Qu'est-ce qu'une archive pour les arts vivants : danse, théâtre, performance? En quoi ces derniers contredisent-ils son apparente réification et quelles ambivalences soulèvent la mise en tension de l'objet matériel et de la vie? Les pratiques contemporaines de l'archive sont emblématiques de notre rapport au passé et à la tradition. Rassemblant des textes d'artistes, de chercheurs, de curateurs, ce livre tente de cerner notre actuelle " culture de l'archive " – à l'ère du Big data, de l'autoarchivage des réseaux sociaux, de l'économie de la connaissance qui transforment le spectateur en " producteur de savoir ", et l'artiste, à bien des égards, en médiateur, en archiveur de sa pratique et en entrepreneur de l'image. Entre culte de l'authenticité et médiatisation généralisée, ce livre revient sur les principaux usages scéniques de l'archive depuis une cinquantaine d'années. Il trace quelques grandes directions d'interprétation possibles au milieu de cette forêt de signes qu'érigent les nouveaux arts de l'archive.

Longtemps considérée comme un avatar esthétiquement dégradé et moralement simpliste de la fiction cinématographique, la série télévisée s'est pourtant peu à peu autonomisée au sein des études culturelles jusqu'à devenir un objet digne des recherches universitaires, tant pour la manière dont elle met en scène les phénomènes sociaux que pour la diversité des codes et des stratégies narratives qu'elle mobilise. Alors que la musique de film constitue dorénavant un important champ d'investigation en France, on ne peut en dire autant en ce qui concerne son étude dans le cadre de la télévision. Mépris? Condescendance? Absence de spécialistes? Les équipements audiovisuels domestiques – télévision et projecteur numériques, son 5.1, lecteur Blu-ray – ont pourtant largement contribué à redonner aux musiques de séries une part importante dans l'expérience du spectateur. En se fondant sur un corpus varié de séries américaines et françaises – de Twilight Zone (1959) aux Revenants (2012) – le présent ouvrage s'attache à étudier ces musiques sous les angles successifs de la spécificité de la musique de série – singularités esthétiques et mémoire spectatorielle –, des rapports des partitions de séries avec celles proposées par le cinéma, et de la possibilité de compositions hybrides mélangeant les genres.

L'entrée de Lohengrin au répertoire de l'Opéra de Paris le 16 septembre 1891 met un terme définitif à trente ans de rejet des oeuvres de Richard Wagner sur les scènes lyriques parisiennes. C'est néanmoins en dehors de la capitale que la wagnéromanie française de la dernière décennie du XIXe siècle avait vu le jour puisque, dans les six premiers mois de l'année 1891, Lohengrin avait été représenté à cent quatre reprises dans six autres villes: Rouen, Angers, Nantes, Lyon, Bordeaux, Toulouse et Bayonne. Cet ouvrage accorde une large place à ces différentes représentations et tente de réaliser une reconstitution minutieuse de ce qu'était une production wagnérienne dans les régions françaises à la fin du XIXe siècle. Les décors, les costumes, les chanteurs, l'orchestre et les conditions du spectacle sont au centre de cette étude dont l'approche est tout autant auditive que visuelle: qu'entendent et que voient en 1891 des spectateurs qui, pour une très large part, assistent à une représentation d'un opéra de Wagner pour la première fois? Loin d'entraîner des troubles identiques à ceux que la capitale avait connus à l'occasion d'une unique représentation de Lohengrin en 1887, les mises à la scène de 1891 attirent un public nombreux sur lequel s'opère une fascination que l'on tentera de comprendre. Plus largement, cet ouvrage revient sur l'introduction du wagnérisme en France et sur les rapports compliqués qu'entretiennent les deux pays voisins après la guerre de 1870.

Avant d'être un art, avant d'être une industrie, le cinéma est d'abord une technologie. Bien qu'on en reconnaisse généralement l'importance, la dimension technologique du cinéma a pourtant longtemps été négligée par les chercheurs, qui y voyaient un objet d'étude trop " praticopratique ", sujet à d'inquiétantes dérives déterministes, voire " fétichistes ". Cet ouvrage va à contre-courant de ces idées reçues et participe plutôt du nouvel intérêt pour la technologie qu'a suscité, notamment, l'envahissement par le numérique de toutes les sphères de la production et de la diffusion cinématographiques. En effet, l'abandon désormais généralisé du " dispositif de base " autour duquel s'est érigé le médium nous amène à reconsidérer la place qu'occupent les techniques et les technologies, dans notre façon non seulement de faire des films, mais aussi d'appréhender, de penser le cinéma. Loin de s'arrêter aux innovations récentes, toutefois, les auteurs réunis ici interrogent, sous un angle à la fois historique, théorique, esthétique et épistémologique, diverses manifestations qui mettent en relief cet ancrage technologique complexe: depuis les " photographies animées " produites chez Edison et Lumière, jusqu'aux images retouchées numériquement, en passant par le cinéma olfactif ou certains classiques de l'animation et du film noir, les transformations technologiques n'ont semble-t-il jamais cessé de redéfinir les modalités du cinéma. En faisant ainsi se côtoyer différentes époques et perspectives d'analyse, les quatorze contributions de ce livre dessinent les contours d'un champ d'études en pleine ébullition et interrogent avec originalité un enjeu crucial de la réflexion cinématographique actuelle.

