de la poésie, toutes formes qui font récit et sont comme autant de porte-voix de la sylve elle-même, dont l'urgence à se faire entendre par l'homme moderne est devenue une évidence. Grâce aux imaginaires ancestraux qui font résurgence sous des formes elles aussi nouvelles dans ces textes, puisqu'ils sont mis en tension avec les peurs et les urgences contemporaines, ces récits permettent de renouer avec une vérité trop souvent oubliée, sur le mode sensible, tout en intégrant sur leur passage les nouvelles découvertes scientifiques sur les arbres et sur les forêts.

Depuis l'Antiquité, le motif de la bête que l'on sacrifie et de la peau que l'on revêt est récurrent dans la littérature, notamment dans les mythes, les fables et les contes, que l'on pense au mythe de la Toison d'or, à Ésope, à Basile, à Perrault, à La Fontaine ou encore aux frères Grimm. Les pouvoirs que l'on prête à la peau ou à la fourrure animale sont, de même que ses fonctions narratives, multiples: tantôt parure et trophée, gage de puissance et de fécondité voire d'immortalité, tantôt agent d'une métamorphose protectrice, la peau de bête en général et la peau de l'âne en particulier, font souvent office d'adjuvant. Située à la frontière de l'hybridité, de la marginalité et de la monstruosité, la peau de bête est un motif qui continue d'inspirer des fables et des fictions contemporaines. Le présent ouvrage se propose d'interroger, de manière diachronique, non seulement la fonction narrative et symbolique de la peau ou de la fourrure que l'on revêt, à partir, notamment, du conte central de " Peau d'Âne ", mais aussi ses représentations picturales, aussi bien fixes qu'animées, ainsi que les potentialités poétiques de ce bestiaire si particulier, tant la fourrure suscite, comme attribut de l'animalité, tout autant fascination (érotique ou taxidermique) que répulsion. Les chercheurs réfléchissent à partir d'horizons épistémologiques différents, à la question complexe, et commune pour les genres retenus, des réappropriations, reformulations, reconfigurations ou rédifications que le thème a pu connaître, et qui pourra être abordée sous l'angle de la transtextualisation et de la transmédialité.

Les contes de Perrault, des frères Grimm, et d'Andersen sont parmi les plus connus du genre, mais leur rapprochement masque parfois le fait qu'ils n'ont pas été écrits à la même époque, ni dans la même culture, et qu'ils comportent de nombreuses différences. Avec une double approche linguistique et comparatiste, l'ouvrage propose un nouveau regard sur ces textes et s'attache à montrer que les auteurs construisent des manières de raconter particulières, des stratégies narratives qui doivent être mises en relation avec un " projet discursif ". L'analyse des différences entre Perrault, les Grimm et Andersen permet en outre de construire une poétique du genre: le conte apparaît comme un enchevêtrement de voix où un conteur relate une histoire déjà racontée auparavant, comme s'il rapportait la voix d'un autre conteur, s'inscrivant ainsi dans une tradition où l'on parle toujours à la suite de quelqu'un.

En sondant la nature de voix féminines remarquables dans le vaste réservoir de la Fable, le présent volume choisit de s'interroger sur la manière dont celles-ci portent, révèlent et éventuellement transforment le texte dont elles sont issues. Ces voix sont donc envisagées comme inductrices de poésie, dans un sens large (qui ne se limite pas au genre littéraire) et comme moteur de réflexion métalittéraire. Dans ces légendes, le fréquent transfert de la voix parlée ou chantée à un objet qui en devient le support – lyre ou navette –, la promotion de figures à la fonction gnoséologique (les sirènes) ou prophétique (Cassandre), révèlent le lien intrinsèque qui s'instaure entre ces personnages et le " dict " poétique. Pour cette raison, le concept de " voix " – qui tend volontiers à la désarticulation comme " fabrique poétique " –, ne se limite pas à son sens premier, organique, mais s'étend à d'autres types d'expression comme le langage corporel et tout spécialement la danse ou la nage. De la sorte, mots, gestes ou objets définissent les éléments fondateurs d'une poétique en acte tout en explorant les codes de représentation du féminin.

Parmi les mythes bibliques, peu sont aussi riches en réception, aussi lourds en conséquences et en même temps aussi contestés que les récits de la Genèse liés à la création du monde et de l'homme, au paradis et à la " Chute ". Car peu nombreux sont ceux qui ont structuré aussi fortement ce qui a été à la fois croyance et pratique dans les sociétés chrétiennes. Avec la laïcisation de la pensée du XVIe siècle aux Lumières, cette croyance est mise en question, et les récits bibliques ne font pas exception, évoluant ainsi vers le mythe. La production littéraire et artistique s'en ressent et se libère plus que jamais, donnant au couple de la Genèse des interprétations et attributs nouveaux. Les articles réunis dans ce volume interrogent dans des approches disciplinaires différentes les rôles que jouèrent Adam et Ève dans cette période de transformation qui voit la Genèse d'un côté encore comme référence du droit, et de l'autre comme source de réécriture littéraire, voire comme matériau exemplaire de polémique.

L'ouvrage se propose d'interroger la transmission et la perpétuation des Contes des Grimm, en France, dans la littérature de jeunesse contemporaine. Le cœur de l'ouvrage vous propose une typologie argumentée embrassant la variété des reformulations des Contes à destination de l'enfance. Au fil du livre sont questionnées les raisons (économiques, idéologiques, éthiques) qui ont présidé à la sélection des contes retenus par les éditeurs, auteurs et illustrateurs, ainsi que les enjeux (symboliques, sociopolitiques, stylistiques et pédagogiques) des reformulations.

Le Minotaure se situe au centre d'un écheveau de passions familiales, souvent violentes, parfois perverses, toujours compliquées, à l'image de son étrange demeure, et le mythe ne cesse de nous interroger. Au cours des siècles, les relations entre les différents acteurs du drame se sont modifiées et complexifiées, et les articles de cet ouvrage, en étudiant les réécritures du mythe du Minotaure et des figures qui gravitent autour de lui, de l'Antiquité jusqu'à nos jours dans les domaines les plus variés, littérature, bien sûr, théâtre, bande dessinée, arts picturaux, danse, cinéma…, ont tenté d'envisager la façon dont ceux qui se sont inspirés de ce mythe se sont approprié ces filiations pour les transformer à leur gré et élaborer de nouvelles créations.