Ce recueil rassemble des poèmes inédits de Salih Ecer, poète turc mort en 2013. Son œuvre est autant ancrée dans le social et le politique que dans l'intime. Princesse/ on m'a toujours trahi/ on m'a malmené/ et c'est moi qui l'ai voulu . Il avait confié à sa sœur Sedef Ecer ces quelques textes pour les traduire en français : pourquoi ce choix, il n'en a rien dit. Poète et romancier istanbuliote né en 1954 et décédé en 2013, Hüseyin Salih Ecer fut l'une des grandes figures créatives de la vie intellectuelle turque contemporaine. Poète et écrivain engagé dans son époque, il devient, dès son plus jeune âge, un proche de la sociologue Behice Boran, mythique leader du parti ouvrier turc des années 1970. Suite au coup d'état militaire de 1980, Salih Ecer a été obligé, comme beaucoup de leaders d'opinion de l'époque, de cesser ses activités politiques. Dans les années 1980, il crée Ultra, l'une des premières agences de publicité du pays, avec laquelle il signe quelques campagnes inoubliables, tout en continuant, en parallèle, son activité de poète. Homme de débat, de questionnements, conscient du rôle dérangeant de l'intellectuel dans toute société, et plus encore dans une société autocratique, il a, pendant de nombreuses années, allié l'écriture des textes littéraires profondément ancrés dans une tradition de gauche et l'invention de slogans publicitaires dans un pays sortant peu à peu du monopole d'État, qui ont symbolisé les premières rencontres de la société turque avec le capitalisme. Cette contradiction plus ou moins assumée a bien évidemment marqué sa personnalité et la diversité de son œuvre. Les raisons qui poussaient Salih Ecer sur les chemins de la poésie étaient certainement plus vitales, plus ontologiques que pour beaucoup d'autres puisque la poésie et la création en général étaient sa nature même. Il jouait à la vérité sur un coin de feuille blanche et sa vie sociale, citoyenne ou amoureuse s'inscrivait au regard de ses actes créatifs. Toujours sur la corde raide, il vivait comme il écrivait, ou plutôt il écrivait dans l'état où il vivait, il écrivait " amoureux ", il écrivait " en colère ", il écrivait " ivre " avec cette rigueur du poète qui transforme son humaine condition en acte littéraire pensé et réfléchi. Il assumait et revendiquait pour chaque syllabe, ses raisons de " peau-ésie ". Je pleure/ une tristesse gaie/ pousse sur ma terre. Ce recueil rassemble des poèmes inédits de Salih Ecer, poète turc mort en 2013. Son œuvre est autant ancrée dans le social et le politique que dans l'intime. Princesse/ on m'a toujours trahi/ on m'a malmené/ et c'est moi qui l'ai voulu. Avant de mourir, il avait confié à sa sœur Sedef Ecer ces quelques textes pour les traduire en français : pourquoi ce choix, il n'en a rien dit.

Consacré à la guerre en Irak, Irak 24 heures se concentre sur la journée du mardi 17 octobre 2006, dont Frank Smith fournit le décryptage poético-documentaire des événements survenus minute après minute, heure par heure, entre 0 h 00 et minuit. Consacré à la guerre en Irak, Irak 24 heures se concentre sur la journée du mardi 17 octobre 2006, dont Frank Smith fournit le décryptage poético-documentaire des événements survenus minute après minute, heure par heure, entre 0 h 00 et minuit. Ce livre à entrées multiples est tout d'abord composé d'une série de 70 sections pointant chacune un incident particulier de type " SIGACTS " ou " actions significatives " survenu à un instant précis ce jour-là et relevé par l'armée américaine. Ces documents déclassifiés rendus publics par la plateforme Wikileaks en 2010 détaillent les éléments vus et entendus par les troupes militaires américaines sur le terrain, constituant ainsi le premier aperçu réel d'une histoire secrète du conflit. En regard de ces Irak War Logs, une image satellite est générée pour situer chaque incident à partir de ses composantes géographiques. En écho, sont mis en relation des récits et des commentaires issus de blogs tenus par de jeunes Irakiens ; le flux continu et inéluctable des dépêches d'agences de presse parues tout au long de la journée ; ainsi que les fragments poétiques d'une réflexion sur la notion de " jour " et son passage dans le temps. Un livre d'autant plus total que dispersé, non pas tant pour représenter une image du monde ce jour-là que pour tenter de rétablir des coordonnées dans la multiplicité chaotique d'un pays anéanti par la guerre.

Tremper serait-il une spécificité française de l'art de se mettre à table pour le petit déjeuner, le goÃ"ter ou le souper ? Que signifient " tremper sa chemise ", " tremper la soupe ", un acier " trempé ", prendre une " trempe " ? Exercice littéraire jubilatoire, foisonnement baroque sur un geste quotidien, un presque rien appétissant où les mots se savourent. " Alors que nous quittions la cuisine, George posa sa dernière question : â??; Is there any book about dipping ? Qu'il ne se soit pas exprimé en français, langue qu'il parle couramment, donnait du poids à sa parole. Je répondis "Non, il n'existe pas de livre sur le trempage' et décidai d'en écrire un. " Dès cet extrait reproduit en quatrième de couverture, le ton est donné : l'auteur a pris beaucoup de plaisir à composer cet essai original. Les problématiques de l'acte de tremper surgissent dès le début de l'ouvrage en un faisceau de questions : " Trempe-t-on différemment à Paris, en province, à l'étranger ? Assembler, est-ce cuisiner ? Tremper, est-ce de la gastronomie ? Existe-t-il des recettes de trempage ? Si vous êtes insensible à ces questions et les considérez futiles, vous ne tremperez jamais. " " Cette pratique humaine et quotidienne concerne davantage les collations que les repas ; les trempeurs exercent le matin au petit-déjeuner et au goÃ"ter vers dix-sept heures. " De quoi est donc fait ce petit ouvrage en forme de digressions, dans une pâte quasi mangeable tant sa forme incite à le saisir comme une tartine ? De mots solubles dans des boissons chaudes ou froides ? Tremper serait-il une spécificité française de l'art de se mettre à table pour le petit déjeuner, le goÃ"ter ou le souper ? Moins franchement pour le déjeuner ou le dÃner. Café, madeleine, soupe. Que signifient des expressions comme " tremper sa chemise ", " tremper la soupe ", un acier " trempé ", prendre une " trempe ", etc. L'auteur nous entraÃne dans un voyage étymologique et s'interroge sur un mot qui s'est forgé au cours des siècles. Tantôt invitation à la juste mesure : tremper pourrait signifier tempérer , tantôt affirmation virile (un caractère bien trempé), le mot a évolué dans son sens et son genre, passant du féminin au masculin. " Dans ce dictionnaire, les records de solidité et de liquidité appartiennent pour un extrême à " Acier trempé " (quoi de plus solide ?) et pour l'autre à " Tremper son vin, par exemple avec de l'eau ", car rien de plus liquide que le trempage d'un liquide dans un autre ". " Le plus dérangeant pour un non-Français, même francophone, restant l'expression " Tremper sa soupe ", qui consiste à verser du bouillon sur des tranches de pain ; c'est alors le liquide qui est plongé dans le solide et non l'inverse ". Est ce une réponse à Perec qui s'interroge malicieusement sur cette expression dans son Je me souviens ? Le texte vante les mérites des matières : de la baguette à la biscotte et n'hésite pas à philosopher sur le boudoir. Le style est vif. Parlant des croissants, Roy les qualifie d'un trait : " droit au beurre ou arqué ordinaire " ; " le chocolat fait penser à un marigot exotique, dont la tartine serait le crocodile ". Sur la madeleine de Proust (rien ne lui échappe), l'auteur considère l'art du repêchage des miettes et on pourra se reporter au passage de La Recherche concernant l'effritement de la madeleine. C'est un exercice littéraire jubilatoire, foisonnement baroque sur un geste quotidien, un presque rien appétissant où les mots se savourent et qui fait appel à tous les sens : la vue (cf. " le contrôle optique ! "), le goÃ"t, l'odorat, le toucher et l'ouïe.

L'artiste Natacha Nisic a assisté au procès en appel, en 2018 en France, des deux responsables du génocide des Tutsi dans la commune de Kabarondo, au Rwanda. Elle a dessiné et pris des notes lors des séances, saisi les échanges, postures et tensions et émotions. L'historienne Hélène Dumas nous donne des clés de compréhension des enjeux du procès dans un texte autonome. L'artiste Natacha Nisic a assisté au procès en appel, en 2018 en France, des deux responsables du génocide des Tutsi, Tito Barahira et Octavien Ngenzi, dans la commune de Kabarondo, au Rwanda. Elle a dessiné et pris des notes lors des séances, saisi les échanges, ambiances, postures, comportements, tensions et émotions, et nous le transmet ainsi, sans prétention à l'exhaustivité ou à l'objectivité, dans une incomplétude opératoire. En parcourant ces images écrites, nous sommes à notre tour saisis. Ce procès est crucial par ce qu'il soulève comme enjeux d'histoire, de justice et de mémoire. Nous reproduisons 500 pages de carnets, avec la transcription des notes manuscrites qui offre une autre entrée possible dans l'ouvrage. L'historienne Hélène Dumas, également présente au procès et témoin en tant qu'experte, nous donne des clés de compréhension des enjeux du procès dans un texte autonome d'introduction. Hors du théâtre de la cour d'assises, ses propres notes ainsi que les sources issues des enregistrements tracent un autre chemin. Les carnets, comme restés dans la salle d'audience, en gardent la mémoire en leur âme et conscience. Cette écriture continue et contenue dans ces carnets forment œuvre. Pour guider le lecteur, Hélène Dumas propose un index des noms, un glossaire et une chronologie. Ce livre s'inscrit donc entre le livre d'artiste et le livre d'histoire et constitue à la fois une interprétation sensible et esthétique et une approche scientifique de ce procès. C'est aussi un document d'histoire puissant : il s'agit d'un livre sur un génocide, sur un procès pour génocide, mais il s'inscrit aussi dans une réflexion sur les procès pour génocide en général. Par le prélèvement de l'artiste, par sa subjectivité, par l'engagement historienne d'Hélène Dumas, ce livre atteint notre sensibilité et nous fait nous questionner : nous avons des clés de lecture de ce génocide qui fait partie d'une histoire globale de la nation française et du monde

Les auteurs proposent une lecture des représentations de la montagne depuis les dernières décennies du XVIIIe siècle – quand la moyenne et haute montagne des Alpes devient un sujet pour les peintres – jusqu'aux années 1930. Les auteurs proposent une lecture des représentations de la montagne depuis les dernières décennies du XVIIIe siècle – quand la moyenne et haute montagne des Alpes devient un sujet pour les peintres – jusqu'aux années 1930. Tableaux, aquarelles, dessins, gravures et photographies, certains célèbres et " incontournables ", d'autres méconnus, plus rarement vus, mais tous de grande qualité, ont été très précisément choisis. " La montagne ", une et multiple, est une formation géologique immémorielle et vivante, une entité imaginaire ettopographique, un objet d'étude et de projection fantasmatique, un milieu habité et un motif pictural inépuisable... S'adresser au paysage suppose qu'il n'est pas qu'étendue (géographique), milieu (biologique) ou décor (d'une intrigue ou d'un récit) ; cela suppose qu'il constitue une entité suffisamment personnifiée pour être le destinataire d'une parole ou d'une pensée adressée ; on s'adresse à quelqu'un. L'idée romantique que le paysage peut véhiculer, manifester, refléter ou exprimer un état d'âme a contribué à cette possibilité d'une " adresse au paysage ". Le premier ressort de l'intérêt pour la montagne qui se manifesta à l'époque des Lumières fut scientifique : ce milieu retiré et hostile, haut-lieu de l'imaginaire, matrice de mythes et de légendes, devint alors un terrain d'étude pour les naturalistes, qui s'attelèrent à résoudre les énigmes de la formation des reliefs géologiques, du cycle de l'eau, des effets de l'altitude... Les deux approches – puissance imaginaire et visée de connaissance – ont orienté également le travail des artistes confrontés aux paysages alpins. Elles constituent deux veines, deux tendances qui, souvent, se mêlent au sein d'une même œuvre, à des degrés divers et de manière plus ou moins délibérée de la part de l'artiste. L'exposition et le livre présentent certains aspects particulièrement saillants de cette histoire. Ouverts avec Linck, soit une pratique de la peinture accordée à une connaissance de la montagne, ils débouchent sur l'œuvre expressionniste de la peintre russe Marianne Werefkin (1860-1938), encore très peu connue en France, dont le musée d'Ascona a consenti le prêt exceptionnel de huit grandes peintures. Formée au grand style réaliste à Saint-Pétersbourg, elle interrompit une carrière prometteuse pour poursuivre sa quête d'un art nouveau. En 1896, elle s'installa à Munich avec Alexei Jawlensky, qui fut son compagnon pendant près de trente ans. Après l'aventure du Blaue Reiter, et la Grande Guerre, elle passa les vingt dernières années de sa vie à Ascona, qui était alors un village de pêcheurs, sur la rive suisse du lac Majeur. Déjà présent dans sa peinture, le motif de la montagne se renforce, multipliant les symboliques, parfois jusqu'à l'allégorie. Les hautes montagnes au profil caractéristique qui entourent le lac y apparaissent souvent, bien que transfigurées par la force expressive de la couleur. Elles sont à la fois des figures à part entière et le cadre de scènes hallucinées où l'être humain et la grande nature se confrontent, dans un rapport de force variable allant de la coexistence harmonieuse à l'exploitation. ARTISTES REPRÉSENTÉS : Giuseppe Pietro Bagetti – Louis Bélanger – Samuel Birmann – Bisson Frères – Marc-Théodore Bourrit – Adolphe Braun – Paul Cabaud – Alexandre Calame – Carl Ludwig Hackert – Victor Hugo – Pierre-Louis de La Rive – Jean-Antoine Linck – Gabriel Loppé – Frédéric Martens / Eugène Cicéri – Johann Jakob Scheuchzer / Johann Melchior Füssli – Vittorio Sella – Giorgio Sommer – Charles Soulier – Georges Tairraz (père) – Élisabeth Vigée-Lebrun – Marianne Werefkin – Edward Whymper – Caspar Wolf

