Le présent ouvrage est le fruit d'un colloque international qui s'est tenu en 2021 à la faculté des lettres de Sorbonne Université, à l'occasion du dixième anniversaire de la disparition du professeur Jacqueline Dangel. Il a réuni des spécialistes des littératures grecque et latine autour de la question des représentations du lecteur dans la poésie antique. C'est à la présence du lecteur et à ses relations avec l'auteur et à leur impact sur le texte lui-même que s'intéressent les différents articles ici regroupés, en s'interrogeant sur la pertinence, pour les corpus antiques, de certaines notions définies par Umberto Eco et l'école de Constance. Sont ainsi explorés les multiples visages du " lecteur empirique ", l'inscription dans le poème de la confrontation de ce lecteur empirique avec le " lecteur modèle ", la dialectique qui préside aux rapports du poète et du lecteur lorsque le second est impliqué par le premier dans le processus de création, la position particulière du lecteur dans des performances (théâtre, récitations) qui constituent, pour les Anciens, des formes de lecture, ou encore le statut de la lectrice, qui peut être représentée par un auteur ou par une autrice. Ces questionnements mettent à l'épreuve des théories de la réception des œuvres empruntées à des ères chrono-culturelles variées, depuis la Grèce archaïque et classique jusqu'à la latinité tardive, en passant par la latinité classique et impériale, avec une incursion du côté du néo-latin.

Longtemps oubliée, l'écrivaine Nellie Campobello (1900-1986) connaît aujourd'hui une importante revalorisation et les lecteurs redécouvrent avec fascination la voix d'une petite fille qui raconte avec candeur les horreurs de la Révolution mexicaine dont elle est témoin. Derrière cette voix enfantine se profile une autre, plus discrète : celle d'une narratrice adulte, qui semble se confondre avec l'autrice elle-même.La présente étude de Cartucho (1931) et Las manos de mamá (1937), centrée sur le style et les affects, démontre que cette deuxième voix est anti-hégémonique et subalterniste. Elle remet en question l'idée selon laquelle Campobello écrirait de façon spontanée et que sa narratrice adopterait un regard détaché, révélant au contraire une profondeur émotionnelle ancrée dans le vécu populaire.

L'érotisme féminin est l'un des thèmes les plus fascinants de la littérature antique. Cependant, les travaux qui s'y intéressent considèrent souvent la littérature comme une source à partir de laquelle reconstituer la réalité des pratiques et des mœurs du monde romain. C'est une perspective différente qu'adopte cette étude des représentations du désir féminin chez les poètes latins de la fin de la République au Haut-Empire : le désir féminin est observé en tant qu'objet construit et modelé par la littérature, qui doit avant tout aux codes génériques, à la langue poétique et à ses spécificités, ou encore à certains traits auctoriaux. La poésie est à la fois un espace de liberté et un espace de contrainte pour le sujet érotique : le poète joue avec les codes du genre et met en place des stratégies pour rendre la représentation du désir de la femme acceptable, dans un contexte culturel où il est condamné, voire nié. La forme poétique exerce une influence considérable sur la représentation du désir et ses modalités : c'est alors le processus de construction de cet objet par le poète que nous mettons en lumière. Cet ouvrage éclaire, dans une première partie, les différents types de condamnations de la libido féminine chez les poètes et les différentes représentations qui leur sont associées. La deuxième partie étudie l'exaltation du désir féminin et les formes qu'il prend lorsqu'il est chanté par des poètes masculins.

Quinze spécialistes de langues anciennes abordent dans le présent volume des questions variées sur la phonologie, la morphologie, la syntaxe, le lexique, l'onomastique, et la diffusion de systèmes d'écriture dans des contextes d'interrelations linguistiques. Leurs contributions explorent, d'une part, les influences du grec ancien sur d'autres langues et vice versa, et, d'autre part, les mécanismes qui déterminent les relations entre les divers dialectes du grec ancien. Ces deux regards complémentaires élargissent le panorama des études sur les contacts linguistiques dans la Méditerranée antique, en ouvrant de nouveaux sentiers de recherche par rapport à deux phénomènes qui sont fondamentalement parallèles.

