Un nombre considérable d'études ont été consacrées ces dernières années à la cognition musicale. Elles ont trop souvent occulté la réflexion que la philosophie, l'esthétique, la psychologie ou la psychanalyse avaient déjà consacré à la question du rapport à l'œuvre, à la manière dont nous prenons conscience d'elle, dont nous la pensons ou dont nous sommes pensés par elle. Cet ouvrage se propose d'instaurer un dialogue entre les différents aspects de la réflexion sur la réception de l'art. Ceci est d'autant plus important que les créateurs eux-mêmes, après une phase de concentration sur l'objet et la structure, s'intéressent à nouveau à la théorisation du sujet percevant. Comment s'articulent sensation et connaissance, objectivité et subjectivité, actuel et mémoriel, mais aussi création et perception, expérience du sujet et théorie de l'art ? Autant de questions et de clivages, réels ou apparents, qui interrogent à la fois les scientifiques, les philosophes et les artistes.

Ces essais interrogent la notion de déconstruction à l'épreuve de l'image photographique, artistique, de bande dessinée, etc. Les textes présentés analysent les différents régimes de l'image, dans ses aspects politique, philosophique et sémiotique.

Dès qu'il s'agit de porter un jugement sur l'art, l'activité créatrice ou ses œuvres, nous semblons pris entre deux attitudes opposées. D'un côté, le jugement naïf qui veut n'écouter que son goût, de l'autre une forme de nihilisme qui invalide toute tentative de jugement. Serions-nous alors condamnés à l'abstention ?Loin de céder à l'esprit doctrinaire ou de se résigner au silence, les auteurs de cet ouvrage ont remis sur le métier les concepts fondamentaux de la théorie du jugement esthétique et de la critique d'art au vu de l'art contemporain. Il s'agit donc bien d'un livre critique et d'un livre sur la critique, si tant est que par critique on entende le libre examen consistant à apprécier une oeuvre ou un sentiment comme une instance de médiation entre l'oeuvre et sa réception.Pour étudier l'application du jugement à l'art, trois aspects ont été retenus. D'abord une question de principe, le problème de la règle du jugement esthétique : où la trouver ? sur quoi la fonder ? comment l'admettre ? à quoi l'appliquer ? faut-il une ou plusieurs règles ? faut-il même une règle ? Ensuite le rapport entre la critique et la démocratie, entre un engagement personnel et la communauté des avis, entre l'un et le multiple, ce qui implique une interrogation sur le sens commun, sur la voix du plus grand nombre. Enfin, la critique d'art, ouverte à de nouvelles pratiques et de nouveaux champs artistiques.Cet ouvrage est destiné à toute personne intéressée par les débats sur l'art contemporain, et soucieuse de clarifier certaines notions fondamentales. En particulier les étudiants de philosophie de l'art, d'arts plastiques, d'histoire de l'art ou des beaux-arts y trouveront des analyses de référence.

Les études culturelles dont il est question dans cet ouvrage relèvent des approches culturalistes et critiques qui tentent de comprendre et de déconstruire les politiques de la représentation qui sont actives dans la culture et tout particulièrement dans la culture visuelle.Les analyses se présentent sous la forme d'une exploration des préjugés interprétatifs suscités par un document visuel et d'une déconstruction des hiérarchies, croyances, ethnocentrismes et autres hégémonismes de l'analyste.Les études culturalistes ici rassemblées ne privilégient donc pas les oeuvres de la culture " légitime " aux yeux des minorités culturelles regroupant les élites de l'art et de l'intelligentsia, mais le plus souvent des productions ordinaires ou dépréciées qui concentrent pourtant les enjeux, conflits et paradoxes des différentes politiques de la représentation.Bande dessinée, graffiti, carte postale, site web, photographie, et même l'oeuvre iconoclaste L.H.O.O.Q. de Marcel Duchamp sont abordés en privilégiant l'exploration des marques des pouvoirs et leurs modes d'actions que l'on appelle leurs agences.