Martine Segalen se livre à une enquête historique et généalogique de la " saga " de deux familles juives dont elle est issue, venues à la fin du 19e siècle à Paris. Entre démarche personnelle et professionnelle, très documentée, cet exercice de retour en soi est sensible, émouvant et représentatif d'une histoire de beaucoup de familles françaises ou qui le sont devenues. La photo sur le bureau Les albums de famille sont comme des petites machines à remonter le temps. Les photographies en sont les arrêts sur images, les moments figés d'un film muet sautillant et fragile. Jaunies, altérées par les plissures et les mauvais traitements elles disent peu d'elles-mêmes. Entre les photos il y a des blancs, des marges et parfois telle ou telle part écrite succincte, juste un mot, un lieu, un prénom, une date, un bref commentaire. C'est une matière que Martine Segalen (née Appel) connaît bien. Ethnologue connue par ses travaux de sociologie de la famille, sur le mariage, la parenté, la transmission dans les sociétés françaises, traditionnelles et contemporaines, elle se livre ici à un exercice de retour en soi, une sorte d'auto-ethnographie. Elle a pu le faire à partir d'une double dynamique : celle, personnelle, fortement motivée par le désir légitime de retrouver ses origines, d'explorer les archives et les traces de sa propre famille afin de s'assurer de la transmission ; l'autre, professionnelle, en utilisant la " boîte à outils " de son savoir anthropologique qui lui a permis de comprendre les mécanismes de composition familiale tels qu'elle a pu les observer et les analyser dans d'autres groupes sociaux. Cet ouvrage en est le résultat. Pour mener à bien cette enquête, l'ethnologue s'est faite historienne, elle est allée sur le terrain, dans les archives, a fait resurgir ses propres souvenirs. Son exigence méthodologique et cette pratique d'une ethnologie de soi ne cache pas l'émotion qu'elle a senti surgir à la vue des documents, des sites et des photographies qui la concernaient directement. Sagas familiales, exils croisés, destins d'exilés C'est une description historique de la " saga " de deux familles juives dont elle est issue, venues à la fin du xixe siècle jusqu'à Paris, symbole de la liberté de penser ; elles s'y intégrèrent au milieu professionnel des fabricants et commerçants du vêtement (principalement dans la branche de la casquette et de la fourrure). Martine Segalen a exploré minutieusement la trajectoire de ces exilés et enquêté sur le milieu socioprofessionnel judéo-parisien jusque dans les années 1930. Elle décrit les systèmes d'alliances et les stratégies mises en œuvre au cours de plusieurs générations pour consolider les fruits d'un exode et fait le récit de ces trajectoires sociales ascendantes. Les premiers chapitres retracent le parcours des deux lignées, du côté du père et du côté de la mère. Chacune de ces lignées a connu une forme d'exil différente et d'ailleurs assez semblable aux lignées de la famille de Nathalie Heinich (voir Une histoire de France). Partis de la Pologne et de l'Autriche russe, une branche a rejoint l'autre lignée partie d'Alsace après 1870. Leur ressemblance est moins l'appartenance à un milieu social qu'une communauté religieuse. Dans un autre chapitre elle raconte aussi, de manière encore plus impliquée, cet épisode paroxystique du camp de Drancy où furent internés ses parents (Paul et Ginette Appel) durant deux ans (1942-1944), au moment de sa toute première enfance. Ce fut un moment très difficile où tous les rêves et les efforts des générations précédentes semblaient devoir se briser et s'effacer. Ce chapitre renvoie aussi à l'actualité des recherches historiques sur Drancy. 2022 est une année de commémoration de la terrible rafle du Vél d'Hiv et des exactions contre les juifs qui ont suivi et qui ont fait de la Cité de la Muette à Drancy un épicentre de la déportation vers Auschwitz et Birkenau. Parmi les témoignages réunis par les équipes du Mémoriel de la Shoah, il y a ceux des parents de Martine Segalen et c'est avec une grande lucidité et sans partialité qu'elle relate ces faits. " Ethnologie du chez soi " Cet essai aurait pu avoir pour titre Du train à la Péniche. Martine Appel-Segalen a suivi les traces de son grand-père, Israël Appel, depuis les voies ferrées où roulait le train qui le conduisit à la fin du xixe siècle de Katowice en Pologne jusqu'à P

Nanda Gonzague a photographier les dernières saisons du quartier Degroote, condamné à la démolition. Accompagné des textes d'Antoine Tricot, de Paul Leroux et de Christiane Vollaire, cet ensemble d'images et de textes met en lumière les habitants et les traces de la période où ils ont vécu et façonné le quartier, tout en éclairant la mécanique du renouvellement urbain. On remarque d'abord les fenêtres hexagonales, les panneaux préfabriqués en béton gravillonnaire, les espaces verts autour de bâtiments singuliers. La cité Degroote, à Téteghem Coudekerque-Village, près de Dunkerque, regroupe 428 logements HLM construits de 1975 à 1978, après l'ère des grands ensembles industrialisés. C'est un quartier français ordinaire comme il en existe tant d'autres. Ces logements portent la marque architecturale et urbanistique d'une ère novatrice et prometteuse. Mais, du fait de malfaçons et de problèmes constructifs qui ont généré humidité, infiltrations et effritements, et après l'échec des rénovations successives, la décision de démolir s'est imposée. Degroote n'aura pas atteint cinquante ans. Nanda Gonzague a documenté les dernières saisons du quartier Degroote de 2019 à 2021. Accompagné des textes d'Antoine Tricot, de Paul Leroux et de Christiane Vollaire, cet ensemble d'images et de textes met en lumière les habitants et les traces de la période où ils ont vécu et façonné le quartier, tout en éclairant la mécanique du renouvellement urbain. Le photographe a créé une relation intime et durable avec les gens de Degroote attachés à leur cadre de vie. Devant l'objectif, ils posent avec dignité et fierté. A l'écoute de leurs souvenirs et au cœur d'un travail de mémoire partagé, il a saisi avec pudeur et sans misérabilisme l'effacement progressif du paysage familier du quartier.

Bouchart cherche à redécouvrir les lieux par les yeux de Proust, retrouver ce qu'il a vu dans ce qu'il voit. Il met ses pas dans les pas de l'écrivain et fait, en son temps (années 1970) un inventaire des traces qu'une disparition annoncée menaçait. Beaucoup de ces lieux sont à présents consignés dans ce livre majeur qui sert aussi la lecture concrète de Proust. Ce livre repose sur un double paradoxe : montrer des lieux littéraires (dont la réalité est souvent issue de l'imagination " documentée " de Proust) et laisser s'installer – dans le réel des lieux photographiés par François-Xavier Bouchart – une place pour la rêverie et la flânerie. La coïncidence esthétique repose sur la relation entre les deux formes d'écritures : littéraire et photographique. Aux " instantanés visuels " de Proust correspond la grammaire focale de Bouchart avec les différents jeux optiques, dont ceux de la narration panoramique. Dans une sorte de travail d'archéologie visuelle, Bouchart, cherche moins à documenter l'œuvre qu'à redécouvrir les lieux par les yeux de Proust, retrouver ce qu'il a vu dans ce qu'il voit. Il ne s'agit en aucun cas d'une illustration de La Recherche . Conscient de l'intérêt de Proust pour l'image photographique enregistreuse des temps et de lieux, Bouchart met ses pas dans les pas de l'écrivain, à la manière de Proust lui-même revisitant les " pierres de Venise " à travers les yeux du critique d'art anglais John Ruskin. En construisant ainsi une œuvre originale à partir des éléments dispersés d'un fragmentaire de La Recherche , le photographe a fait, en son temps (de 1971 au tout début des années 1980), un inventaire des traces qu'une disparition annoncée menaçait. Ce qui fut d'ailleurs le cas de beaucoup de ces lieux (paysages, chemins, maisons, monuments) qui sont à présents consignés dans ce livre majeur. Le livre sert aussi la lecture concrète de Proust par la cohérence éditoriale d'un choix de lieux réels en regard avec les extraits choisis (on devrait dire " élus ") de l'œuvre qui montrent assez la préoccupation et l'intérêt de l'écrivain pour la photographie. L'écriture proustienne, dans son " système ", met en jeu des équivalences " non exactes ", des vraisemblances établies par des montages littéraires et visuels qui sont autant d'approximations, sous le règne d'une recherche autobiographique revue et " re-rêvée ". Il suffirait de se référer à la géographie des territoires proustiens pour s'apercevoir qu'ils sont comme " dénommés " et comme remplacés par des noms nouveaux où presque rien n'est changé et pourtant rien n'est pareil. Les lieux sont ainsi parfois amalgamés comme sur des photographies en surimpression où peuvent se deviner des éléments pris en plusieurs endroits pour ensuite être synthétisés. Ainsi la création de Balbec résulte d'un ensemble de clichés mentaux, mémorisés par Proust lors de séjours en Normandie littorale (et pictorale), à Cabourg, Honfleur, Houlgate, Deauville, Trouville mais aussi lors de voyages dans des stations de Bretagne et en Suisse.

Ianna Andreadis a invité les habitants d'Ivry à participer depuis chez eux à un projet de photographie partagée : prendre une vue de la ville depuis leur fenêtre, en incluant le cadre de celle-ci, frontale et axiale. Le résultat produit un panorama spectaculaire et compose un tableau collectif de la ville d'Ivry, un catalogue sensible des manières d'y habiter. D'avril 2020 à avril 2021, dans la période si particulière des confinements successifs, l'artiste Ianna Andreadis a invité les habitants d'Ivry à participer depuis chez eux à un projet de photographie partagée. La règle du jeu a été donnée d'emblée : prendre une vue de la ville depuis leur fenêtre, en incluant le cadre de celle-ci, frontale et axiale, sans déformation exagérée des perspectives. Le résultat produit un panorama spectaculaire et très varié de la ville, où chacun exerce un regard entre l'intime du chez-soi et son extérieur familier, du plus proche au plus lointain. Recouvrant tous les quartiers, les points de vue alternent entre motifs architecturaux emblématiques de la banlieue parisienne et paysages d'une apparente banalité. Identification d'une ville avec son cœur et ses marges, ses horizons et ses vues sur cours, places, rues et cités, ses matériaux de béton, brique et ses végétaux... Ces vues expriment l'emprise du temps : le temps qui passe (ou qui ne passe pas) – heures, jours, saisons, le jour et la nuit ; le temps qu'il fait – neige, pluie et soleil sous d'extraordinaires ciels d'Ile-de-France. L'ensemble compose un tableau collectif de la ville d'Ivry et forme le catalogue sensible des manières d'y habiter. Le texte d'Ianna Andréadis dévoile une partie du processus de cette " fabrication urbaine plurielle " qui peut s'adapter à d'autres villes comme elle l'a déjà fait pour Athènes ( Fenêtres d'Athènes , éditions Agra, 2016). Danièle Méaux poursuit ici une réflexion féconde sur ce qu'elle nomme les " géo-photographies " et s'interroge sur le sens de la photographie collaborative.

