Vingt ans après avoir exploré les friches culturelles et les "nouveaux territoires de l'art", Culture & Musées consacre son nouveau numéro aux tiers-lieux culturels, ces espaces hybrides à mi-chemin entre lieu de création artistique, lieu de vie et espace citoyen.Portés par des collectifs d'artistes, des habitants ou des associations, les tiers-lieux culturels se distinguent par leur souplesse, leur fonctionnement collaboratif et leur ancrage territorial. Loin des institutions traditionnelles, ils expérimentent de nouvelles formes de création et de médiation, en lien avec les enjeux de transition écologique, de lien social et d'accès à la culture pour tous.Ce numéro interroge les promesses, mais aussi les limites de ces lieux parfois institutionnalisés ou récupérés par des logiques de marketing territorial. Il pose une question essentielle: les tiers-lieux culturels peuvent-ils renouveler durablement les manières de vivre, de créer et de partager la culture aujourd'hui?

A l'avant-garde de la création artistique, le monde du spectacle vivant contemporain fascine, mais reste souvent méconnu. Conjuguant enquêtes systématiques et études de cas plus spécifiques, ce livre synthétise cinq années de recherche collective par une équipe de sociologues au cœur des arts vivants sur la rive Nord du Léman.Dans cet ouvrage, des données d'une précision rare et des analyses nuancées viennent éclairer les rapports sociaux entre les acteurs et actrices du monde du spectacle contemporain, depuis les fonctions de programmation jusqu'aux métiers techniques en passant bien sûr par le travail de création des interprètes et des auteurs et autrices.Écrit dans une langue à la fois accessible et rigoureuse, ce livre intéressera aussi bien le public académique spécialiste des arts et de la culture, que les professionnel·les du secteur, et toutes les personnes désirant travailler dans le domaine du spectacle, ou souhaitant mieux comprendre comment fonctionnent ces mondes sociaux.

L'ouvrage restitue les résultats d'une enquête collective menée pendant deux ans sur le festival Off d'Avignon, terrain particulièrement éclairant pour penser et questionner les rapports à l'art et à la création aujourd'hui.Fruit d'une enquête collective de deux ans, l'ouvrage explore le festival Off d'Avignon, historique pendant protestataire du festival In ; terrain particulièrement éclairant pour penser et questionner les rapports à l'art et à la création aujourd'hui, ainsi que les mutations qui traversent la filière du spectacle vivant dans un contexte post crise sanitaire et à l'heure des transitions environnementale, économique, numérique et sociale.

La lumière étant traditionnellement considérée comme immatérielle, l'association " Lumière Matière " ne va pas nécessairement de soi. Pourtant, en écho à l'histoire scientifique qui balance entre lumière corpusculaire et lumière ondulatoire, l'art transcende sa complexité équivoque par le mouvement et le rayonnement.Conçu par le programme de recherche Lumière de Spectacle (Université de Lille) et issu d'un colloque franco-italien en collaboration avec l'Université de Padoue et l'Istituto per il Teatro e il Melodramma (Fondazione Cini), cet ouvrage pluridisciplinaire en explore les limites et les enjeux, réunissant des contributeurs internationaux (France, Italie, Brésil, Belgique).Artistes, éclairagistes et universitaires ont mis en commun leurs compétences et expertises pour aborder les aspects matériels et immatériels de la lumière dans les domaines des arts de la scène, selon des approches historiques, esthétiques et contemporaines liées à la création lumière.

Sous l'Ancien Régime, les foires, et les " jeux " qu'elles attirent, sont présentes dans toute la France, avec une durée et un prestige variables selon l'importance des villes : Paris, Beaucaire, Guibray, Lyon, Bordeaux… Si les spectacles forains parisiens sont bien connus car les plus documentés, la vie foraine, organisée en saisons et enrichie de spectacles importés d'autres pays européens, comme l'Angleterre et l'Italie, a irrigué de nombreuses villes de province. L'ouvrage analyse l'expression et le déploiement de cette activité foraine dans un contexte géographique élargi, en incluant les pérégrinations des forains eux-mêmes, sur un empan historique de près de deux siècles : 1660-1830. Mélange de numéros variés, allant des tours de passe-passe aux comédies de l'Opéra-Comique, des montreurs d'animaux aux théâtre de marionnettes, des " curiosités " et lanternes magiques aux spectaculaires acrobaties et danses de cordes, sans oublier les démonstrations des charlatans ou " opérateurs ", le spectacle forain présente une variété de facettes, autant de particularités ou d'invariants. À l'appui de documents d'archives inédits, de l'iconographie, de textes littéraires, historiques ou encore musicaux, il s'agit de mettre en évidence la nature, la dramaturgie et la richesse artistique de ces jeux forains à succès.

Automates, androïdes, poupées mécaniques et autres mannequins vivants constituent un monde à la fois fascinant et inquiétant, dans l'imaginaire du début du xxe siècle. Ainsi, les cultures spectaculaires n'ont cessé d'absorber et de réinventer l'automate, figure emblématique de la modernité technico-scientifique. De la scène lyrique au théâtre de magie en passant par le cinéma des premiers temps, il s'agit de comprendre comment ces êtres mécaniques ont habité les scènes et captivé les publics de leur époque, testant déjà l'hypothèse d'une outre-humanité, d'un au-delà de l'humain. À la croisée des études littéraires, théâtrales, cinématographiques et médiatiques, ce livre offre une perspective historique, multidisciplinaire et intermédiale sur les relations entre humains et machines, mais aussi sur les tensions qu'elles ont suscitées.

