Ce volume examine le rire dialogal ou, si l'on préfère, les usages plaisants du dialogue, en se demandant comment et pourquoi l'on rit dans les dialogues, étant entendu que ce rire peut aller du léger sourire à la moquerie la plus féroce, de la comédie à la conversation, de la farce à la satire sociale, en passant par toutes les nuances possibles.

La notion de plasticité, délicate à définir, peut être éclairée en fonction du domaine précis dans lequel elle est contextualisée et envisagée. Le point de vue qui la met au cœur d'une dynamique de pensée est ici celui de l'analyse littéraire. En important dans le champ littéraire une réflexion a priori liée aux arts plastiques, en nommant des modalités de la plasticité révélées dans l'écriture, ce recueil d'articles explore les œuvres littéraires avec un regard nouveau, une approche originale, car il relève ce qui, dans les écritures, suggère et réalise un rêve des écrivains, la possibilité d'une dimension sensible donnée à leur œuvre, celle-ci transgressant les limites du lisible pour s'accom- plir comme forme également visuelle et visible, sonore et audible. Ces articles ne limitent pas leurs corpus à une époque ou à un genre littéraire (poésie, roman, théâtre). Ils prennent le parti de dégager, tant dans le contenu que dans la forme des textes, ce qui stimule chez le lecteur une perception complexe et un imaginaire doué de plasticité. Ces propositions de définitions de la plasticité centrées sur la littérature participent d'une réflexion rendue cruciale dans un contexte plus général où l'utilisation fréquente du mot " plasticité " est avérée dans de nombreux domaines.

Au cours du XVIIIe siècle, la promenade devient une pratique habituelle, d'abord comme passe-temps social, ensuite comme activité solitaire et rêveuse. Les écrivains s'approprient alors cette pratique, et les pensées ou rêveries qu'elle suscite, pour les raconter ou les décrire. La réflexion collective dont ce volume se fait l'écho est partie de l'intuition que cette nouvelle habitude de déplacement dans l'espace – déplacement sans but, gratuit, et à pied – a influencé d'un même mouvement les modes de pensée et les modes d'écriture. On s'intéresse ici à la diffusion concrète du modèle pérégrin proposé par Rousseau dans des textes oubliés par la généalogie de l'essai: si ceux-ci n'ont pas laissé de véritables traces dans l'imaginaire du genre, ils n'en ont pas moins contribué à créer et à répandre des pratiques d'écriture et des postures d'écrivain, qui ont sans aucun doute joué un rôle fondamental dans la constitution progressive d'une écriture essayiste, avant l'institution du genre.

Jamais sans doute la pseudonymie n'a été chose plus partagée qu'en ce début de XXIe siècle. Jadis, le recours à une autre identité via un autre nom que celui figurant à l'état civil était essentiellement restreint à certaines sphères d'activités spécifiques: ordres religieux, services secrets, pratiques artistiques… De nos jours, en revanche, à la faveur du développement d'internet en particulier, la pratique qui consiste à user d'un autre nom que le sien semble devenue monnaie courante et le pseudo se situe désormais au cœur de certaines des pratiques qui façonnent notre relation à l'écrit et à sa diffusion publique. Qu'en est-il des écrivains en ce qui concerne leurs recours à ce geste d'écriture auquel ils ont conféré son degré de sophistication le plus prononcé? Réunissant des études portant sur la littérature française du XVIIe siècle à nos jours, cet ouvrage a pour objectif de faire apparaître les principaux enjeux de la pratique pseudonymique tout en montrant la complexité et la diversité de ses usages, formes et fonctions au fil des siècles.

Processus ou qualité à la fois complexe et dynamique, la présence fait se conjuguer, en tension, des enjeux littéraires et esthétiques cruciaux. Souvent de nature transmédiale, les œuvres qui soulèvent cette question conduisent aussi à des réflexions d'ordres différents: éthique, psychologique, linguistique, culturel, historique voire politique. Ce volume insiste sur le fait que la notion de présence se construit en relation dialectique avec celles de représentation (traditionnellement liée à une interprétation), d'absence (voire d'abstraction) et de virtualité. Il s'agit d'étudier ainsi les modalités et usages de la présence, dans les différents domaines des littératures (françaises, étrangères, anciennes) et des arts (plastiques et du spectacle), en mettant l'accent sur les effets d'intermédialité, de croisement générique et de correspondance esthétique et éthique. Dans leur hétérogénéité historique, générique et culturelle, apparaissent ainsi des objets, textuels/artistiques, relevant de ce que l'on pourrait appeler pratiques et pensées de la présence.