Ce livre de texte et de photographies propose des alternances et des lectures dédoublées, mille nuances de dire et mettre en scène la matière neige. A partir d'une expérience de bilinguisme, il offre une leçon d'équivalence, caractéristique de l'activité poétique. Les photos montrent des espaces sans échelle où la matière est montrée au risque de sa disparition dans la page. Ce livre de texte et de photographies propose des alternances et des lectures dédoublées. Il est à la fois un exercice littéraire et visuel. à partir d'une expérience de bilinguisme, il offre une leçon d'équivalence, caractéristique de l'activité poétique. Il ne s'agit pas à proprement parler d'une traduction (ici du français et du russe) mais d'un travail de langue qui opère comme un outil les mille nuances de la matière neige. Ce n'est pas dit de la même façon, de la même manière ni de la même matière en français et en russe. À commencer par qui parle : femme en français, homme en russe. Par coïncidences successives avec ces bruits de langue, l'œil est sollicité par d'autres entailles. Les photographies mettent en scène des espaces sans échelle où la matière est montrée au risque de sa disparition dans la page. Matière aux limites du visible, travaillée par le vent qui l'anime de signes étranges et y inscrit de subtiles traces, la neige, dans les empreintes fixes que collecte le photographe. Les repères habituels dans le paysage hivernal se brouillent ou s'effacent, le temps même qu'un page se tourne, qu'un sommet s'efface. Les métamorphoses les plus ténues forment d'éphémères compositions. Ici aussi une leçon d'équivalence qui se défie du temps et des échelles est exposée. Les grains d'halogénure d'une pellicule photographique sont des cristaux sensibles et noircis par la lumière. Projetés et agrandis sur le papier positif ces points noirs deviennent des nuages de flocons blancs. Dans la lignée d'une collection où se jouent de expériences poétiques (plus largement littéraires) et des expériences visuelles (sur tous supports), ce livre explore la question de la fixité des traces et de la prise en compte de leur passage dans la mémoire humaine.

Histoire de l'aventure médicale et entrepreneuriale des Thermes de Saujon en Charente-Maritime, fondés en 1860, accueillant aujourd'hui près de 5000 curistes par an. En 1860, Louis Dubois, médecin généraliste de Saujon, en Charente-Maritime, se lance dans une activité d'hydrothérapie avec une seule cabine de douche. Ses descendants, Stanislas, Robert, Jean-Claude, Thierry et Olivier, transforment progressivement cette modeste installation en un établissement comprenant deux cliniques psychiatriques, un centre thermal à orientation psychosomatique attirant près de 5 000 curistes par an, une structure psycho-éducative baptisée l'École thermale du stress, plusieurs résidences et un spa. Comment sont-ils passés d'une simple approche balnéothérapique à une médecine thermale capable de traiter des maux emblématiques de notre société, comme le stress, l'addiction aux psychotropes ou le burn-out ? Comment ont-ils réussi à se transmettre et à consolider, de génération en génération, cette entreprise qui mobilise désormais une quinzaine de psychiatres et médecins thermaux et emploie 182 salariés ? Le récit de cette aventure médicale et entrepreneuriale intéressera à la fois les patients et curistes de Saujon, les médecins et salariés de l'entreprise, les généralistes et psychiatres susceptibles d'y adresser leurs patients, les spécialistes de management curieux du fonctionnement d'une entreprise familiale, sans oublier les habitants de Saujon et de sa région, qui découvriront dans cet ouvrage les secrets de cette belle réussite.

Les images de pin-up (littéralement punaisées en haut ) dans les ateliers font l'objet d'une approche anthropologique par Anne Monjaret. Après avoir longuement parcouru l'environnement de travail masculin, elle évoque sa difficile posture de chercheuse, elle analyse la signification de telles représentations des femmes et questionne la division sexuelle des lieux de travail. Nous avons tous vu, à un moment ou à un autre, dans des ateliers de garagistes, des cabines de routiers ou autres lieux de travail masculins, ces posters donnant à voir des femmes dévêtues et dans des positions suggestives. Ces images de pin-up (littéralement " punaisées en haut ") font ici l'objet d'une approche anthropologique. L'ethnologue Anne Monjaret a longuement parcouru l'environnement de travail masculin : sa recherche a commencé dans les années 1990 dans les services techniques de trois grands hôpitaux parisiens et s'est poursuivie dans d'autres milieux de production ou d'entretien. Plusieurs années plus tard, elle revient sur les conditions de cette enquête et elle évoque la difficile posture d'une chercheuse s'introduisant dans un monde exclusivement masculin. Elle analyse la signification et la portée de telles représentations des femmes. Elle élargit sa réflexion à un questionnement sur la division sexuelle des lieux de travail, leur gestion et les relations entre les femmes et les hommes dans ces espaces. Mais au cours de son investigation, elle constate aussi que ces pratiques se modifient et qu'aujourd'hui les affichages de nus féminins tendent à disparaître des lieux de travail masculins. Si l'usage des calendriers perdure, ils ne sont plus seulement illustrés par des images de femmes dévêtues : ils peuvent aussi montrer des hommes musclés et en partie dénudés et ne sont plus seulement affichés dans l'univers clos des ateliers mais aussi dans des espaces plus ouverts. Cet essai original interroge aussi les manières de pratiquer la discipline. L'ethnologue, en questionnant le regard que les hommes portent sur les femmes, contribue à la réflexion sur le changement des relations entre les sexes, la reconstruction des représentations des rôles sociaux et les codes traditionnels qui régissent les rapports de genre. Par ailleurs, cette écriture, argumentée avec les outils de la discipline et quelques documents (une dizaine de photographies), ne manque pas de qualités littéraires.

Qu'est-ce que la Commune de 1871 ? Ce livre, riche de multiples points de vue, propose des pistes novatrices et rouvre le débat. Il s'agit d'une relecture collective de la Commune, dans un cadre spatio-temporel élargi. Il propose au lecteur d'aller au plus près du quotidien de 1871, localement, comme d'examiner l'événement à l'échelle nationale ou internationale. Devenue un mythe mondial au xxe siècle, la Commune de 1871 est en réalité mal connue. Le déclenchement de l'insurrection parisienne le 18 mars et la répression de la Semaine sanglante à la fin du mois de mai sont des points de repères parisiens, marqueurs mémoriels qui cachent en partie sa grande complexité, comme sa dimension nationale ou transnationale. Fertile en initiatives de tous types, la Commune constitue a posteriori un extraordinaire et fascinant laboratoire du politique. Expérience démocratique originale, affirmation républicaine, forme de fédéralisme à la française, tentative d'émancipation sociale, utopie, référence insurrectionnelle ou révolutionnaire, elle est tout cela à la fois et davantage encore. De fortes reconstructions historiques, sociales et politiques ont de plus accentué sa complexité. Aujourd'hui, l'historiographie de 1871 se libère de ses carcans et l'expérience communaliste suscite une curiosité renouvelée. Cet ouvrage présente un ensemble novateur de trente-cinq textes inédits des meilleurs spécialistes français ou étrangers mais aussi de jeunes chercheurs. Il s'agit d'une relecture collective de la Commune, dans un cadre spatio-temporel élargi. Il propose au lecteur d'aller au plus près du quotidien de 1871, localement, comme d'examiner l'événement à l'échelle nationale ou internationale : France, Allemagne, Italie, Autriche, Empire ottoman ; Paris, Lyon, Narbonne, Bordeaux ou Perpignan, Aveyron et Morbihan, Oise et Doubs... Le livre explore l'héritage de 1848 et accorde une large place à l'après-Commune, à l'exil et la déportation, aux postérités, aux mémoires, influences et interprétations. La Commune, ce sont avant tout des hommes et des femmes, des destins. Les regards se portent donc sur les individus : la Commune représente un moment particulier dans des trajectoires de vie d'acteurs ou de contemporains connus ou anonymes. Enfin, le livre aborde les relations complexes entre l'histoire de la Commune et sa mémoire et ses commémorations, de la fin du xixe siècle à nos jours. Qu'est-ce que la Commune ? Cet ouvrage propose des pistes novatrices et rouvre le débat. Il montre la dimension capitale de l'expérience communaliste pour décrypter le xixe siècle ou nourrir nos questionnements les plus contemporains.

Le village de Cergy s'est trouvé pris à la fin des années 1960 au centre d'une agglomération nouvelle voulue par l'état et les aménageurs. 50 ans sont passés comme autant d'années d'une chronique urbaine et humaine : c'est l'occasion pour le sociologue et écrivain Jean-Michel Léger et le photographe Jean-Yves Lacôte d'y revenir et d'en saisir les contours actuels. " Cergy, dès sa construction, a été une ville de brassage, soixante nationalités différentes, Français venus de toutes les provinces. Je trouvais cela prodigieux, une ville pareille, à quarante kilomètres de Paris, cette possibilité d'être ensemble entre gens arrivant de partout. Une ville où il n'y a pas, comme à Rouen, Bordeaux, Annecy – les villes où j'ai vécu – un cœur 'bourgeois', inscrit dans les murs, dans les rues, cette puissance ancienne d'un ordre social, de l'argent, manifestée dans les bâtiments " (Annie Ernaux, Le vrai lieu, Gallimard, 2014). Le petit village de Cergy, dans son écrin de verdure et son univers champêtre, s'est trouvé pris à la fin des années 1960 au centre d'une agglomération nouvelle voulue par l'état et les aménageurs. La création de " centres urbains nouveaux ", à l'échelle de l'Ile-de-France, a apporté des réponses à la croissance démographique et à l'étalement urbain en réalisant un développement multipolaire. 50 ans sont passés comme autant d'années d'une chronique urbaine et humaine faite de ruptures et de continuités, planifications et changements de programme, superpositions et hésitations, lenteurs et fulgurances, échecs et réussites. Dans l'aventure de la ville nouvelle, Cergy est celle qui a connu les bouleversements les plus importants et la croissance démographique la plus spectaculaire, passant de 2 500 habitants en 1969 à plus de 62 000 aujourd'hui. Chaque quartier, constitué autour d'îlots ou d'unités de voisinages, témoigne d'une extraordinaire diversité architecturale, urbaine, paysagère et sociale. En résulte une forme urbaine complexe, vivante, entrelacée de pleins et de vides, de parcs, de routes et de sentiers, de liens et de passages propices à toutes sortes de circulations. Toujours en travaux, travaillant ses limites et son centre, la ville aime se contredire et se mêler, comme sa population, à l'air du temps. En s'attachant aux ambiances singulières des quartiers, aux édifices-témoins et emblématiques (de la Préfecture à l'Axe majeur, par exemple), à ce qui fait lien ou rupture entre les quartiers, le photographe Jean-Yves Lacôte donne à voir autant une histoire des formes urbaines que la manière dont on les habite aujourd'hui, dont on se les approprie ou les détourne. Une photographie-constat de 50 ans de vie (non pas " après " mais " pendant "). Jean-Michel Léger, extraits : " Il ne s'est pas agi ici d'évaluer Cergy, mission impossible. La tentation de rapprocher les intentions des fabricants de la ville (planificateurs, aménageurs, élus, urbanistes, architectes) et la réception par ses usagers est en effet vaine, tant l'aptitude des citadins à inventer des usages et des représentations relève d'une créativité non attendue. Au moment de la conception des villes nouvelles, Henri Lefebvre affirmait déjà que la vie quotidienne n'est pas réductible à une idéologie urbanistique forcément fonctionnaliste, car la vie quotidienne est autant une œuvre originale qu'un produit manufacturé. L'usage d'une ville est polyphonique : les habitants, les actifs, les étudiants, les passants, etc. ont chacun leur propre partition. Ce récit sur la ville de Cergy est ainsi comme le méandre de l'Oise qui a justifié le choix du site à urbaniser (tout en l'épargnant) : il décrit une boucle en s'abreuvant à différentes rives : témoignages d'acteurs publics ou anonymes, sources bibliographiques, documentation disponible sur Internet, visites in situ. Au spectre très ouvert des points de vue, celui-ci n'est ainsi qu'une contribution de plus à une lecture de Cergy, sans tendre à une synthèse, sans prétendre à une introuvable objectivité. Ici, sans doute pas d'attente d'ailleurs, mais la contemplation du paysage ample et unique de la boucle de l'Oise, au fond duquel la skyline de la Défense surgit entre les buttes-témoins de Montmorency et du Mont-Valérien, ou plutôt semble posée sur la plaine comme la

Les poèmes de François Cheng, d'une forme brève de quelques vers libres, font écho aux photographies de Patrick Le Bescont. Ils s'attachent à saisir les différentes nuances du paysage de fin d'hiver, traduites dans des gammes de gris et de blanc, et les aux brisures, ruptures et craquements de la glace de ce Saint-Laurent en mars, au début de sa lumineuse débâcle. En 1988, Patrick Le Bescont, photographe et éditeur des toutes jeunes éditions Filigranes, publie son premier livre Échos du silence. Paysage du Québec en mars. Il y invite le grand écrivain et poète franco-chinois François Cheng à être son complice et son premier regard. En 2018, Créaphis publie une reprise de ce livre, dans la collection Format Passeport. Cette nouvelle édition traduit en miniature une immensité. Les poèmes de François Cheng, d'une forme brève de quelques vers libres, sont une sorte de précipité. Les auteurs se font écho, s'accordent à distance, s'attachent à saisir les différentes nuances du paysage de fin d'hiver, traduites dans des gammes de gris et de blanc où sont parsemés des points noirs d'une encre profonde. Entre ciel et fleuve, à peine visibles, une vie bien présente faite d'arbres, d'herbes, d'animaux et d'humains, de traces. Petits jalons posés comme des pointillés sur une page, les photographies sont aussi écriture de poésie par de petits signes calligraphiques. Il faudrait aussi pouvoir entendre ce livre. La voix murmurante de François Cheng fait aussi écho aux brisures, ruptures et craquements de la glace de ce Saint-Laurent en mars, au début de sa lumineuse débâcle. Les poésies ont gardé leur force et leur précision. Attitude contemplative empreinte d'une leçon de philosophie du corps et du paysage. Une belle réflexion en écho aux photographies. Dessinateur et ébéniste de formation, Patrick Le Bescont a construit lui-même sa chambre photographique en bois, de grand format. Dans ce voyage, il accomplit en artiste et en artisan une tâche et un chef-d'œuvre initiatique.

