Georges Lavaudant s'est positionné dès les débuts contre la tradition théâtrale, rejetant le rôle du dramaturge, préférant l'exploration du plateau, les formes hybrides mêlant théâtre, danse, chant, projection de photos, de vidéos. La mise en scène est pour lui un acte d'écriture. Il crée avec les outils de la scène un imaginaire puissant qu'il mêle à l'œuvre représentée, classique ou contemporaine.C'est le premier ouvrage qui présente l'œuvre de Lavaudant. Cette recherche aborde son parcours et sa pratique scénique, à travers ses spectacles les plus remarquables. Elle donne la parole à ce metteur en scène et aux comédiennes, comédiens, décorateurs, chorégraphes, compositeurs, auteurs, qui l'ont accompagné dans cette aventure.Artiste majeur de la scène théâtrale française de la fin du XXe, début du XXIe siècle, il a produit une œuvre dense, diverse, pour le théâtre et l'opéra, en France et à l'étranger. Il a dirigé le C.D.N.A., la Maison de la Culture de Grenoble, le T.N.P., l'Odéon-Théâtre de l'Europe.

L'histoire du théâtre français aura longtemps été marquée par la certitude de sa suprématie sur les théâtres étrangers anciens ou contemporains, certitude renforcée par le succès européen des pièces parisiennes. Pourtant, du XIXe au XXIe siècle, la centralisation de la vie théâtrale autour du répertoire français a fini par céder la place à une véritable circulation internationale des propositions dramatiques. Comment ont donc pu être franchis les obstacles linguistiques, esthétiques ou idéologiques à l'import-export du théâtre d'un pays à l'autre ? Quelles stratégies ont permis de rendre accessibles à des spectateurs, toujours plus curieux de la diversité des langues et des cultures, des pièces venues d'ailleurs ? Les vingt-six contributions réunies ici interrogent le rôle des adaptations et traductions, celui des discours d'escorte, des passeurs et des institutions, tout en soulignant l'importance de la mise en scène dans cette conversion au théâtre étranger.

Les dramaturgies contemporaines se passionnent pour le corps, les corps. Jadis instrument de l'action dramatique, le corps reprend à présent ses droits sur scène ; se donne alors à voir la physis d'un corps vulnérable, désirant, traversé d'intensités, toujours déjà travaillé par l'échéance de sa propre mort. Les " passions du corps ", au sens étymologique de " souffrances ", désignent ainsi tout ce qui porte atteinte à l'intégrité du corps, tous les flux, forces ou émotions qui l'écartent de lui-même, l'arrachent à la fiction de l'identité entendue comme pure intériorité. Enfin, le terme " passions " fait évidemment référence au paradigme christique, et à la Passion comme forme théâtrale d'origine médiévale. Les dramaturgies contemporaines s'intéressent plus particulièrement au moment iconique de la Passion, celui de l'agonie du Christ en croix. Là où le théâtre de tradition aristotélicienne tend à occulter le corps en l'instrumentalisant comme support du logos, le théâtre de la Passion est tout entier tourné vers la monstration du corps agonisant. A la suite d'Artaud, les dramaturgies contemporaines font retour vers un théâtre sacrificiel, renouant ainsi avec les origines cultuelles du théâtre. Parcourant tout le champ des pratiques scéniques contemporaines (théâtre, performance, danse, opéra, etc.), les articles réunis ici abordent ces questions chez John Adams, Howard Barker, Samuel Beckett, Edward Bond, Marie Chouinard, Klaus Michael Grüber, Elfriede Jelinek, Sarah Kane, Dea Loher, Hermann Nitsch, Valère Novarina et Einar Schleef.