À voir le nombre actuel de travaux qui lui sont consacrés, le lieu commun, qui fut pourtant longtemps un paria et un proscrit, semble aujourd'hui populaire. Mais sa récente réhabilitation dans le paysage de la critique contemporaine aurait de quoi faire réfléchir la critique elle-même. Qu'avait-elle perdu en le vouant aux gémonies, si ce n'est peut-être ce " commun ", ce lieu pour la communauté? Et nous, qu'espérons-nous faire avec le lieu commun, si ce n'est réconcilier l'activité lettrée avec sa dimension politique, et par là défendre la place des humanités dans l'espace public? Telle est donc notre hypothèse: le lieu commun, banal et abandonné, laissé au public et aux discussions de café, aurait à voir avec la chose publique et notre propre désir de communauté. En remontant aux sources de la pratique " humaniste " des lieux communs à la Renaissance, jusqu'à leur traitement dans l'enseignement et dans la transmission de la culture, les différents articles réunis ici entendent réinterroger la dimension proprement politique de l'usage des lieux communs par les lettrés de jadis et les critiques de naguère, mettant à l'épreuve le pont que cette culture entend jeter entre les générations via l'institution des " humanités " comme ciment d'une communauté à travers les âges, dans une prétention pacifique et universelle mais au risque de l'exclusion des individus.

La prose n'a pas été, en Grèce ancienne, une forme vide ou transparente. Etroitement associée à la parole politique et au discours scientifique (philosophie, histoire, enquête sur la nature) dont, vers la fin de l'époque archaïque, elle a accompagné l'émergence, elle en a gardé un ensemble de connotations et une vocation propres. Cette personnalité est si marquée qu'on peut, comme l'a fait L. Alma-Tadema dans le tableau reproduit sur la couverture de ce livre, dresser l'allégorie du langage en prose: masculin, studieux, adulte, aussi tendu vers le réel que la " Poésie ", son double inversé (ci-contre), s'abandonne, sous les traits d'une femme, à de vagues rêveries. Plus qu'un portrait authentique, il s'agit d'une pose ou d'une posture; la prose antique a su " rêver " elle aussi. Vers le début de notre ère en particulier, dans le paysage littéraire du monde gréco-romain, les formes de prose ont occupé une position dominante, et investi toutes les fonctions jadis réservées à la poésie: divertir, séduire, inventer des mondes imaginaires. Pourtant, les prosateurs n'ont cessé d'affirmer l'identité de la prose et d'exiger d'elle, alors même que la poésie devenait son modèle secret, qu'elle reste fidèle, d'une manière ou d'une autre, à son programme originel. Héritiers de cette histoire complexe, théoriciens, orateurs, romanciers, auteurs de satires, de dialogues ou de " prosimètres " ont médité sur la nature de la prose ; ils ont mis au jour ses contradictions, défini ses modèles, formulé ses normes et ses recettes. Leurs réflexions et leurs pratiques font l'objet des neuf études réunies dans ce volume.

Jacques Jouet constitue l'une des figures les plus représentatives de l'Oulipo. Après les fondateurs (Queneau) et la génération des Perec et Roubaud, il appartient à cette troisième vague née des ateliers d'écriture et portée par le virage de l'oralisation et de la rencontre avec le public. L'oeuvre de Jacques Jouet, l'une des plus conséquentes de l'Oulipo actuel, se distingue par sa polygraphie (poèmes, récits, nouvelles et romans, théâtre, essais, collages), par des formes marquantes (le " poème de métro "), mais aussi par des entreprises au long cours comme Navet, linge, oeil de vieux (écriture d'un poème par jour, de 1992 à 1998) ou le cycle de Mek-Ouyes, qui traverse genres et supports puisqu'il a pu prendre notamment la forme d'un feuilleton diffusé en ligne. L'ouvrage consacré à J. Jouet met en lumière la diversité des formes et des entreprises de l'auteur tout en cherchant à éclairer la cohérence globale de sa démarche littéraire.