L'historien Pierre Schill analyse ici les documents produits par Gaston Chérau, écrivain, engagé comme correspondant par LeMatin lors de la guerre italo-turque en Libye (1911-1912) : 250 photographies, articles de presse, correspondance privée et écrit littéraire. Le livre a pour origine la découverte fortuite par l'historien Pierre Schill, d'une trentaine de photographies dans les archives départementales de l'Hérault : soldats sous des palmiers, désert africain et scènes d'exécution collective en place publique, quatorze corps pendent au gibet. Images " égarées " et retrouvées mais sans aucune indication de date, de lieu ni de nom du ou des photographes. C'est le point de départ de la passionnante enquête historique de Pierre Schill. En identifiant Gaston Chérau, écrivain, comme ce correspondant du Matin lors de la guerre italo-turque en Libye (1911-1912), il propose une analyse historique de ces documents et une réflexion oiriginale sur le statut d'observateur correspondant de guerre à partir d'un corpus important de photographies, d'articles de presse, de lettres et d'écrit littéraire. Mais il y a plus. Soucieux de partager cette découverte, l'historien sollicite le regard et le geste d'artistes contemporains qui entreprennent un travail de création par appropriation (chorégraphique, plastique et littéraire). Quatre contributeurs analysent ces œuvres en deuxième partie. Première partie : analyse historique (Pierre Schill) L'écrivain Gaston Chérau (1872-1937) est missionné en 1911 par le quotidien Le Matin , l'un des plus importants de l'époque, pour couvrir la guerre qui vient d'être déclenchée entre l'Italie et l'Empire ottoman à propos du contrôle de la Tripolitaine et de la Cyrénaïque (actuelle Libye). En affaiblissant l'Empire ottoman, ce conflit a joué un rôle déterminant dans le déclenchement des guerres balkaniques (1912-1913) et consécutivement dans l'embrasement de l'Europe en 1914. Il a alors 39 ans. Plus de 250 photographies, une correspondance privée, des articles publiés et un récit littéraire de 1926 constituent la matière de cet ouvrage. Cette matière abondante, protéiforme – visuelle et textuelle – avec différents registres d'expression – public et privé – permet de suivre et de comprendre la vie quotidienne et le travail d'un correspondant de guerre au temps du télégraphe. Elle constitue un témoignage rare des premiers temps du reportage de guerre et de l'utilisation de la photo dans la presse. L'ouvrage aide à comprendre le rôle du correspondant dans la construction du récit de guerre ; conditionné par le dispositif d'encadrement militaire, le matériau produit lui échappe en partie en raison des multiples médiations éditoriales qui façonnent ses récits. En explorant les coulisses de la fabrique de l'actualité, ce livre restitue la genèse du récit, éclaire le prisme d'un métier tout neuf et permet de mesurer une expérience qui au-delà de l'épreuve personnelle est un engagement dans un espace très contraint. En effet, le reporter se trouve pris entre le contrôle exercé par les belligérants – soucieux de contrôler la narration des événements – et par la rédaction du journal désireuse de captiver son lectorat par une spectacularisation de l'actualité. Le journaliste est tiraillé entre sa fonction de témoin et sa manipulation par les pouvoirs politiques, militaires et médiatiques. L'intérêt historique de ces archives est également de " dépayser " notre regard habituel sur ces conflits prémonitoires de la Grande Guerre. Les documents rassemblés mêlent deux histoires, de niveaux et d'enjeux différents. L'une est collective : c'est celle d'un conflit colonial tardif marqué à la fois par des violences extrêmes et par l'intensité de la répression de masse, mais aussi par des formes de modernité – la plus symbolique étant d'avoir été le théâtre du premier bombardement aérien de l'histoire par aéronefs. L'autre forme d'histoire est individuelle : c'est celle d'un partie de la vie de Gaston Chérau lui-même. à l'écart des figures les plus célèbres de la littérature de reportage – Dorgelès, Leblanc, Leroux, Londres, Naudeau ou Giffard – Chérau est un écrivain-reporter peu connu mais pas inconnu du monde des lettres. Romancier, il a été deux fois finaliste du Prix Goncourt (1906 et 1911) et élu à l'Académie Goncourt en 1926.

Cet ouvrage est une réédition d'un livre classique épuisé et devenu introuvable. L'édition originale de ce texte d'Eugène Guillevic et des photographies de Marc Tulane date de décembre 1987 (coédition Créaphis / la Tuilerie tropicale). Grand poète des pierres (et en particulier des pierres " obstinées " de Bretagne), Guillevic (dont le nom même résonne comme un éclat étincelant) a créé ce joli néologisme " Pétrée " au regard des photographies de Marc Tulane. Ici l'accord le plus juste se trouve entre la présence des pierres dures, polies, froides, et l'analogie que procure la photographie en révélant des formes sensuelles du corps d'une femme couchée, comme " née de la vague ". Le poème est d'ailleurs chargé d'un érotisme latent en parfaite harmonie avec le refrain visuel des sept photographies qui balisent le texte. Cet espace – c'est aussi un estran – de rochers, de vagues et de granit offre un entre-deux pour la rêverie et une sorte de méditation concrète... L'attachement de Guillevic aux images de ce rivage n'est pas étonnant pour un poète dont le premier recueil s'est intitulé Choses. Ce n'est pas sans rappeler que Le Parti pris des choses de Francis Ponge est paru la même année que Terraqué (1942). Ce lien aux choses de la terre et de l'eau, aux éléments les plus simples, le poème Pétrée l'exalte dans sa forme brève chère à l'auteur. Très peu de mots, des retours à la ligne, une adresse directe au lecteur sous la forme d'un " tu ". Pétrée s'inscrit donc dans une ligne directrice, majeure de l'œuvre de Guillevic, où apparaît l'enseignement d'une poésie " objective " chère à Rimbaud déjà mais qui s'exprimera particulièrement chez les poètes américains du courant objectiviste.

G. Horan-Koiransky publie en 1947 Le camp de Drancy (seuil de l'enfer juif) , recueil de 56 estampes, " témoignage graphique " sur le camp de Drancy, lors de son internement en 1942-1943. Oeuvre méconnue et pourtant majeure, elle est rééditée dans une version enrichie d'une analyse critique, de dessins inédits et des extraits de son journal publié en 2017 chez le même éditeur. Original et essentiel dans la connaissance du camp de Drancy, le recueil de cinquante-six estampes de Georges Horan-Koiransky, Le Camp de Drancy, seuil de l'enfer juif publié en 1947 était à peine connu il y a seulement quelques années. N'ayant jamais fait l'objet de réédition depuis sa publication, seules quelques estampes extraites de ce livre étaient diffusées sans être présentées comme partie d'un tout. La réédition et l'analyse de son œuvre ont été permises par la découverture de très nombreux croquis, esquisses et dessins préparatoires et du journal de Georges Horan-Koiransky (publié en parallèle par les éditions Créaphis). Ce foisonnement nouveau d'archives et d'informations et leur capacité à faciliter la compréhension d'une œuvre à la fois douloureuse et elliptique nous ont amenés à réaliser une réédition augmentée des sources de ce " témoignage graphique " unique. En effet, ce récit dessiné sur Drancy, novateur et méconnu, constitue un document exceptionnel qui relate avec émotion et talent la misère quotidienne et l'effroi vécus par les internés et les déportés de ce camp majeur dans la persécution des juifs de France entre août 1941 et août 1944. La réédition respecte la conception originale de l'édition de 1947 et la reproduit intégralement mais dans une version augmentée avec un appareil critique et des documents inédits. Le livre est composé d'une préface de Serge Klarsfeld, qui rappelle toute l'importance de l'œuvre de Georges Horan-Koiransky dans la connaissance du camp de Drancy ; d'une introduction générale de Benoît Pouvreau ; du fac simile de l'édition de 1947 et d'une analyse approfondie de l'œuvre de Georges Horan accompagnée de dessins et croquis inédits et d'extraits du journal. Benoît Pouvreau, est historien et chercheur au service du patrimoine culturel du Conseil départemental de la Seine-Saint-Denis. Il travaille sur l'histoire du logement, le patrimoine du XXe siècle et les lieux de mémoire de la Seconde Guerre mondiale. Il a notamment publié Eugène Claudius-Petit, un politique en architecture (2004), dirigé Les graffiti du camp de Drancy (2014) et co-écrit Drancy, un camp en France (2015).

Georges Horan-Koiransky publie en 1947 Le camp de Drancy (seuil de l'enfer juif), recueil de cinquante-six estampes, véritable " témoignage graphique " sur le camp de Drancy, lors de son internement en 1942-1943. Œuvre méconnue et pourtant majeure, elle est rééditée ici dans une version enrichie d'une analyse critique et de documents inédits, dont des dessins préparatoires et des extraits de son journal que nous publions en parallèle (Journal d'un interné).

Pourquoi un livre de plus sur la Grande Pyramide et le Complexe funéraire de Kheops ? Tout n'a-t-il pas déjà été dit ? La conception architecturale et la construction de la Grande Pyramide et/ou les messages occultes dont elle serait porteuse ont fait l'objet d'une foule de publications. Cette étude est celle d'un architecte qui propose une thèse sur la méthode conceptuelle de l'architecture de la Pyramide et de l'ensemble du Complexe funéraire y compris le groupe du Sphinx. Selon Antoine Laget, cette méthode a été mise en œuvre dans le cadre d'un projet global conçu par le prince Khoufou (Khéops) lui-même, terminé lors de son accession au trône et réalisé avant son décès. La conception n'implique que les savoirs et outils de l'époque attestés par l'égyptologie ainsi que l'utilisation du tracé régulateur et d'une numération spécifique. L'auteur démontre que Khoufou utilise les principes d'un procédé qui sera fixé beaucoup plus tard par les architectes grecs et ceux de la Renaissance pour la conception de nombreuses œuvres. Antoine Laget, né en 1928, est architecte. Sa carrière professionnelle s'est principalement déroulée hors de France. Son goût et sa familiarité avec les grands principes de la conception architecturale fondées sur le tracé régulateur et le nombre d'or l'ont naturellement conduit à s'intéresser au site exceptionnel du Complexe funéraire d'Akhet Khoufou dont il propose, pas à pas, pierre à pierre, une lecture passionnante et une interprétation inédite.