Le mouvement est considéré comme l'essence du cinéma. De la fascination des premiers spectateurs pour le cinématographe en 1895 aux succès des productions hollywoodiennes à "grand spectacle" au XXIe siècle, l'enthousiasme pour le septième art s'expliquerait par sa capacité à émanciper l'image de sa fixité.Mais l'esthétique du mouvement est-elle concevable sans porter en creux une immobilité dont elle semble s'affranchir?Qu'il s'agisse de l'utilisation de l'arrêt sur image, de longs plans fixes, du figement des acteurs, ou bien du filmage de tableaux et de photographies, l'histoire du cinéma se déroule au fil d'un désir de mouvement qui se double, selon les époques et les réalisateurs, d'une nostalgie de l'immobilité.L'arrêt sur image a-t-il une fonction politique? Quelle différence y a-t-il entre le figement, le repos et l'inertie? Pourquoi sommes-nous assis immobiles face à l'écran? Quel est le rapport de l'immobilité au sacré? Quelle conception du temps certains films opposent-ils à un monde saturé d'images en mouvement?Telles sont quelques-unes des questions auxquelles ce livre se propose de répondre selon trois axes : l'esthétique, la critique idéologique et la réception.

Sommes-nous attentifs aux images qui se télescopent et se renouvellent en permanence dans notre environnement ? Ne sommes-nous pas trop pressés pour accorder un peu de notre attention à notre culture visuelle et pour observer la façon dont les images produisent du sens ? Dans cet ouvrage, des chercheurs en sémiologie et sémiotique ont pris tout leur temps pour disséquer des dessins de presse ou d'illustration, une affiche, des pictogrammes, une planche de bande dessinée, une photographie, des peintures, ou une fresque. Ils présentent ici les résultats de leurs analyses mais aussi leurs méthodes d'investigation. Ces études sont dérivées des travaux fondateurs de Ferdinand de Saussure et des théories structuralistes et néostructuralistes qui poursuivent ses recherches. Les images y sont traitées comme des objets construits dont l'analyse démonte les rouages avant d'étudier leurs systèmes d'interprétation. Cette importante phase herméneutique se concentre alors sur la convergence du sens et sur la diffraction de la signification. En abordant les théories structuralistes et herméneutiques, cet ouvrage complète son prédécesseur consacré aux théories de la sémiotique pragmatique et cognitive. Ces deux livres s'adressent à tous ceux qui souhaitent faire un arrêt sur les images pour mieux les comprendre. Il intéressera notamment les étudiants, les enseignants et les chercheurs qui sont concernés par l'étude de la culture visuelle et par l'éducation aux images.

Tout un chacun face à une image en cherche le sens. Mais comment savoir si on l'interprète avec justesse ?L'esthétique, comme analyse des conditions de réception et d'appréciation des œuvres d'art, peut-elle élucider ce qui fait sens ? La question de méthode est donc préjudicielle à une analyse de l'image : comment faire apparaître un sens immanent à l'oeuvre? Autrement dit, l'esthétique doit rompre avec le préjugé iconoclaste, venu du monothéisme comme du platonisme, pour admettre que le visuel a du sens, fait sens, est sens par lui-même.Le lecteur trouvera ici onze études sur des images diverses, examinées par des chercheurs d'horizons divers, tant géographiquement qu'intellectuellement. Une unité se dégage cependant : ne pas faire de l'image l'illustration accessoire d'une théorie préétablie, ayant par ailleurs sa cohérence et ses visées et dont le rapport à l'image serait occasionnel, mais dégager un sens inhérent à l'oeuvre, quitte à accepter le risque de la contingence, de la particularité, de la non-systématicité.Dans cet ouvrage, chaque analyse est indépendante des autres. Leur ordonnancement les constitue pourtant en une série significative. Le lecteur pourra cheminer dans ce livre soit en suivant l'ordre des auteurs, la logique interne de cette succession lui apparaissant au fil de sa lecture, soit en progressant selon son goût, selon l'intérêt que suscitera en lui telle ou telle image. Cet ouvrage s'adresse aux étudiants, aux enseignants et aux chercheurs soucieux d'approfondir les méthodologies d'analyse, mais aussi à toute personne désireuse d'apprendre à voir et de réfléchir sur ses propres perceptions.

La question du statut de la nature en esthétique et en art semblait être tombée en désuétude. Dans le contexte de la modernité artistique, l'artefact semblait avoir supplanté la nature, tandis que, sur le plan intellectuel, le concept de culture triomphait. Mais la floraison récente des théories du paysage indique qu'il faut repenser la question, et que c'est l'antinomie nature-culture qui est dépassée. En même temps, l'apparition d'une nouvelle forme d'art, le land art, rend à nouveau pertinente l'idée de créer artistiquement en utilisant un matériau naturel. Réévaluée comme invention permanente, non seulement dans le cadre de l'art, mais du point de vue plus général de l'environnement, la nature revient ainsi au premier plan. Sans préconiser un quelconque retour à une hypothétique pureté de la nature, de son état ou de sa notion, il est pertinent de réévaluer aujourd'hui son rôle à la fois dans l'art, notamment contemporain, et dans l'esthétique.