Les chants cultuels grecs archaïques étaient conçus pour être exécutés devant la communauté lors de fêtes religieuses en l'honneur de divinités. Tout au long de leur réception riche et variée, ils ont été transposés dans de nouveaux contextes où ils ont pris d'autres fonctions. Articulant les notions de performance et de mimesis, le présent volume s'intéresse aux processus de recréation poétique dont ces chants ont fait l'objet depuis l'époque classique jusqu'au Haut-Empire romain. Dans un cadre chronologique large, à partir de sources variées (le théâtre, le récit mythologique, les multiples formes lyriques grecques et latines) conservées sur différents supports (notamment épigraphiques et papyrologiques), les études ici rassemblées explorent la richesse du dialogue de la poésie grecque et latine avec l'hymne archaïque, ainsi que la complexité des rapports au réel et à ses représentations que peut impliquer le geste mimétique. Fruit de recherches menées par des spécialistes internationaux, il témoigne de la fécondité des collaborations entre hellénistes et latinistes sur ces questions de poétique qui touchent également aux domaines religieux et social.

Si la " grande " mythologie, l'olympienne en particulier, est depuis toujours l'enfant chéri des savants et la muse des artistes, il n'en va pas de même avec la " petite " mythologie (dénomination attribuée aux frères Grimm): volontiers reléguée dans la chambre des nourrices et la sphère des enfants, un consensus quasi universel la considère comme un " sous-genre " alors qu'en réalité, elle est dépositaire d'une mémoire mythique et poétique aussi précieuse que sa grande sœur classique. Les traditions orales, véhiculées en particulier par les contes, représentent un vivier inépuisable de motifs qui rejoignent bien souvent, par la structure, les thématiques et les signifiances, la " grande " mythologie: les deux entretiennent des relations intimes, parlent un même langage, il est vrai aux variantes multiples, mais au même grand cœur.L'objectif principal des travaux réunis dans ce volume est de porter non seulement à la lumière du jour toute cette mémoire ancestrale, mais d'établir des ponts entre les deux continents du " savant " et du " populaire ", à tort séparés par une frontière invisible et longtemps considérée comme étanche: une thématique " savante " a presque toujours son pendant " populaire ", et inversement.

Qu'est-ce que l'enjambement dans la poésie grecque et latine? Si la question n'est en rien originale, les auteurs des contributions rassemblées dans ce volume ont essayé de renouveler, pour une part, l'approche qui est généralement proposée du sujet. De fait, les poètes et les époques étudiés sont variés, tout comme le sont les méthodes. Ces approches plurielles tentent précisément de cerner les spécificités métriques et rythmiques de l'enjambement dont on peut dire qu'il est, quels que soient les genres, consubstantiel de la poésie grecque ou latine.

Ce livre est né de la confrontation, a priori paradoxale, entre une théorie sémiotique contemporaine (la réflexivité – ou l'autoréférence – textuelle) et un domaine de référence bien antérieur à son avènement (la poésie latine). Son premier devoir fut donc d'en fonder la légitimité. Ce fut chose aisée, car si la littérature réflexive, dont cette théorie est issue, est apparue au XXe siècle, la réflexivité en littérature est, elle, un phénomène beaucoup plus ancien, aussi ancien sans doute que la littérature elle-même, c'est-à-dire, dans notre tradition occidentale, que la poésie. Les " boucles de l'autoréférence ", comme on les désigne parfois aujourd'hui, se déploient largement en effet dans la poésie antique. Le fait est évident s'agissant de ces " poèmes poétologiques " grecs qui ont pour sujet l'écriture d'un poème, voire la représentation de leur propre genèse; il l'est aussi, bien que de façon plus discrète ou plus fugitive, pour un grand nombre d'œuvres de tous genres qui, tout à la fois, " disent et montrent qu'elles disent ", au moyen des procédés les plus divers, au premier rang desquels figure l'allégorie. Sortie toute casquée d'une mère grecque, la poésie latine fut en ce domaine aussi son héritière; et la naissance qu'elle raconte, la sienne, inclut cet héritage: car elle se dit voyageuse étrangère, venue de l'Orient pour s'installer en terre romaine, et fait de ce métissage originel l'instrument de son destin insigne et la marque indélébile de son identité.

Ulysse, dans les Fables d'Hygin, côtoie Achille et Hector, mais aussi Orphée, Actéon ou le Minotaure. Rares sont les grands récits mythologiques grecs qui n'apparaissent pas sous le stylet d'Hygin. Cet esclave affranchi, qu'on suppose être l'auteur des Fables, écrit en latin, au début de l'ère chrétienne, plusieurs centaines de notices sur des épisodes mythologiques grecs. Ces histoires, rédigées dans une langue simple et accessible, sont autant de pitches invitant à l'écriture de scénarios plus élaborés.À travers ce florilège de Fables d'Hygin, le lecteur cheminera au milieu des figures mythologiques les plus connues, tout en découvrant le regard singulier de l'illustrateur Fredde Rotbart sur ces histoires de familles, d'amour, de pouvoir et d'animaux.