Cet ouvrage problématise la notion de culture en tentant de rendre compte de ses enjeux dans le cadre d'une réflexion sur l'art et la mémoire. Il s'agit, à travers un véritable essai, de se demander ce qu'un anthropologue, travaillant sur les notions de mémoire et de restes, peut arriver à dire, à échanger avec un artiste contemporain qui lui aussi travaille sur la mémoire, en particulier dans l'espace public. En suivant l'analyse d'une trentaine d'ouvres de Jochen Gerz, artiste allemand internationalement connu, né à Berlin en 1940, ce livre s'interroge sur cette tendance qu'une partie de l'art contemporain entretient avec la notion d'ouvres ouvertes, d'ouvres participatives, pensées dans et pour l'espace public. Les processus de création de nombre de ses ouvres, dispositifs ou mémoriaux, invitent à faire du moment de réception de l'art un temps constitutif de l'oeuvre. En proposant aux gens de participer, en creusant un " déficit des ouvres ", Gerz laisse une place vacante, des objets partiels, une mémoire que le spectateur s'oblige à revisiter à partir de lui-même. Dans cette perspective, son travail propose à l'art de se défaire du rôle passif qu'il réserve souvent à ses spectateurs et engage la mémoire à s'énoncer à partir du présent. De Dachau (1972), Harburg (1986), Sarrebruck (1993), Biron (1996), Berlin (1997), Paris (2000), Coventry (2004), jusqu'aux rues de Dortmund (2010), à travers l'Europe, qu'il compare à " un arbre sans ombre ", Gerz conçoit des ouvres dédiées aux vivants. Pour qu'à la suite des monuments dédiés aux morts, à l'art funéraire, succède un art de revenir à la vie. Il dresse la liste des noms des vivants, parfois de leurs signatures, d'autre fois de leurs mots. Ces inventaires s'invitent dans les rues, consignent la vie, ordinaire, discrètement. Comme une ressemblance. Cet ouvrage est la première monographie consacrée entièrement à cet artiste conceptuel et de l'espace public. Le livre se construit autour de nombreux entretiens menés par l'auteur avec Jochen Gerz, pendant plus deux ans (entre 2013 et 2015). Il propose une réflexion sur la place des objets dans l'ouvre de Gerz mais également en référence à d'autres artistes (comme Duchamp, Sarkis, Boltanski, Christo.) ou écrivains (Primo Levi, Marcel Cohen.). En plus du texte (français/anglais), l'ouvrage présente, dans un cahier descriptif, l'ensemble des ouvres auxquelles le texte fait référence ainsi que leurs photographies. Il est également accompagné de documents (photographies couleurs et noir et blanc) réalisées en Irlande, dans le lieu où vit Gerz depuis 2008, par Pierre Gaudin/Créaphis. Le livre est bilingue français/anglais. Jochen Gerz, né à Berlin en 1940, a vécu et travaillé plus de 40 ans en France avant de partir pour l'Irlande en 2008. Il est l'un des représentants les plus célèbres de l'art conceptuel et de l'art dans l'espace public. Connu mondialement pour ses anti-monuments contre le fascisme (Harburg), ou contre le racisme (Sarrebruck) ou célébrants les vivants (Biron), il a réalisé près de 1000 ouvres (poésie visuelle, performances, photos/textes, vidéos, installations), présentes dans plus de 20 pays. Ses ouvres, de plus en plus inscrites dans l'espace public aujourd'hui, mettent la mémoire collective et sa représentation sociale aux prises avec la question de l'intervention des individus, invités à participer à l'art, à faire de l'art. Comme acteurs sociaux, acteurs politiques, auteurs de l'art ? Octave Debary est anthropologue, maître de conférences à l'université de Paris-Descartes et chercheur au LAHIC (CNRS-EHESS). Il travaille sur la façon dont une société met en mémoire ou en musée son histoire, participant ainsi autant à son souvenir qu'à son oubli. Il s'intéresse principalement aux objets et aux restes. Il a publié plusieurs ouvrages sur ces sujets dont Voyage au Musée du quai Branly, avec Mélanie Roustan, Préface de James Clifford, La Documentation française (2012), Montrer les violences extrêmes. Théoriser, créer, historiciser, muséographier, avec Annette Becker (dir.), Créaphis (2012), Vide-greniers, avec Howard S. Becker (texte) et Philippe Gabel (photographies), Créaphis (2011). Il travaille régulièrement avec des photographes, artistes, metteurs en scène ou conservateurs de musées (en Allemagne, au Canada, en France et en Suisse).

Ivry-sur-Seine peut se prévaloir d'un héritage et d'une longévité politiques auxquels peu de villes de son importance et de son aura symbolique peuvent prétendre. Son histoire contemporaine fait écho à l'expérience du socialisme municipal et de la banlieue rouge, communiste et industrielle, qui, au cours du 20e siècle, marquent de leur empreinte le paysage de l'agglomération parisienne. Dès les années 1920, cette cité ouvrière s'érige en " fille aînée " du communisme urbain et en " capitale du communisme français ". Sous l'autorité tutélaire de Georges Marrane maire d'Ivry et de Maurice Thorez, député de la ville et secrétaire général du Parti communiste, la ville se présente pendant près d'un demi-siècle en modèle de sociabilité militante, d'opposition au régime capitaliste et de contestation de l'ordre établi. Elle devient aussi un lieu emblématique du déploiement du communisme municipal dont les réalisations sont citées en exemple en France mais aussi en URSS, le pays du " socialisme réel " et de la dictature du prolétariat, que la ville rouge aime à dépeindre sous les traits d'une terre radieuse. C'est cette expérience politique et historique de près d'un siècle que l'historien Emmanuel Bellanger, chercheur au CNRS, met en perspective en remontant aux sources du communisme ivryen, les années 1880-1890. Il décrit les tensions qui traversent l'époque, les renoncements et les violences qui la caractérisent, les compromis qui s'imposent à? ?des? ?acteurs politiques que tout oppose ainsi que les fiertés d'être banlieusard et d'appartenir à un territoire de conquête.? ?Emmanuel Bellanger achève son récit sur la rupture fondamentale que constitue pour la banlieue rouge la désindustrialisation qui fragilise la société locale et accentue les divisions qui l'affectent.? ?L'ouvrage? ?est? ?documenté par une centaine d'illustrations et se clôture par une anthologie commentée de textes d'archives couvrant les années? ?1990? ?aux années? ?2000. Emmanuel Bellanger est historien, chargé de recherches au CNRS, il co-anime le pôle Territoires de la ville contemporaine du Centre d'histoire sociale du XXe siècle de l'Université Paris 1. Ses travaux portent sur l'histoire des métropoles, des sociabilités et des politiques urbaines. Chez Créaphis, il a participé à l'ouvrage de référence Paris/Banlieues. Conflits et solidarités, Historiographie, anthologie, chronologie, 1788-2006, avec Annie FOURCAUT et Mathieu FLONNEAU, 2007.

Cet ouvrage, consacré au jeune designer Amaury Poudray, s'articule autour de questions concrètes que pose une pratique d'un design raisonné à nos sociétés contemporaines. Rencontres, concept, fabrique et échanges ponctuent ce livre témoin du parcours d'un jeune créateur en prise directe avec les doutes et les interrogations de son temps. Peu de théorie mais un apport conceptuel néanmoins bien réel qui passe par une démarche empirique alliée à une activité sensorielle : aller voir, toucher, capter des sensations, au service d'une production maîtrisée. Les ouvres produites résultent d'une tension assumée entre forme et fonction, entre savoir-faire et innovation ; la notion de processus expérimental domine ici dans l'acte créateur. Une certaine doctrine de l'action et du déplacement, une immersion dans le domaine technique à tous les stades de l'élaboration mêlées à une éthique de la décroissance sont des éléments caractéristiques du style Poudray qui ne peut s'appréhender - au sens littéral - que dans la prise en compte de la notion de " networks " et du " Y " dont il a fait son logotype. Réseaux, rhizomes et filets sont autant d'images pour signifier et caractériser ce travail et exprimer les points de vue à la fois structurels, économiques, sociaux et esthétiques à l'ouvre chez Amaury Poudray. L'acte de concevoir se pense avec la mobilisation des données, des savoirs cognitifs et des matières premières naturelles et avec l'expérience concrète des rencontres et des échanges. Le livre est conçu lui-même comme une expérience proposée au lecteur par sa forme et ses contenus. Une quinzaine d'ouvres sont présentées et discutées. Marie Pok, directrice du Grand Hornu, propose une réflexion critique sur le travail d'Amaury Poudray en prise avec la société contemporaine. Les autres textes - sous la forme d'entretiens avec le designer lui-même et quelques-uns de ses partenaires (fabricants, entrepreneurs, galeristes, éditeurs.) - sont les traces et l'empreinte de ce réseau en action. Il regroupe des dessins préparatoires et des croquis, des photographies de création (Laure Mélone) et des documents. Amaury Poudray, né en 1985, est diplômé de l'Ecole supérieure d'art et de design de Saint-Etienne (2009). Il a étudié un an aux Etats-Unis à la Rhode Island School of Design et résidé un an au sein de l'équipe de design de FABRICA, centre de recherche et de communication du groupe Benetton en Italie. Amaury Poudray dirige aujourd'hui son propre studio situé à Lyon, " Amaury Poudray Networks ". Il est spécialisé dans le design de mobilier, l'aménagement intérieur et la direction artistique.

Le nom de " Bièvre ", qui désigne une rue parmi les plus célèbres de la capitale, est familier aux Parisiens et aux touristes arpentant les abords de la Seine vers Notre-Dame. La Bièvre est une rivière suburbaine exceptionnelle ; c'est le dernier cours d'eau à s'écouler jusqu'aux portes de Paris à l'air libre sur la plus grande partie de son parcours (soit 36 km). La Bièvre prend sa source à Guyancourt, près de Versailles dans les Yvelines, et se jette dans la Seine à Paris, au niveau de la gare d'Austerlitz. On peut suivre le cours de la Bièvre dans ses différents états et dans les lieux emblématiques d'Ile-de-France qu'elle traverse : Guyancourt, Jouy-en-Josas, Bièvres, Massy, Verrières-le-Buisson, Antony, Fresnes, L'Haÿ-les-Roses, Cachan, Arcueil, Gentilly... La Bièvre a eu historiquement une importance considérable dans le sud de Paris avec notamment le site des Gobelins mais aussi dans l'ensemble du réseau hydraulique de la vallée (autant pour les villégiatures et les " machines " que pour les industries locales). à l'échelle régionale, elle donne son nom à la communauté d'agglomération de Val-de-Bièvre et à l'écomusée, bien nommé pour être logiquement maître d'ouvrage de cette publication. À partir du xviiie siècle la rivière est progressivement couverte, d'abord à Paris puis vers l'amont. Elle constitue aujourd'hui un enjeu environnemental et paysager. L'ouvrage fait découvrir les dessus et les dessous d'une portion de territoire en " prise " avec la métropole. Depuis les années 2000 des tronçons anciennement couverts ont été rouverts dans la toute proche banlieue et recomposent un paysage caractéristique d'une nature urbanisée. Elle est " naturelle " en amont, couverte dans sa partie médiane et perdue dans Paris où elle se répand dans le réseau des égouts mais dont la trace est matérialisée au sol. En prenant appui sur une iconographie riche et diversifiée, le livre propose un portrait de cette rivière unique : la Bièvre est abordée du point de vue des sciences de la vie (géologie, morphologie, hydrographie, écologie.), de ses usages (industries, métiers, artisanat et loisirs / conséquences de pollution), des transformations effectuées pour la maîtriser (régulation des crues et inondations) et la soumettre aux besoins et aux obligations des riverains, ainsi que de ses enjeux économiques, techniques, symboliques et culturels. L'ouvrage interroge, de manière universelle, la question des rivières urbaines en relation avec la renaturation des sites, la dépollution et la qualité de l'eau, mais aussi leurs représentations dans le champ artistique en tant qu'élément marqueur de paysage, voire de pittoresque. Entre histoire locale et enjeu national la Bièvre est une rivière exemplaire pour la définition d'un nouveau rapport homme - nature. L'eau occupe une place clef dans ce livre qui soulève le problème " des nouvelles relations biotiques " du précieux liquide avec les villes, non seulement dans son aspect fonctionnel notamment lié aux risques écologiques dans une métropole dense, mais aussi du point de vue philosophique et citoyen face aux effets du changement climatique. La ville poreuse donnera de l'espace à l'eau pour minimiser ces risques : il faut inventer de nouvelles façons de vivre avec l'eau. La conservation de la biodiversité devra être un objectif prioritaire dans la ville de demain.

Ce livre de photographie invite le lecteur à pénétrer dans l'intimité du quartier gitan de l'Esperanza, située à Berriac, dans l'agglomération de Carcassonne (Aude). Cet ouvrage s'inscrit dans un processus initié il y a plus de vingt ans, en lien avec l'association Graph-CMI, et à la demande des femmes de la communauté gitane de réaliser des photographies sur leur lieu et leur cadre de vie. Depuis fin 2013, Hortense Soichet, artiste photographe en résidence, accompagne les femmes gitanes, âgées de 17 à 58 ans, dans leur démarche et produisent ensemble des photographies, présentées dans le livre de manière indissociée. Ce travail de création est accompagné d'entretiens avec les habitants et d'un texte de présentation du quartier et de la communauté. Deux contributions essentielles sont apportées à ce livre : Christian Gattinoni, photographe et critique, propose un texte de sur le rapport photographie/sciences humaines et Jean-Pierre Piniès propose un point de vue ethnologique sur la culture gitane et sa place dans une région du sud de la France. Publier ces photographies relève d'enjeux multiples. C'est à la fois la volonté de conserver une trace d'un quartier particulier voué à la démolition, de faire le lien entre plusieurs générations, de témoigner de la normalité des modes de vie gitans et de l'évolution du statut des femmes en particulier, de dénoncer les clichés par le biais d'une pratique artistique, de proposer un regard de femmes et d'affirmer leur émancipation. Les femmes ont, par une mise en miroir de leur propre communauté, créé un discours visuel, qui relève à la fois de l'anthropologie de la vie quotidienne et de l'esthétique. La cité de l'Espérance a été construite en 1969 suite à l'incendie du bidonville de La Cavayère à Carcassonne où vivait une communauté de gitans. Située à proximité d'une centrale électrique, d'une route départementale et d'une voie ferrée, la cité de transit avait vocation à accueillir les familles avant leur relogement dans différents quartiers de Carcassonne. C'est la première cité créée pour les gitans en France. Aujourd'hui, le quartier est toujours en place et compte environ 350 habitants, exclusivement des gitans sédentarisés, répartis entre logements sociaux construits à la fin des années 1960 (21 logements) et constructions plus récentes ainsi que les caravanes et mobil home occupés par les enfants et petits-enfants. Les nouvelles générations le quittent peu à peu mais ce quartier reste un symbole de l'histoire de ces gitans. Malgré la vétusté des lieux et les nuisances de la centrale jouxtant les habitations, la communauté gitane de Berriac a recréé dans ce quartier un environnement familier où l'on passe facilement d'une maison à l'autre, où l'on rentre chez son voisin sans frapper et où les enfants grandissent tous ensemble. Hortense Soichet est photographe et s'intéresse en particulier à l'habitat et aux relations que les habitants entretiennent avec leur lieu de vie. Son travail est reconnu et a fait l'objet de divers articles et de plusieurs expositions, notamment à la Cité de l'architecture et du patrimoine en 2014. Elle a notamment publié aux éditions Créaphis Intérieurs. Logements à la Goutte-d'Or en 2011, Aux Fenassiers en 2012 et Ensembles. Habiter un logement social en France en 2014. Jean-Pierre Piniès est ethnologue et chercheur associé au Lahic, vice-président de l'Ethnopôle-Garae. Il a travaillé sur les formes populaires de la croyance et de la religion, puis sur la littérature orale et l'ethnographie de gens de la rue. Il s'est aussi intéressé aux codes et à la diversité des représentations iconographiques populaires, avant d'entreprendre une série d'études concernant l'ethnologie de la monumentalité. Il poursuit actuellement une recherche, dans une perspective muséographique, sur l'usage du matériau ethnographique. Christian Gattinoni est enseignant à l'École nationale supérieure de la photographie d'Arles depuis 1989. Pratiquant écriture et photographie depuis le milieu des années 1970 il a mené tout un cycle d'images sur la mémoire de l'histoire du XX° siècle à travers l'hommage à son père en tant que seconde génération. Il mène un travail de critique d'