Robert Marteau est l'auteur d'une œuvre variée et foisonnante, expression d'une voix singulière et ample de ce début de siècle. Étonnant marcheur, Robert Marteau a réuni dans une oeuvre, encore trop méconnue, une pensée discursive qui détermine des pans de réel très différents : sous forme de récits comme Mont-Royal, Fleuve sans fin écrits au Canada, où il a passé une partie de sa vie; sous forme de romans qui prennent une autre assise, celle de la terre, des paysans et bûcherons de son Poitou dans Le jour que l'on a tué le cochon ou Dans l'herbe; sous forme de vers, organisés en sonnets dans les six tomes de Liturgie. Robert Marteau est aussi traducteur de Shakespeare, de Chaucer, notamment, et ses choix de traducteur confortent son écriture de poète, à la fois érudite, et cherchant à saisir les flux infimes du réel. Enfin, Robert Marteau a travaillé longtemps dans une galerie d'art et son intérêt pour la peinture ne s'est jamais démenti. Ce volume vise à rendre compte de la diversité et de l'originalité d'une écriture de poète, à la fois contemplateur de son temps et nostalgique d'un âge d'or perdu, qui remonterait aux origines du langage.

Il ne s'agit pas ici de ce que le cinéma fait à la littérature mais de ce que l'imaginaire polysémique de la projection suscite d'allers, de retours et de réécritures croisées entre les deux disciplines, y compris dans les possibles dérives " projectives " du geste interprétatif, du moment qu'il entraîne un gain heuristique et travaille au croisement de l'optique et du psychique. La projection cinématographique est en effet, d'abord, un dispositif optique. Un faisceau lumineux transporte en l'agrandissant, parfois en l'anamorphosant, une image sur un écran: image passée, qu'il actualise; image fugace, dont il déploie l'évanescence; image photogramme, qu'il met en mouvement et expose à la dissemblance. Or la participation émotionnelle que suscite l'optique n'est pas sans rapport avec le dispositif psychique du même nom, qui consiste à extérioriser un contenu inconscient pour le voir en le déniant comme sien. Les deux versants de la projection ont en commun d'être des mécanismes qui mettent en jeu un travail de déformation autant destiné à faire voir qu'à opacifier et faire écran. Le cinéma s'avère alors surface où s'inscrivent les traumas inassimilables auxquels la projection donne forme visible selon le modèle de la figurabilité inconsciente. Ces prémisses esquissent les contours d'un nouveau chantier interdisciplinaire dont cette publication collective entend déployer l'extension maximale et donner les premières clés de compréhension.

Le bonheur a-t-il été une idée neuve du XVIIIe siècle? Prolongeant les travaux antérieurs, en particulier de Robert Mauzi dans L'idée du bonheur dans la littérature et la pensée françaises au XVIIIe siècle, le présent recueil se propose une exploration de cette " idée-force " qui " éclaire l'unité du siècle " et qui " recouvre toutes les contradictions du temps ". Plusieurs domaines sont minutieusement explorés: littéraire, social, politique, philosophique, esthétique et éthique. Cette notion complexe et polysémique est approchée chez des auteurs tels que Rousseau, Diderot, Casanova ou Rétif de La Bretonne. Les divers axes et perspectives de recherche suggèrent l'expansion de cette idée-slogan: théories de la fiction, histoire des idées, poétique des genres et regards croisés. En soulignant la solidarité entre le mouvement des idées et l'analyse de la société et des arts, les contributions réunies ici font émerger la sensibilité d'une époque, les représentations et les expériences collectives et individuelles.

Le sentiment domine aujourd'hui que l'utopie serait derrière nous: les contre-utopies occupent notre imagination, comme pour refléter la fin des espérances politiques et l'absence d'horizon de notre siècle désenchanté. Après la chaîne de catastrophes du XXe siècle, qui aurait démontré que l'utopie n'a rien à faire avec la réalité historique, l'utopie n'aurait plus d'intérêt, désormais, que pour l'histoire littéraire: on pourrait en dresser le bilan comme d'une forme du passé sans songer à en poursuivre la tradition, de toute façon épuisée, ni la renouveler. Mais la vogue actuelle de la contre-utopie est-elle vraiment le symptôme d'une société malade qui ne saurait plus éprouver d'enthousiasme? Les contre-utopies n'ont-elles pas quelque chose à nous apprendre sur l'utopie elle-même, et sur l'ambiguïté fondamentale du genre depuis ses origines? Enfin n'observe-t-on pas aujourd'hui, en réplique au catastrophisme présent, un renouveau de l'imaginaire utopique dans la littérature et les arts, dont les formes et les enjeux restent à comprendre? À rebours des discours critiques ou mélancoliques, ce numéro de La Licorne examine cinq siècles d'histoire d'un genre bien plus divers et ambigu qu'on ne le croit souvent. Montrant les zones d'ombre des utopies classiques et la résistance de l'élan utopique au coeur des textes contemporains les plus sombres, les articles rassemblés ici invitent à redécouvrir un imaginaire critique dont on ne saurait concevoir, même et surtout en ces temps de catastrophe, l'épuisement.