Ni la cité grecque, ce " club de citoyens " qui en excluait les femmes, ni les tragédies d'Eschyle et de Sophocle qui nous ont majoritairement légué des héros masculins, ne pouvaient laisser prévoir une œuvre aussi singulière que celle d'Euripide, dont le rôle des femmes est un indice majeur. Le livre déchiffre, au pied de la lettre, la seule expression grecque qui nous reste – en dehors des poèmes de Sappho – d'une intériorité féminine confrontée à la cité qui décrète le genre féminin incapable de penser, et de prendre part à la vie publique.Il s'agit donc de donner à entendre et à voir, à travers la diversité des figures et des œuvres, ce premier surgissement d'un "féminisme" dans l'histoire de notre modernité occidentale, grâce à une œuvre tragique qui lui ouvre sa scène: des femmes y prennent la parole pour se livrer, déplorer et dénoncer le regard et les discours qui sont portés sur elles. Accablées, mais inventives, elles se refusent à la servitude volontaire. C'est dire que le théâtre d'Euripide, contrairement à la réputation qui lui a été faite depuis le xixe siècle allemand, accomplit sa fonction dionysiaque: bousculant l'ordre établi, transgressant les frontières instituées, il démultiplie la parole pour faire entendre l'Autre, au risque de la terreur des Bacchantes. Il s'adresse au cœur de notre modernité.Le volume s'inscrit sous le signe des lavis de Colette Deblé, peintre, qui consacre son travail depuis 1990 à la représentation des femmes dans l'histoire de la peinture. Ses aquarelles fluides empruntent leurs figures féminines aux grandes œuvres originales qui les ont mises en scène – ici la peinture des vases grecs. Elles font transparaître, sous leurs singularités, une parenté vivante, comme les figures du chœur tragique chantent et dansent leur communauté multiple.

Nos connaissances sur les usages de la couleur et de la polychromie dans la peinture et la sculpture antiques se sont considérablement renouvelées grâce aux découvertes archéologiques récentes, notamment en Macédoine, et au perfectionnement sans cesse accru des méthodes d'analyse physico-chimique des matières colorées. En outre, la littérature descriptive a fait l'objet de nombreuses études ces dernières années. Le présent volume prend en compte le résultat de toutes ces nouvelles recherches.Les textes ici réunis couvrent un large spectre, allant des couleurs de la peinture au sens des couleurs chez les Latins en passant par le jeu des couleurs sur les matières. Idées reçues et évidences sont remises en cause : les couleurs ne se résument pas à des pigments, le jeu des matières et des couleurs exprime des valeurs symboliques et sociales complexes et fluctuantes.En prenant appui sur l'analyse comparée de textes philosophiques, rhétoriques et techniques, ainsi que d'ecphraseis d'époque hellénistique et impériale, les auteurs tentent de définir le rôle de la couleur et des matières précieuses dans la reconstitution imaginaire de l'œuvre d'art peinte ou sculptée et d'évaluer, de ce point de vue particulier mais aussi largement polysémique, grâce aux usages métaphoriques de la " couleur " certains aspects de la réélaboration du modèle classique entre l'époque hellénistique et l'Empire

Dans le livre de la Genèse (Gn 18-19), la destruction de Sodome sous " le soufre et le feu " fait partie des catastrophes bibliques au même titre que le Déluge, et porte en elle une dimension épique. La ville, associée à Gomorrhe dans sa triste destinée, illustre le sort réservé aux cités pécheresses à cause de leur orgueil et de leur hostilité à l'égard de l'étranger. Le châtiment divin constitue " un exemple pour les impies à venir " et pose la question de la justice divine. Bien que Loth et ses filles échappent au désastre, l'épisode démontre l'impossibilité de prévoir le jugement de Dieu et souligne la dureté de la punition. Dans sa fuite, la femme de Loth, qui s'est retournée vers la ville en flammes, est immédiatement transformée en statue de sel. Par la suite, Sodome deviendra le symbole de la perversité sexuelle, la débauche entraînant la condamnation.Le vingt-cinquième volume de la collection Graphè rassemble treize études. L'épisode biblique fait l'objet d'une analyse approfondie au regard de ses occurrences vétérotestamentaires. Puis sont abordées, dans un ordre chronologique, différentes relectures du passage dans le monde juif et chrétien, de l'époque patristique jusqu'à la littérature contemporaine. Deux études portent sur l'interprétation picturale du motif et une autre sur la postérité musicale de la destruction de Sodome.