Le livre rassemble plus de 120 dessins réalisés par Arthur Goldschmidt au camp de Theresienstadt entre 1942 et 1945. Cet ensemble, avec ses qualités esthétiques et documentaires, est composé de portraits, scènes de la vie quotidienne, bâtiments, paysages. Il apporte un éclairage inédit sur le camp de Theresienstadt, mal connu en France. Theresienstadt est le nom allemand de la ville tchèque de Terezìn située au nord de Prague. Ancienne forteresse militaire construite par les Habsbourg au xviiie siècle, elle devient un camp de concentration où sont enfermés de novembre 1941 à mai 1945 environ 140 000 juifs. C'est un lieu de regroupement et de transit vers Auschwitz et d'autres camps d'extermination. Les nazis font de Theresienstadt un camp-ghetto " modèle " présenté à l'opinion publique internationale comme une colonie juive normale. Les conditions de vie dans ce ghetto sont en fait effroyables : sur les 140 000 internés, plus du quart décèdent sur place et 88 000 sont déportés vers Auschwitz ou d'autres camps d'extermination. Environ 17 000 personnes survécurent. Son fils, l'écrivain et traducteur Georges-Arthur Goldschmidt, décide en 2011 de confier ces dessins au Centre d'Histoire de la Résistance et de la Déportation de Lyon où ils sont désormais conservés. L'ouvrage propose plusieurs entrées : art, histoire et littérature. En introduction, l'historienne Annette Wieviorka, spécialiste de l'histoire de la Shoah, apporte des éléments d'explication sur le fonctionnement du camp de Theresienstadt. Les écrivains Marcel Cohen, Guy Pimienta et Roger-Yves Roche proposent une approche littéraire très précise des dessins d'Arthur Goldschmidt, que Georges-Arthur Goldschmidt, Guy Pimienta et Roland Baroin présentent en ouverture du livre. Cet ouvrage, par sa forme épurée, ses tons doux, ses qualités d'impression et de façonnage traduit avec sobriété le sentiment d'inquiétante tranquillité que suggèrent ces dessins, comme l'ombre d'un doute : " J'en craignais la beauté d'exécution et le caractère parfois presque "idyllique" des paysages pouvait créer, me semblait-il, un véritable malentendu [.] ", écrit son fils, l'écrivain Georges-Arthur Goldschmidt.

Titre : Luc Weizmann Architecte. Espaces inattendus Argumentaire Les projets de l'agence Luc Weizmann Architecte traversent les échelles de l'espace, dans cette pensée que toutes les dimensions du territoire participent d'une réalité unique, inscrite dans des temporalités multiples. La demande émergente et les hasards de la commande, les rencontres, les amitiés aussi sur les parcours escarpés de l'architecture, ont orienté la production, au-delà de programmes classiques, vers des projets atypiques au service de l'environnement, singuliers par leurs natures et leurs fonctionnalités. Bien que ces derniers soient souvent déconsidérés, Luc Weizmann les considère comme des équipements au service de l'intérêt général et, comme tels, érige des signes singuliers qui trouvent leur justification dans l'ordre du paysage : à l'amont de la ville, sur les hauteurs, des réservoirs d'eau potable, un radar, une tour de contrôle ; à l'aval, dans les creux de vallées ; sur le fil des cours d'eau, des sites portuaires, des ouvrages de régulation, des usines de traitement d'eau. De ces programmes, il n'existait ni typologie, ni référent. Toute l'alchimie se trouve là : dans ce vide, ce champ des possibles, que l'agence sait transformer, modeler depuis plus de vingt ans, donnant corps à des architectures d'une force suggestive inattendue. Par une organisation fonctionnelle, par un dessin rigoureux conciliant l'effet de masse et la subtilité des finitions, par l'intégration d'ouvres d'art, bref, par une maîtrise qui interdit le résumé, les architectures de l'agence Luc Weizmann Architecte révèlent une dimension plastique inattendue. Loin de tout formalisme, dans cette vérité que la fonction oblige, des ouvrages-sculptures, des usines-paysages, des ouvrages d'art, affirment leur force culturelle et leur présence poétique. A l'image du barrage du Mont Saint-Michel, les projets de Luc Weizmann ouvrent les esprits et désensablent les consciences. Tout est là, dans cette valeur ajoutée, ce supplément d'âme qui est leur marque de fabrique. Projets développés 01. Station d'épuration des eaux usées de l'agglomération rouennaise/ Petit Quevilly 02. L'unité de clarifloculation d'Achères 03. L'unité de nitrification-dénitrification à Achères 04. Les unités de la DERU à Achères 05. Barrage de Chatou 06. Radar Mono-impulsion de Saint-Goazec 07. Barrage du Mont Saint-Michel 08. Station d'épuration du Carré de Réunion à Versailles Fiche technique Format : 18 x 27 cm Nombre de pages : 224 Impression 5 couleurs, 3 papiers différents Couverture pliée (format 89 x 27 cm) Reliure apparente

Il s'agit d'un ouvrage de réflexion et de recherche, illustré de documents commentés à partir de problématiques sur les rapports ville/industries, notamment aux XIXe et XXe siècles. Ce livre rend compte de la coexistence bien souvent difficile entre les Parisiens et des activités industrielles signifiant souvent d'abord risques et nuisances. Les accidents industriels ont conduit les pouvoirs publics et les acteurs privés à imaginer différents systèmes de sécurité, et à repenser les rapports entre le tissu urbain et l'industrie qui, de dangereuse, devient aujourd'hui un patrimoine à sauvegarder. Une exposition accompagne ce livre collectif " Les Paris de l'industrie " qui aura lieu à l'automne 2013 dans le très beau réfectoire des Cordeliers à Paris (6e arr.). Elle est réalisée avec le Comité d'histoire de la Ville de Paris sous la direction de Thomas Leroux, commissaire de l'exposition. Cet ouvrage s'inscrit parfaitement dans le catalogue de Créaphis, à côté d'autres livres sur Paris, comme Paris/banlieues, Belleville, Belleville, visages d'une planète (réédité deux fois) ; d'autres ouvrages comme La maison des Métallos et le bas-Belleville, La Bellevilloise ou encore Mémoires du travail à Paris, La Grange aux Belles mettent en scène des moments d'histoire industrielle et la mémoire ouvrière et syndicale. Parmi les auteurs de cette équipe, on peut citer les historiens Denis Woronoff, Florence Bourillon, Claire Barrillé, Jean-François Belhoste, Paul Smith. Thomas Leroux, chargé de recherches au CNRS, s'intéresse à l'histoire de l'environnementale économique et sociale, l'histoire des risques et des nuisances industrielles et de la santé au travail (XVIII°-XIX°). Il appartient au GRHEN (Groupe de Recherche en Histoire Environnementale) et est l'auteur de nombreux livres et articles dont La maison des Métallos et Hors les murs parus aux éditions Créaphis.

Florange, commune de la Moselle proche de l'Allemagne, de la Belgique et du Luxembourg, a été à la une de l'actualité ces derniers mois à cause des menaces de fermeture de ses usines sidérurgiques. Florange a été luxembourgeoise puis française. Rattachée à l'Allemagne après la guerre de 1870, elle redevient française aux lendemains de la Grande Guerre. La modernisation de la sidérurgie lorraine, avec l'implantation d'aciéries, de laminoirs, de hauts fourneaux, attire au XX° siècle une population extérieure à la Moselle, en particulier des ouvriers italiens. Aujourd'hui, Florange est devenu le symbole de la désindustrialisation. Les auteurs de cet ouvrage ont chacun un rapport particulier à Florange. Le photographe Joël Leick en est originaire et y a grandi, les grands-parents italiens de l'écrivain Jean Portante ont émigré au Luxembourg où son grand-père a été ouvrier dans des hauts fourneaux semblables à ceux de Florange. Ce projet s'inscrit parfaitement dans la ligne éditoriale d'une maison d'édition qui depuis 30 ans explore l'histoire industrielle et la mémoire ouvrière, la photographie et la littérature de création en relation avec un travail documentaire. Ce livre fait suite à Friches (photographies de Joël Leick, textes de Pierre Bergounioux) paru il y a tout juste un an. Joël Leick est artiste, peintre, photographe, poète, éditeur de livres d'artiste (éditions Books and Things). Ses ouvres ont accompagné celles de nombreux écrivains et poètes tels que Fernando Arrabal, Pierre Bergounioux, Michel Butor, Henri Meschonnic, Bernard Noël. En 2010, il a participé au neuvième salon du livre d'artiste, l'Artistbook international, au Centre Pompidou. Jean Portante est un écrivain luxembourgeois originaire de Differdange, auteur d'une trentaine d'ouvrages, mêlant histoire, autobiographie et fiction autour des thèmes de la mémoire, de l'identité, de l'enracinement et des migrations. Le texte de cet ouvrage a été composé à l'issue de la résidence de l'écrivain à Florange durant l'année 2011.

" Quoi de plus banal qu'une file d'attente en ville ? A l'arrêt de bus, en gare, sur le quai du métro, au passage piétons, à l'entrée d'un musée ou d'un magasin, les rassemblements qui se constituent à ces occasions, sont la manifestation d'une " pratique urbaine ordinaire " comme l'indique le titre d'une exposition photographique de Gérard Monnier, historien de l'architecture contemporaine, photographe depuis des dizaines d'années. Il a réalisé des centaines de photos entre 2004 et 2010 lors de ses voyages en Europe, mais aussi au Japon, en Chine, au Brésil, au Maroc. Cet ouvrage présente un choix parmi ces multiples images. Gérard Monnier, professeur de l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne est l'auteur d'ouvrages de référence dans le domaine de l'architecture contemporaine Christian Bromberger, anthopologue, est professeur à l'Université de Provence, membre senior de l'Institut Universitaire de France a publié de nombreux ouvrages et articles, notamment sur les " passions ordinaires " comme le football, le jardinage. Michel Poivert, est historien de la photographie, professeur à l'Université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Il organise de nombreuses expositions et a publié des ouvrages sur la photographie. Dominique Noguez est écrivain, romancier.