Les contributeurs de ce numéro rendent hommage à Claude Santelli (1923-2001) dont on a fêté le centenaire de la naissance en 2023. Ils ont étudié sa série d'émissions connue sous le titre de Théâtre de la jeunesse qui adaptait des romans classiques pour les enfants. Cette émission phare de la télévision des années soixante est étroitement liée au nom de celui qui en fut le créateur, et leprincipal producteur, très impliqué dans la politique culturelle du service public de télévision des années cinquante jusqu'au début des années quatre-vingt.De 1960 à 1969, 38 dramatiques seront diffusées, majoritairement adaptées de romans classiques, entre autres de la Comtesse de Ségur, Verne, Hugo, Daudet, Rabelais, Gautier, Malot, Beecher Stowe, etc. mais aussi des créations comme celle de Santelli lui-même, Gaspard ou le petit tambour de Fulda. À ces transpositions s'ajoutent des biographies et des émissions spéciales diffusées à Noël, comme Le Petit Claus et le Grand Claus créée par Grimaud et Prévert.

Pour son seizième numéro, la collection Histo.art souhaite souligner l'importance prise par les études sur la mode dans le champ de l'histoire de l'art. Il revient plus spécifiquement sur la période récente, celle des années 1980 et 1990, en particulier sur la scène française, marquée par de nombreuses expérimentations qui conjuguent à la fois la reconnaissance artistique et institutionnelle de la mode, et ses lieux de résistance plus alternatifs. Les deux dernières décennies du XXe siècle voient une accélération notoire des rapprochements entre art et mode, que cet ouvrage analyse en investissant un cadre conceptuel spécifique: la mode comme matérialisation des goûts, vecteur des politiques identitaires et plateforme de visibilité des apparences du corps. L'ambition de ce numéro est de procéder à un inventaire des expositions et des publications qui ne se comprennent pleinement qu'au croisement des récits et des outils de l'histoire de l'art et de la mode. Une occasion également de placer, en regard des grands courants de pensée de l'art contemporain, les productions d'une génération de designers de mode qui en alimentent et en reflètent l'esprit.

Les contributions réunies dans ce numéro autour des formes diverses des théâtres de la nature, tant historiques que contemporaines, interrogent les termes utilisés pour les désigner. Elles abordent divers lieux, des forêts aux cimetières, en passant par les jardins ou les parcs, mais aussi différentes pratiques artistiques, toutes influencées par l'espace dans lequel elles naissent, et enfin leurs relations aux publics, conditionnées par l'installation d'un dispositif en lien avec la nature.

Comprendre au-delà des mots. C'est là tout l'enjeu du théâtre qui mêle plusieurs langues étrangères, voire même des idiomes minoritaires. Loin d'être bridé par la barrière de la langue, ce genre sollicite l'imagination du public et crée de nouveaux liens avec lui. Sa résurgence sur la scène contemporaine s'accompagne d'une vaste palette de possibilités artistiques et scénographiques, mais aussi de messages politiques : en portant la voix des minorités, le théâtre multilingue aspire à créer une puissante cohésion sociale.Le présent ouvrage propose une étude pluridisciplinaire du théâtre multilingue et en langue minoritaire. Il est issu de conversations publiques qui laissent la parole à des chercheurs, des metteurs en scène et des acteurs.

À l'ère de l'individualisation des carrières et du management par projet, est-il encore possible de créer à plusieurs et sur le long terme? Ce numéro de Double Jeu rassemble des spécialistes de cinéma et de théâtre autour de la question des collaborations artistiques au long cours. À partir de cas singuliers, passés ou présents, de solidarités artistiques profondes et durables dans le champ du cinéma et des arts de la scène, les différents textes montrent comment la création collective affecte les relations entre les personnes (amitié, rivalité…), remet en cause le statut d'"auteur", et nous amène à repenser l'art au prisme des techniques et des métiers plutôt que comme l'acte d'un génie individuel.

Depuis une bonne trentaine d'années, la question des relations entre le cinéma et le(s) musée(s) est régulièrement posée au sein du monde académique – ces relations constituant dans le même temps une préoccupation constante pour de nombreuses institutions patrimoniales et culturelles. Alors que les musées et les expositions du cinéma se multiplient à l'échelle mondiale – non sans renouveler les premières formes de l'expographie –, et que les programmations de films au sein des espaces muséaux se font aussi régulières que le recours aux images animées (artistiques ou didactiques) dans le parcours de l'exposition; alors que des documentaires sur les musées sont projetés dans les salles obscures, quand les films de fiction (de tous bords: du cinéma d'auteur jusqu'aux blockbusters) se sont emparés de "l'objet muséal" depuis bien longtemps, comment ressaisir aujourd'hui ces relations entre le cinéma et le musée? Le présent numéro entend refléter la diversité des approches théoriques et analytiques permettant d'étudier ces relations et d'explorer "l'articulation du cinématographique et du muséal" dans toute sa complexité.