Les contributeurs de ce numéro rendent hommage à Claude Santelli (1923-2001) dont on a fêté le centenaire de la naissance en 2023. Ils ont étudié sa série d'émissions connue sous le titre de Théâtre de la jeunesse qui adaptait des romans classiques pour les enfants. Cette émission phare de la télévision des années soixante est étroitement liée au nom de celui qui en fut le créateur, et leprincipal producteur, très impliqué dans la politique culturelle du service public de télévision des années cinquante jusqu'au début des années quatre-vingt.De 1960 à 1969, 38 dramatiques seront diffusées, majoritairement adaptées de romans classiques, entre autres de la Comtesse de Ségur, Verne, Hugo, Daudet, Rabelais, Gautier, Malot, Beecher Stowe, etc. mais aussi des créations comme celle de Santelli lui-même, Gaspard ou le petit tambour de Fulda. À ces transpositions s'ajoutent des biographies et des émissions spéciales diffusées à Noël, comme Le Petit Claus et le Grand Claus créée par Grimaud et Prévert.

Pour son seizième numéro, la collection Histo.art souhaite souligner l'importance prise par les études sur la mode dans le champ de l'histoire de l'art. Il revient plus spécifiquement sur la période récente, celle des années 1980 et 1990, en particulier sur la scène française, marquée par de nombreuses expérimentations qui conjuguent à la fois la reconnaissance artistique et institutionnelle de la mode, et ses lieux de résistance plus alternatifs. Les deux dernières décennies du XXe siècle voient une accélération notoire des rapprochements entre art et mode, que cet ouvrage analyse en investissant un cadre conceptuel spécifique: la mode comme matérialisation des goûts, vecteur des politiques identitaires et plateforme de visibilité des apparences du corps. L'ambition de ce numéro est de procéder à un inventaire des expositions et des publications qui ne se comprennent pleinement qu'au croisement des récits et des outils de l'histoire de l'art et de la mode. Une occasion également de placer, en regard des grands courants de pensée de l'art contemporain, les productions d'une génération de designers de mode qui en alimentent et en reflètent l'esprit.

Les contributions réunies dans ce numéro autour des formes diverses des théâtres de la nature, tant historiques que contemporaines, interrogent les termes utilisés pour les désigner. Elles abordent divers lieux, des forêts aux cimetières, en passant par les jardins ou les parcs, mais aussi différentes pratiques artistiques, toutes influencées par l'espace dans lequel elles naissent, et enfin leurs relations aux publics, conditionnées par l'installation d'un dispositif en lien avec la nature.

Comprendre au-delà des mots. C'est là tout l'enjeu du théâtre qui mêle plusieurs langues étrangères, voire même des idiomes minoritaires. Loin d'être bridé par la barrière de la langue, ce genre sollicite l'imagination du public et crée de nouveaux liens avec lui. Sa résurgence sur la scène contemporaine s'accompagne d'une vaste palette de possibilités artistiques et scénographiques, mais aussi de messages politiques : en portant la voix des minorités, le théâtre multilingue aspire à créer une puissante cohésion sociale.Le présent ouvrage propose une étude pluridisciplinaire du théâtre multilingue et en langue minoritaire. Il est issu de conversations publiques qui laissent la parole à des chercheurs, des metteurs en scène et des acteurs.

À l'ère de l'individualisation des carrières et du management par projet, est-il encore possible de créer à plusieurs et sur le long terme? Ce numéro de Double Jeu rassemble des spécialistes de cinéma et de théâtre autour de la question des collaborations artistiques au long cours. À partir de cas singuliers, passés ou présents, de solidarités artistiques profondes et durables dans le champ du cinéma et des arts de la scène, les différents textes montrent comment la création collective affecte les relations entre les personnes (amitié, rivalité…), remet en cause le statut d'"auteur", et nous amène à repenser l'art au prisme des techniques et des métiers plutôt que comme l'acte d'un génie individuel.

Sous l'Ancien régime, les foires, et les " jeux " qu'elles attirent, sont présentes dans toute la France, d'une durée et d'un prestige variables selon l'importance des villes: Paris, Beaucaire, Guibray, Lyon, Bordeaux… Si les spectacles forains parisiens sont bien connus car les plus documentés, du fait de leur importance et de leur attractivité, la vie foraine, organisée en saisons et enrichie de spectacles importés d'autres pays européens, comme l'Angleterre et l'Italie, a irrigué de nombreuses villes de province. Le présent ouvrage analyse l'expression et le déploiement de cette activité foraine dans un contexte géographique élargi en incluant les pérégrinations des forains eux-mêmes et en débordant du strict cadre institutionnel des foires, sur un empan historique de près de deux siècles: 1660-1830. Mélange de numéros variés, allant des tours de passe-passe aux comédies de l'opéra-comique, des montreurs d'animaux aux théâtre de marionnettes, des " curiosités " et lanternes magiques aux spectaculaires acrobaties et danses de cordes, sans oublier les démonstrations des charlatans ou " opérateurs ", le spectacle forain présente une variété de facettes, autant de particularités ou d'invariants que l'ouvrage s'attache à déterminer.A l'appui de documents d'archives inédits, mais aussi de l'iconographie, des textes littéraires, historiques ou encore musicaux, il s'agit de mettre en évidence ici la nature, la dramaturgie et la richesse artistique de ces jeux forains à succès.