(Texte provisoire) Depuis l'année 2014 et la commémoration du centenaire de la Grande Guerre, les violences extrêmes liées à la guerre sont au cour des débats actuels. Comment notre société traite-t-elle de son passé à travers les souvenirs de ses drames ? Comment aborde-t-elle le difficile travail d'historicisation des souffrances causées par les violences des guerres en particulier ? Comment les dire, comment les montrer, peut-on les dire en les montrant ? Le livre Montrer les violences extrêmes est un ouvrage de référence pour l'étude de ces questions à travers quatre chapitres : Théoriser ; Créer ; Historiciser ; Muséographier. Des fronts militaires aux violences extrêmes contre les civils et aux génocides, cet ouvrage questionne les enjeux posés par différentes expositions, musées ou mémoriaux présentant les violences de guerre. Séries de scénographies contemporaines, d'analyses et d'études des mises en scènes des violences de l'histoire. Comment montre-t-on aujourd'hui les événements du 11 septembre, la Shoah, l'ancienne gare de déportation de Drancy, le camp de Rivesaltes ? Comment historiciser la douleur des guerres mondiales ou du génocide cambodgien ? Peut-on présenter la guerre des siècles passés comme un " art " au Louvre ? Est-il possible de créer à partir de ce qui reste, d'Auschwitz aux poignées de terres rapportées du Viet Nam ? Peut-on faire une théorie de la violence, théoriser l'existence ? Peut-on prétendre partager ce qui relève dans nos sociétés aujourd'hui, la plupart du temps d'un non-vécu ? La mise en mémoire des violences de guerre construit l'expérience humaine sur la base d'une représentation. Cette opération participe d'une écriture de l'histoire qui, en unissant " les morts au temps des vivants " (Marc Bloch), est aussi constitutive d'une séparation permettant " qu'il y ait ailleurs des vivants " (Michel de Certeau). Entre souvenir et oubli, nous interrogeons le sens de cette écriture en cherchant à accompagner l'interpellation contemporaine à penser l'histoire, le temps qui passe comme ses moments de ruptures. Penser les destructions guerrières, les génocides, les exterminations ou catastrophes, mais également leur retentissement, leur transmission, la résonnance de ces mémoires meurtries pour lesquelles l'apaisement semble échapper. Qu'est-ce que ces histoires cherchent à saisir en montrant ? Pour tenter de répondre à ces questions, cet ouvrage rassemble les travaux d'artistes, muséographes, scénographes, conservateurs, architectes, historiens, anthropologues et philosophes, autant de confrontations de mots, de sons, de sensations, d'objets et d'images.

Aux Fenassiers se distingue d'abord par une empreinte graphique forte, avec une typographie contrastée insistant sur un lieu. Le livre porte le nom d'un lieu dit, celui surlequel s'est construit une cité à Colomiers en Haute-Garonne. Aux Fenassiers se distingue aussi par une durée : le temps d'un séjour sous forme de résidence d'artiste d'octobre 2011 à avril 2012. La photographe Hortense Soichet y a rencontré des habitants de la cité des Fenassiers. Les photographies et les récits des résidants racontent l'histoire de ce quartier créé dans les années 1960 et appelé à être réhabilité. Les images des espaces domestiques issus de ce travail ne laissent voir aucune présence humaine. Elles dialoguent avec les paroles des habitants et invitent à imaginer qui occupe ces lieux. Les photographies des extérieurs, prises depuis chez les habitants, donnent à voir le quartier depuis l'intérieur. Ce n'est pas véritablement un livre comme les autres : conçu par le graphiste Thomas Petitjean, c'est un ouvrage d'artiste conjugant graphisme, photographie, littérature et anthropologie urbaine : l'ouvrage laisse une large place aux images et aux témoignages des habitants et l'édition se démembre pour qu'habitants et publics puissent la lire ou l'afficher. Cet ouvrage est le deuxième d'Hortense Soichet aux éditions Créaphis ; son livre, Intérieurs, logements à la Goutte d'Or, composé de photographies accompagnées de textes de Paul Ardenne et de Yankel Fijalkow, paru en octobre 2011, a reçu un très bel accueil, et Aux Fenassiers s'inscrit dans la continuité de ce travail sur les intéreurs habités. Il eût été dommage pour Créaphise ne pas s'inscrire en tant qu'éditeur comme partenaire de ce travail d'édition entrepris à l'initiative du Pavillon Blanc-Centre d'art de Colomiers. Ce petit livre à tirage limité s'inscrit pour nous dans le droit fil de notre catalogue et de nos champs éditoriaux : entre création et recherche, art et sciences humaines. Et il existe chez Créaphis des " familles " de livres où se croisent justement les différentes disciplines que nous mettons à l'ouvre dans nos ouvrages.

Intérieurs Logements à la Goutte d'Or Photographies : Hortense Soichet Textes : Paul Ardenne, Yankel Fijalkow Extraits d'un entretien avec Hortense Soichet Textes des habitants Hortense Soichet a visité une centaine de logements dans le quartier de La Goutte d'Or, classé en " zone urbaine sensible " (ZUS). Elle a enquêté auprès des habitants et photographié leur " chez soi ", - intérieur et objets - de manière systématique, avec un même point de vue et un même angle. Les habitants eux-mêmes sont absents des images mais ces portraits d'appartements révèlent des manières d'habiter spécifiques dans un territoire urbain en mutation. De courts extraits d'entretiens " illustrent " les images. Ces habitats ont été choisis pour leur variété et leur représentativité mais aussi pour leur " plasticité ". L'enjeu de ce travail est de contribuer à une meilleure connaissance de milieux sociaux changeants par une approche anthropologique et artistique Le livre, ouvert avec un texte inédit de l'écrivain et critique d'art Paul Ardenne, réunit 40 logements présentés chacun avec 7 photos. Un texte inédit du sociologue Yankel Fijalkow et un entretien avec Hortense Soichet sont situés en fin d'ouvrage. Hortense Soichet, photographe, s'intéresse à la relation que les individus entretiennent avec leur territoire et notamment les modes d'habiter. Docteur en esthétique, elle poursuit des recherches sur la photographie et fait des interventions régulières (cours, conférences ou colloques).Elle dirige des projets artistiques et a participé à divers projets photographiques en région parisienne et en Haute-Garonne, centrés sur l'habitat et les villes. Quatre expositions en 2009 et 2010 rendent compte de son travail à la Goutte d'Or : Qui habite la Goutte d'Or ? Work in progress, écomusée, Paris ; Habiter la Goutte d'Or dans le cadre de l'Eté photographique de Lectoure ; Habiter la Goutte d'Or dans le cadre de la Photo-off à Paris. En 2011, le musée Carnavalet à Paris fait l'acquisition de 50 tirages de la série Habiter la Goutte d'Or. Yankel Fijalkow est professeur des universités, docteur de l'école des Hautes Etudes en Sciences Sociales, titulaire d'une habilitation à diriger des recherches à l'Institut d'urbanisme de Paris de l'université Paris XII. Il est spécialisé en urbanisme, habitat et développement social durable. Parmi ses publications : La construction des îlots insalubres, Paris 1850 - 1945, L'Harmattan, 2000, ouvrage issu de sa thèse ; Sociologie des villes, La Découverte, 2007. Paul Ardenne, est critique d'art et muséologue, spécialisé dans le domaine de l'art contemporain, de l'esthétique et de l'architecture. Agrégé d'histoire et docteur en histoire de l'art, il enseigne à la faculté des arts d'Amiens et collabore, entre autres, aux revues Art press et Archistorm, Il est l'auteur de plusieurs ouvrages ayant trait à l'esthétique actuelle dont les plus récents sont Extrême - Esthétiques de la limite dépassée (2006), Images-Monde. De l'événement au documentaire (avec Régis Durand, 2007), Art, le présent. La création plastique au tournant du 21ème siècle (2009), Moto, notre amour (2010). Il est aussi auteur de nombreuses monographies d'architectes et d'un essai sur l'urbanité contemporaine, Terre habitée (2005, réédition augmentée, 2011). Motivation de l'éditeur Editeur de photographie et de sciences humaines (dont une des collections s'intitule justement " Lieux habités "), les éditions Créaphis trouvent dans ce projet un sujet de prédilection pour renforcer la cohérence éditoriale de la maison. Dès les premiers contacts avec cette jeune photographe, dont c'est le premier livre, nous avons trouvé plusieurs correspondances affirmées et assumées entre la création artistique, la sociologie de l'habitat et l'enquête anthropologique en milieu urbain.

Depuis presque 40 ans, François Le Diascorn parcourt les Etats-Unis d'est en ouest avec son Nikon pour en rapporter des images en noir et blanc insolites et décalées. Chaque fois qu'il découvrait une nouvelle excentricité de son pays, mon grand ami américain Josh Ewing, rarement étonné, le plus souvent amusé et quelquefois consterné, s'exclamait : " Only in America! " Ce qui voulait dire : " Il n'y a qu'en Amérique qu'on peut voir ça ! " Pour le meilleur et pour le pire. (.) ce pays de pionniers, de découvreurs, expérimente, explore, pousse les choses à l'extrême, dans une recherche effrénée et quelquefois naïve du bonheur ; ce rêve américain, cet " American Dream ", qui va des baskets au rock'n'roll, de la climatisation à la bombe atomique, des autoroutes de l'information (Internet, Facebook) aux autoroutes tout court, en deux mots le rêve du progrès, et même son inverse puisque tout est possible aux États-Unis. Un exemple : les Amish qui s'habillent en noir, se déplacent en carriole à cheval et ont arrêté tout changement au milieu du XIX° siècle. La société américaine toujours en marche (rarement en marche arrière malgré tout), toujours à la découverte d'une nouvelle frontière, valorise l'éclatement, l'exceptionnel et en définitive amalgame comme norme une certaine forme du déséquilibre. C'est ce qui, pour nous Européens, représente l'excès américain, un grain de folie qui, à la fois, découle et remet en question le monde moderne. Même dans ses formes les plus conservatrices, cette société intègre des éléments de fantastique, d'étrange, d'insolite. Ce livre contient des images réalisées sur une période de plus de trente-cinq ans. Ce sont des images faites en Amérique plutôt que des images d'Amérique, des images de mon Amérique à moi, une Amérique insolite qui est en même temps banale, complètement folle et plus que raisonnable. " Only in America!! " François Le Diascorn François Le Diascorn est photographe. Il a été membre d'agence Rapho (aux côtés de Doisneau, Ronis, Boubat...). Il signe ici son premier livre.

Dans ce livre Olivier Verley a puisé dans une série de 100 photographies, 43 images qui forment le corps de l'ouvrage. Pour réaliser ces portraits il a utilisé un dispositif particulier. A l'aide d'une chambre photographique de très grand format (40 x 40 cm) il a fait poser les personnes qui ont accepté de venir dans son atelier. Cette chambre en bois, de marque Hohlux, est devenue la complice de l'artiste qui l'a installée en vue d'enregistrer les visages dans un temps très long mais identique pour chaque personne : 4 minutes. Le photographe, avant de s'éclipser le temps de la prise de vue, a effectué les réglages de l'ouverture nécessaires à la bonne exposition, le temps étant fixé pour chaque prise de vue. Paradoxe pour Hohlux que de délivrer une image floue alors que les appareils de très grands formats sont les champions de la netteté. Ce léger bougé témoigne de la respiration de chaque " déposant ". " L'os du crâne ne serait pas si dur s'il n'était le rempart de nos secrets, il ne serait pas si opaque : nous aurions des têtes flasques et translucides si nous n'avions rien à cacher. La lumière les traverserait sans s'y arrêter et il n'y aurait pas de photographie possible. Sans nos secrets, nous serions invisibles. " (Eric Chevillard) L'image traduit la vibration de ce long temps passé devant l'objectif. Chaque déposant est ainsi en réflexion. Dans la maquette, la page blanche à gauche (à trois exceptions près) sert de réflecteur à cette image-temps. Et, montés ensemble les 43 portraits choisis composent en continuum, au bout de l'ouvrage, un seul visage. Olivier Verley, né en 1956, élève de Pierre de Fenoyl, a photographié l'architecture et les paysages en Italie, Espagne, France, en particulier le littoral Nord-Pas-de-Calais, le Vexin, le Sud-Ouest et Paris. En même temps, il travaille sur le cops et ses représentations. Nombreuses expositions personnelles, expositions collectives et publications chez divers éditeurs dont Marval (Côte d'Opale, le site des caps, 1996), Point de vues, (Jumièges, 2009), Points de suspension (Les Passants considérables, 2002), Créaphis (Voir Royaumont, 2001). Eric Chevillard, né en 1964, appartient à un groupe d'écrivains publiés par les éditions de Minuit à partir des années 1980 (avec Jean Echenoz, Jean-Philippe Toussaint ou François Bon) et y a publié des dizaines de romans. En janvier 2009, les éditions de L'Arbre vengeur publient L'Autofictif.

Installée à Lyon depuis 1986 l'agence Sudarchitectes a construit des bâtiments et aménagé des ensembles publics et privés en relation avec leur environnement urbain ou rural. Son ouvre s'exprime dans presque tous les domaines d'activités : logement, commerces, bureaux, industrie, enseignement, hôpitaux, culture. L'agence est en capacité de concourir sur la scène nationale et internationale dans tous ces domaines avec une prédilection pour construire et rénover des bâtiments du secteur tertiaire et des centres commerciaux. Là ses savoir-faire d'architecte, d'ingénieur et de gestionnaire de projets s'expriment avec la plus grande force et la plus grande acuité, comme en témoignent des opérations de l'ampleur de celle de Manufaktura à Lodz en Pologne (reconversion d'une friche industrielle de très grande dimension). Le livre retrace la trajectoire de l'agence créée en 1986. Autour de Bertrand de Lagarde elle est animée par un groupe de 7 architectes associés. Aujourd'hui l'agence compte 51 personnes dont 32 architectes. Le livre réunit les témoignages des principaux acteurs de l'agence et propose un point de vue critique sur les questions architecturales contemporaines à partir des documents choisis. Une chronologie rassemble les opérations réalisées et établit un lien avec l'actualité nationale et internationale de la période 1986-2006. Le lecteur pourra ainsi situer le contexte d'émergence de l'agence. L'ensemble permet de se faire une idée de la place d'une telle agence (de taille plus que moyenne) dans le contexte général des marchés publics et privés. Trois volets articulent le livre : Héritages et émergence : une association née de complicités professionnelles. La " ligne " sudarchitectes : diversité et recherche d'un style. L'agence à la croisée des chemins : fédérer des talents pour être architectes aujourd'hui. Bertrand de Lagarde est l'architecte fondateur de l'agence.