Né il y a plus de deux cents ans, Schubert est un compositeur qui ne finit pas de séduire et de fasciner les amateurs et les amoureux de musique. Mais Schubert n'en a pas fini non plus d'intriguer les musicologues, tant par son existence brève et mystérieuse, dont on sait à la fois beaucoup et trop peu de choses, que par sa production surabondante, dont l'originalité précoce dans tous les domaines est irréductible à la tradition de ses grands devanciers.À présent admis au panthéon des maîtres viennois aux côtés des modèles qu'il avait lui-même tant admirés, Mozart, Haydn et Beethoven, Schubert marque néanmoins le début d'une nouvelle époque dans l'histoire de la musique. Sa musique instrumentale, longtemps incomprise et réduite à quelques oeuvres phares, nous apparaît de nos jours comme un pan essentiel de son oeuvre, que ce soit sous l'angle de la forme, de l'art de la composition, ou de l'expression.À la croisée des deux tendances fondamentales de la musicologie, la branche historique et la branche analytique, ce volume contient près de vingt contributions, où la recherche internationale est largement représentée, faisant le point tant sur l'état actuel des connaissances, que sur celui des interrogations. Il aborde les questions des influences et du contexte dans lequel travaillait Schubert, celles de sa technique compositionnelle, de l'organisation et de la signification dramaturgique de l'oeuvre, mais aussi les problématiques analytiques et théoriques posées par cette dernière, ainsi que la question particulière - et, dans le cas de Schubert, particulièrement aiguë,- de l'inachèvement.

Toujours confondus dans le sens commun, sens et signification sont pourtant des concepts distincts pour la sémiotique qui s'est inlassablement efforcée d'instruire leurs rapports mutuels. À la façon de Hjelmslev, le sens se laisse identifier au " matériau " ou au " support " grâce auquel " toute sémiotique en tant que forme se trouve manifestée ". Le sens peut être aussi cette " matière " informe qui, lorsqu'elle est articulée par l'analyse, devient une signification. Il précède alors la signification mais reste, sans elle, insaisissable. Pour Kristeva, la dichotomie témoigne plutôt d'une allégeance affective du sens et du fondement cognitif de la signification.Ces quelques données liminaires suffisent à montrer la difficulté à s'accorder sur une définition restituant à la fois les composantes de la pensée (l'affectif ou le cognitif) et son mouvement même (une signification ex post s'attachant à reconstituer un sens ex ante). Surtout, elles révèlent dès l'abord la témérité de notre projet en donnant raison à de plus sages sémioticiens qui ont pris soin de " laisser à la porte " (Costantini) l'encombrant couple sens/signification, se trouvant quittes pour la confusion et vérifiant que cette lacune n'empêchait pas de mener les études sémiotiques.S'il semble pour le moins ambitieux, notre projet n'est pourtant pas dénué d'atouts, notamment parce qu'il tient sa raison d'être de son contexte même. En effet, examiner sens et signification à l'aune des productions plastiques, pourrait donner une lumière nouvelle à la compréhension des deux concepts en profitant, au-delà de la fraîcheur théorique qui vient du déplacement de la problématique, de la diversité et de la complexité des oeuvres.

L'ouvrage offre une série d'études sur le triple paradoxe que rencontre l'art dans sa relation à la modernité : celui du rapport avec l'héritage et la tradition, celui des limites de la représentation moderne et de ses conséquences sur notre vision du monde ; celui des effets des projets artistiques et des conduites esthétiques actuelles sur l'unité même de la représentation. Un premier ensemble de textes propose une réévaluation de la rhétorique dans le langage visuel. Un second ensemble explore les limites de la représentation à travers des notions comme l'éphémère de la performance ou l'immobilité au cinéma, etc. ; enfin, un troisième ensemble rentre dans la variété des représentations concrètes et mentales (figures cinématographiques de la pensée, sang menstruel...) dont l'oeuvre moderne se nourrit et qui affectent l'univers du sens.