Depuis une bonne trentaine d'années, la question des relations entre le cinéma et le(s) musée(s) est régulièrement posée au sein du monde académique – ces relations constituant dans le même temps une préoccupation constante pour de nombreuses institutions patrimoniales et culturelles. Alors que les musées et les expositions du cinéma se multiplient à l'échelle mondiale – non sans renouveler les premières formes de l'expographie –, et que les programmations de films au sein des espaces muséaux se font aussi régulières que le recours aux images animées (artistiques ou didactiques) dans le parcours de l'exposition; alors que des documentaires sur les musées sont projetés dans les salles obscures, quand les films de fiction (de tous bords: du cinéma d'auteur jusqu'aux blockbusters) se sont emparés de "l'objet muséal" depuis bien longtemps, comment ressaisir aujourd'hui ces relations entre le cinéma et le musée? Le présent numéro entend refléter la diversité des approches théoriques et analytiques permettant d'étudier ces relations et d'explorer "l'articulation du cinématographique et du muséal" dans toute sa complexité.

Entrez dans les coulisses de l'Opéra d'Avignon ! Raymond Duffaut partage au cours de deux entretiens plus de 70 ans d'histoire(s) d'opéras, à Avignon et aux Chorégies d'Orange, depuis son enfance après-guerre jusqu'à aujourd'hui. Ancien directeur de l'Opéra, il évoque les heurs et malheurs d'une maison d'opéra, prise entre les feux des politiques territoriales, les enjeux économiques et esthétiques, les goûts des publics. Il revient sur ses choix artistiques, sa gestion et ses collaborations, l'évolution des modes de production, tout en partageant ses souvenirs de scène. Il rend ainsi hommage aux multiples artistes, chanteurs, danseurs et techniciens qui font vivre ce patrimoine au jour le jour. Cet ouvrage rend compte de la mémoire incomparable d'un des acteurs incontournables de la scène lyrique française aux XXe et XXIe siècles.

Ce livre raconte le parcours de Richard Wagner au Théâtre des Arts de Rouen entre 1891 et 2020. L'intérêt se porte tout autant sur la manière dont les œuvres sont interprétées que sur la façon dont elles sont perçues à l'échelle locale mais aussi nationale. L'ouvrage montre en effet qu'à plusieurs reprises, l'institution rouennaise joue un rôle déterminant dans le processus d'acceptation de Wagner en France. Plus largement, il retrace l'histoire du wagnérisme français, mais aussi celle des modes de production de l'opéra de la fin du XIXe siècle à aujourd'hui à travers l'exemple singulier de Rouen. Ce faisant, il participe d'une approche décentrée de l'histoire de la vie musicale en France.

Depuis son invention, le cinéma français ne cesse de truquer, créer, innover et repousse toutes les frontières économiques, esthétiques, logistiques, narratives à force d'effets spéciaux. En prolongeant les trucs de la photographie, de la féerie théâtrale et de la prestidigitation, les pionniers comme Georges Méliès ont attiré la lumière sur eux. Des milliers d'artistes et techniciens ont ensuite œuvré dans l'ombre, nourrissant, par leurs trouvailles, les images cinématographiques françaises, tout au long de son histoire. Au gré des inventions, des modes, des contextes socio-économiques, les truqueurs ont accompagné le cinéma et l'audiovisuel français d'un siècle à un autre, entre artisanat, bricolage et industrie. En croisant les regards (historiens, juristes, artistes, spécialistes en esthétique…), cet ouvrage lève le voile sur l'art trompeur singulier que constituent les effets spéciaux français, d'hier à aujourd'hui.

Ce 3e volume de la collection " Images in situ " fait suite au colloque de Perpignan tenu en septembre 2021 pendant le festival Visa pour l'image. L'ouvrage invite à réfléchir sur les liens existants entre l'image et le son dans toute leur diversité (musiques, paroles, bruits). Comment figurer un son ou à l'inverse faire " entendre une image "? Le cinéma, la série télévisée, le reportage vidéo et la création contemporaine, alliant musiques et images, ont toute leur place ici, mais qu'en est-il pour les images fixes: peintures, dessins, photos? Développant une approche résolument diachronique et interdisciplinaire, les auteurs n'ont pas confronté images et sons mais au contraire exploré sur le temps long la façon dont les propositions artistiques ou journalistiques les entrelacent. Une typologie se dégage, avec en premier lieu les images dites " muettes " qui évoquent les sons en impliquant les compétences et l'expérience de celui qui regarde; suivent les cas de translation de l'image vers le son en art comme dans le journalisme; et enfin les films parlants où le son et la musique ne se contentent pas de compléter l'image mais entrent en résonance avec elle pour mieux captiver le spectateur.

Ce premier numéro en version papier part d'une interrogation sur l'avenir des musées, à l'occasion des vingt ans de la revue. Elle propose une approche prospective de la muséologie et du musée à partir d'une diversité de regards fondés à la fois sur des travaux de recherche et sur des points de vue professionnels.