Le parcours de Charlotte Delbo (1913-1985), femme de lettres et assistante de Jouvet, est exceptionnel. Résistante, déportée à Auschwitz-Birkenau puis à Ravensbrück, elle survit. Ainsi que l'écrit Joël Huthwohl dans la préface de cet ouvrage, " il y a soixante-dix ans s'ébranlait le convoi du 24 janvier. Il y a quarante-huit ans paraissait Aucun de nous ne reviendra. Il y a vingt-huit ans elle mourait. Insensiblement sa vie s'éloigne comme disparaissent ceux qui disaient: "pendant la guerre, je...", "à Auschwitz, nous...". [...] Nous passons avec une certaine appréhension le seuil fragile après lequel nous continuerons sans les témoins ". Il s'agit donc d'assurer la transmission de son œuvre, mission que s'était donnée Claudine Riera-Collet (aujourd'hui décédée) fondatrice de l'association Les Amis de Charlotte Delbo et à l'initiative du colloque international de mars 2013 à la BnF et à la Comédie-Française. On limite souvent son œuvre aux textes sur la déportation, or elle traite aussi des événements de son époque. Son entrée officielle dans la littérature se fait avec Les Belles Lettres (1961) recueil de textes contre la guerre d'Algérie. Suit, le premier tome de la trilogie d'Auschwitz et après: Aucun de nous ne reviendra (1965), écrit à son retour en 1945. Avec Le Convoi du 24 janvier (1965), la trilogie fait saisir l'horreur de la barbarie mais aussi la solidarité des déportées qui se soutiennent dans la détermination d'un acte à accomplir: rentrer pour porter ce qu'elles ont vécu à la connaissance du monde. À l'avant-garde des recherches esthétiques de l'après-guerre, sa recherche formelle, marquée par sa rencontre avec Jouvet, la conduit vers une écriture à dire et à entendre. Elle choisit progressivement le théâtre et la poésie pour rendre compte de l'irreprésentable d'Auschwitz: Qui rapportera ces paroles? (1966), Et toi, comment as-tu fait? (1971). Ces textes, avec Ceux qui avaient choisi, Les Hommes, Kalavrita des mille Antigone, La Mémoire et les jours, portent la trace de la séparation brutale de nombreux couples sous les régimes totalitaires. Cet ouvrage, fruit du colloque et de l'année de commémoration de sa naissance, aborde plusieurs thèmes qui le structurent en trois parties (" L'engagement ", " Écriture et témoignage ", " Le théâtre: écrire pour la scène ") dans lesquelles poésie, littérature, théâtre se questionnent et s'enrichissent permettant de saisir dans sa pluralité l'impact actuel de l'œuvre qui ne peut se réduire à une approche disciplinaire stricte et qui, au-delà du témoignage, fait surgir une vérité encore difficilement écoutable.

L'Histoire moderne des arts s'est interrogée de manière récurrente sur les relations entre le théâtre et le cinéma. Or cette question désormais classique a souvent été réduite à celle des transferts et adaptations entre les deux arts. Il s'agit ici de dépasser cette approche traditionnelle en s'intéressant aux représentations que ces deux pratiques se font l'une de l'autre, à la façon dont ces idées du théâtre et du cinéma nourrissent les processus de création et de réception de l'autre art. L'enjeu n'est donc pas, à travers une étude des emplois du théâtral au cinéma et du cinématographique au théâtre, de définir une supposée essence propre à chaque art dont l'autre pourrait s'emparer, mais d'appréhender un mécanisme commun à ces deux formes de représentation. La théâtralité au cinéma et la cinématographicité au théâtre sont alors à envisager comme des dynamiques, travaillant la forme et inspirant les partenaires de la relation artistique, comme une double polarité introduisant au sein de chaque type d'illusion une tension, un jeu autorisant à la fois prise de distance et ouverture du champ de l'interprétation. Pour déplacer la perspective, cet ouvrage fait ainsi dialoguer chercheurs en études théâtrales et cinématographiques autour de questions transversales : l'imaginaire du corps, les processus créatifs hybrides, la confrontation des deux imaginaires au sein d'un système axiologique, et le rôle de l'analogie théâtrale ou cinématographique dans la réception.