Paul Landowski (1875-1961), père du musicien Marcel Landowski, est un artiste majeur dont la production s'est poursuivie sur plus d'un demi-siècle, alimentée par la commande publique et privée. Il a en particulier réalisé un grand nombre de monuments commémoratifs de la Grande Guerre dont certains avec des programmes de sculpture de grande importance. Il est aussi l'auteur de monuments de réputation mondiale comme le Christ de Rio, la statue de Sun Yat-sen à Nankin ou La Réformation à Genève. Mais Paul Landowski, surtout, a été un homme de son temps et dans son temps. A travers les sources explorées et notamment son Journal (largement inédit) nous découvrons un artiste en société, très attaché à des valeurs humanistes et un milieu artistique et intellectuel. Avec son parcours d'artiste, nous mesurons mieux l'évolution du goût au fil du XXe siècle. Ce livre fait donc le point de manière quasi exhaustive et très rigoureuse sur l'oeuvre sculpté de l'artiste. Nul doute que l'ouvrage fera autorité longtemps tant il est minutieux. L'apport principalétant constitué par les fiches du catalogue des oeuvres avec leurs dimensions, leur provenance (publique) et toutes sortes d'indications. Le texte court et clair de Michèle Lefrançois en fait également une biographie très complète. Créaphis a publié en 2001 Paul Landowski à Paris, de Pierre Wittmer et Muriel Genthon. Ce livre, conçu comme un guide, présentait l'oeuvre sculpté de l'artiste à travers l'ensemble de ses réalisations à Paris. La statuaire publique en relation avec l'histoire des villes constitue pour nous un chantier permanent de recherche et de publications à travers plusieurs approches disciplinaires tant en histoire de l'art, en sciences politiques ou en histoire sociale que, bien évidemment, en histoire des représentations. Ce livre est incontestablement un ouvrage de référence sur l'oeuvre d'un des artistes les plus prolifiques de son temps dont la renommée est internationale. Michèle Lefrançois est conservateur du patrimoine au musée des Années 30 à Boulogne.

Ce livre retrace la carrière spectaculaire de Camille Albert, né en 1852 dans les Hautes-Alpes, formé à l'Ecole des beaux-arts de Genève, installé à Paris mais véritablement " lancé " à Fécamp grâce à la confiance que lui ont accordée les édiles locaux, dont l'industriel Alexandre Le Grand, " inventeur " de la Bénédictine, palais-usine, aujourd'hui l'un des monuments les plus visités de France. L'irrésistible ascension sociale de Camille Albert est également due à son statut d'architecte municipal : auteur de nombreux bâtiments publics et privés, il a recomposé, sous la Troisième République, le paysage urbain de Fécamp et le paysage balnéaire des alentours (villas, châteaux). Ce livre décrit la rencontre de trois personnages aux destinées exceptionnelles :un architecte (Camille Albert), un industriel (Alexandre Le Grand) et un élu local (Charles Le Borgne, maire de Fécamp jusqu'en 1900), dans ce moment particulier de la fin du XIXe siècle et des premières décennies du XXe siècle (1880 - 1920). Le " personnage " principal de cet ouvrage est surtout la ville de Fécamp, port maritime, qui a vécu à cette époque une transformation exemplaire. Histoire urbaine, histoire de l'architecture, histoire économique et sociale, ce livre d'architecture se trouve au croisement des centres d'intérêt de Créaphis.. L'iconographie provient de sources inédites pour la plupart, et de fonds privés et publics exceptionnels. Des photographies contemporaines des ouvres de Camille Albert à Fécamp et dans les environs complètent l'illustration de l'ouvrage (cahier hors-tete en couleurs). Cet ouvrage pourrait être le prototype d'une collection consacrée aux architectes " municipaux ", qui pourrait s'intituler " Un architecte, une ville ". Manolita Fréret-Filippi est docteur en histoire de l'architecture. Elle a consacré sa thèse à Camille Albert. Elle est aujourd'hui chargée de mission au secrétariat général de la commission du vieux Paris de la mairie de Paris [département histoire de l'architecture et de l'archéologie de Paris (DHAAP)] François Loyer est historien d'art et d'architecture, spécialiste des XIXe et XXe siècles. Il est notamment l'auteur de L'immeuble et la rue, Paris, XX°siècle (Hazan, 1987)

Quarante ans après, les événements qui ont marqué l'année 1968 sont partout rappelés. Expositions, livres, émissions de radio ou de télévision se multiplient en France et à l'étranger et font écho à ce courant de contestation qui a parcouru le monde, de la Californie à Tokyo. Cet ouvrage accompagne des expositions de Bruno Barbey en Espagne. Bruno Barbey, de l'agence Magnum Photos, a été l'un des rares photographes présents sur les lieux des " événements " du printemps 68 à Paris, de fin mars à fin juin. Certaines de ses photos, diffusées et publiées au moment même du déroulement des faits, sont devenues des images emblématiques, maintes fois reproduites, de véritables icônes. Avant et après, ses images de la guerre du Vietnam ou des soulèvements étudiants de Tokyo témoignent des mouvements de révolte et de contestation des années 68 à travers le monde. Bernard Chambaz est né en 1949. Après une agrégation de lettres et d'histoire, il se tourne vers l'écriture. Poète, romancier, il a notamment publié L'Arbre de vies (Julliard,1992, Goncourt du premier roman), Martin cet été (Julliard, 1994), L'Orgue de barbarie (Seuil, 1995), Le Pardon aux oiseaux (Seuil,1998), Kinopanorama (Panama, 2005). ll est professeur d'histoire au lycée Louis-le-Grand à Paris. Juan Bosco Diaz de Urbaneta est critique d'art et professeur d'esthétique à l'université de Séville. 1

La municipalité est en France une institution de proximité, de recours et de régulation. En banlieue parisienne, dans les quartiers populaires, elle assure - peut-être plus qu'ailleurs - une mission de protection et de cohésion sociale. Dans ces zones densément peuplées, les acteurs municipaux incarnent toujours la figure sympathique de la " République au village ". Ce livre met en perspective l'histoire des maires du Grand Paris, de la banlieue rouge, l'histoire de leur engagement, de leurs pratiques administratives et politiques. Il souligne la part prise par les collectivités locales dans les politiques publiques de logement, d'assistance, ou d'aménagement du territoire. Il s'attache enfin à restituer une histoire méconnue, celle des " communaux " - plus de 1,4 million d'agents publics - et de leurs syndicats. Emmanuel Bellanger, post-doctorant, travaille sur l'histoire politique, institutionnelle et urbaine de la région parisienne. Jacques Girault est professeur d'histoire contemporaine à l'Université Paris 13 Les auteurs insistent sur le dynamisme des collectivités locales et de leurs représentants ; face à la volonté de tutelle préfectorale. Ce livre collectif participe en quelque sorte à une réévaluation du rôle des municipalités dans l'histoire de la formation de la France urbaine et de ses institutions locales.

La question des friches industrielles est au cour de l'actualité. Certaines friches sont transformées en lieux de culture et de loisir. Ces grands espaces vides, souvent bâtiments industriels désaffectés, inoccupés, en état d'abandon et de délabrement, témoignant d'un passé de travail, sont de plus en plus souvent investis par des acteurs culturels, des artistes et deviennent des lieux de renouvellement des pratiques artistiques et culturelles. Les opérations de conversion de friches deviennent des enjeux politiques qui mobilisent élus et décideurs publics. Acteurs culturels, artistes, associations, investissent les espaces urbains à l'abandon, lieux d'une nouvelle offre culturelle et touristique. Comment les visiteurs sont-ils accueillis dans ces lieux culturels atypiques ? Quelle est la place de la référence patrimoniale ? Quelles relations, quelle médiation culturelle sont à l'ouvre ? Quelles sont les nouvelles façons d'aborder un public, le convaincre, le séduire ? Diverses expériences sont ainsi évoquées, depuis le bassin minier du Nord-Pas-de-Calais, la scène théâtrale de la friche de la Belle-de-Mai à Marseille aux aménagements de parcs régionaux naturels. Les différents auteurs de cet ouvrage se sont interrogés sur la rencontre entre un public et une ouvre. En alternance avec les textes de réflexion, sont présentés quatre exemples d'actions d'artistes dans le Nord-Pas-de-Calais, à Barcelone et à Göteborg en Suède. Saskia Cousin est docteur en anthropologie, et maître de conférences en sociologie à l'IUT de Tours où elle enseigne l'anthropologie et la sociologie des sciences et des rapports nature/culture. Ses travaux de recherche portent sur le tourisme, plus particulièrement sur les enjeux politiques, institutionnels et identitaires du tourisme culturel.

L'approche historique du monstre relève de l'histoire culturelle, en particulier de l'histoire des représentations et des sensibilités. Cet ouvrage s'inscrit donc tout à fait dans la dans la lignée des ouvrages historiques proposés par les éditions Créaphis. L'objectif de cet ouvrage est de montrer les représentations, les discours tenus sur le monstrueux à différentes époques, aussi bien dans l'Occident ou dans l'Orient médiéval, qu'à la Renaissance et à l'époque moderne, ou encore au XIX° siècle, sans oublier les visions plus récentes, en particulier dans le cinéma. Peut-on écrire une histoire des monstres ? Dans quelle mesure et sous quelles conditions l'écart par rapport à la norme biologique, esthétique ou morale peut-il être toléré, voire valorisé dans une société donnée ? Jusqu'à quel point est-il jugé supportable ? Quelles sont les frontières de la monstruosité, et les seuils admis de tolérance ? Ces questions sont essentielles dans l'optique d'une histoire des sensibilités. Par ailleurs, quels rapports sont établis entre monstruosité physique et monstruosité morale ? Anna Caiozzoest maître de conférences à l'université Paris 7-Denis Diderot, historienne de l'islam médiéval. Elle appartient au laboratoire. Identités-Cultures-Territoires. Anne-Emmanuelle Demartini est maître de conférences à l'université Paris 7-Denis Diderot et appartient aussi au laboratoire. Identités-Cultures-Territoires. Elle a consacré plusieurs ouvrages à Pierre-François Lacenaire, célèbre criminel, grand-bourgeois, poète, exécuté en 1836, dont le procès a rempli les colonnes des gazettes de son temps.

(Texte provisoire) De 1987 à 2006, soit sur une période de vingt ans, Jean-Christophe Ballot a réalisé des images de villes aux quatre coins du monde : Paris, Rome, Berlin (deux époques avant et après la chute du mur), Burgos (en Espagne), Bratislava, Zagreb, Ostrowiek (en Pologne), Casablanca, New York, Chicago, Surabaya (en Indonésie), Singapour, Shanghai, Zagreb. Jean-Christophe Ballot a suivi des études d'architecture d'où peut être cette attirance à traiter des espaces en images et cette capacité à se mesurer, voir à affronter la dimension monumentale de certaines architectures. Son regard ordonne, construit, sans être jamais réducteur, la complexité de l'espace. Il travaille depuis une vingtaine d'année sur le paysage urbain, réalisant des " portraits de villes " qui font la matière de cet ouvrage. Il aborde la dimension scénique et symbolique de l'espace public et les tensions urbaines issues de la rencontre des masses architecturales. Le paysage urbain devient alors un fantastique décor, un théâtre où se donne chaque jour une représentation. Ses images interrogent la mémoire, elles portent l'histoire de la ville, de la sédimentation urbaine. Quelque chose de l'ordre de la mutation et de la trace est à l'ouvre dans son travail. A l'opposé du photojournalisme, son ouvre ne s'inscrit en rien dans l'actualité, mais en deçà et au-delà dans une " distance historiée ", selon sa propre expression. Il travaille à la chambre 4"x5" et choisit généralement la frontalité pour aborder son sujet. Il privilégie ainsi les formes, les masses, les lignes et les surfaces. Jean-Christophe Ballot, photographe, est aussi architecte DPLG. Il est diplômé de l'Ecole nationale des Arts Décoratifs et de la fémis (Ecole nationale supérieure des métiers de l'image et du son). Il expose souvent (39 expositions depuis 1995), et certaines de ses photos appartiennent à des collections publiques (Musée du Louvre, Metropolitan Museum of Art de New York etc). Enfin, il répond à des commandes publiques, et a réalisé de nombreux documentaires. L'ouvrage est bilingue français/anglais. 1