Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale: il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question: au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion? Dans la mesure où cette question engage les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

L'ouvrage explore le paysage photographique des origines (vers 1850) à nos jours, des paysages des frères Bisson aux artistes actuels comme Walter Niedermayr, Jean-Marc Bustamante ou Éric Bourret. Il déploie la triple thèse suivante : 1) le paysage photographique achève ou accomplit l'ensemble du genre du paysage tel que la peinture l'a inventé à la Renaissance ; 2) en l'accomplissant, le paysage photographique se libère de la tradition paysagère elle-même et ouvre au paysage un champ indéterminé d'inventions presque infi nies dont les études rassemblées ici explicitent quelques-unes des possibilités ; 3) cette continuité et cette rupture créent ainsi un paysage " sans qualité " selon l'expression de Robert Musil, paysage dont la polymorphie alimente les autres arts et la créativité de l'art contemporain. Voilà pourquoi le livre dessine un parcours permettant d'articuler — c'est son originalité — invention du paysage pictural, invention du paysage photographique et inventions photographiques du paysage. L'ouvrage fondamentalement pluridisciplinaire entend se plier à la logique photographique elle-même qui permet d'engendrer de nouvelles images non picturales, des images machinées, non métaphoriques, profondément documentaires, et dont la reproductibilité permet un archivage du réel, une exploration de nouveaux territoires naturels ou urbains, la multiplication infinie de points de vue sur eux.

Le livre explore, sous la forme d'un cercle ou plutôt d'un pli, à la fois la théorie mallarméenne de la musique, sa mise en pratique poétique, et les compositeurs qui mirent Mallarmé en musique: principalement Debussy, puis Boulez qui en fit le cœur de son entreprise. Il tente ainsi de clarifier le sens artistique, poétique, historique, esthétique et philosophique de la référence constante de Mallarmé à la musique et d'examiner à cette aune les musiques qui se réfèrent au poète. Par-delà l'analyse de ces musiques " mallarméennes ", il s'attache à comprendre la part de l'esthétique musicale et la part de l'esthétique tout court que Mallarmé rend possible pour l'art contemporain. Musiciens, musicologues, littéraires, philosophes, théoriciens et historiens des arts se réunissent ici afin de cerner toutes les dimensions du paradoxe que le poète et théoricien de la littérature énonçait en 1893 : " Tout est là. Je fais de la Musique. " Par ce paradoxe, Mallarmé semble conférer à la poésie, à la musique et sans doute aux autres arts, la hantise de la stabilité et la joie de formes foncièrement ouvertes. Cette hantise et cette joie paraissent toutes les deux adéquates à l'époque de crise ou " d'interrègne " que diagnostiquait Mallarmé et qui est encore la nôtre aujourd'hui.

Le grand pianiste canadien Glenn Gould (1932-1982) qui arrêta à 32 ans tout concert public pour se consacrer exclusivement au disque, écrivait dans un article de 1966: " L'influence de l'enregistrement sur l'avenir de la musique n'affectera pas simplement l'interprète et l'impresario, mais aussi les compositeurs, les ingénieurs, les techniciens, les critiques et les historiens. Par-dessus tout, l'enregistrement affectera l'auditeur vers lequel finalement toute cette activité est dirigée. " Ce sont ces changements que le présent ouvrage voudrait repérer et analyser. Pour ce faire, le musicologue, l'ethnomusicologue, l'historien des arts contemporains et des techniques d'enregistrement, le producteur de disques, l'ingénieur du son, le directeur artistique, le musicien, le théoricien du cinéma, le philosophe enfin (de l'ontologie de l'œuvre d'art, de l'expérience esthétique, de l'art et de ses fonctions) sont ici convoqués en vue d'un dialogue sur un objet qui les concerne tous et qui concerne tout lecteur dès lors qu'il veut comprendre son monde sonore, musical et cinématographique contemporain.

Comment penser un film de fiction à partir des œuvres d'art qui s'y trouvent sous la forme d'objet, de représentation, de projet, de performance ou d'événement ? À l'inverse, comment penser les œuvres et les arts non filmiques à partir du cinéma qui les met en scène, en images et en récit ? C'est à ces deux questions reliées circulairement qu'est consacré cet ouvrage collectif où dialoguent historiens, théoriciens, critiques et esthéticiens du cinéma. Dans ce dialogue ouvert et pluridisciplinaire, le lecteur cernera d'abord les principales opérations, fonctions, modalités et portées de ce jeu baroque – souvent fascinant – d'emboîtements et de citations par lequel le film de fiction se laisse nourrir, creuser, perturber, altérer, hanter par d'autres œuvres d'art que les œuvres cinématographiques elles-mêmes. Il verra ensuite, et en retour, comment les œuvres littéraires, plastiques, musicales, chorégraphiques, architecturales, théâtrales que les fictions filmiques utilisent, se laissent éclairer par la lumière propre du cinéma.

Cet ouvrage est la première tentative de discussion des thèses, des arguments et des enjeux de la pensée esthétique de Gérard Genette. En croisant les regards des philosophes et des esthéticiens avec ceux des théoriciens des différents arts (littérature, musique, cinéma, arts visuels), il s'attache à comprendre et à évaluer l'importance d'un projet philosophique original du point de vue de la généralité de la théorie mais aussi du point de vue de la singularité des arts et des œuvres. Le livre est complété par un entretien de 50 minutes avec Gérard Genette (De Figures à Codicille, DVD).

" Pouvais-je me livrer à de savantes dissertations sur la musique de Bach alors que j'ignorais ce qu'est au juste une œuvre musicale ? […] Je fus amené ainsi par la force des choses à écrire cet " Essai d'esthétique musicale " qui n'est donc pas une construction abstraite mais procède d'une réflexion systématique sur les compositions de Bach et s'efforce de maintenir avec elles un contact étroit. " Publié en 1947, épuisé depuis plus de 20 ans, cet essai est un grand livre : un grand livre de philosophie de la musique mais, plus fondamentalement aussi, un grand livre de philosophie de l'art.

Que dit le cinéma sur la naissance des œuvres, qu'elles soient celles des autres arts ou les siennes propres ? Pourquoi et en quels sens le cinéma est-il un instrument privilégié et fécond d'observation, d'analyse et d'interprétation de la genèse des œuvres d'art ? Ce volume explore concrètement comment le film analyse ou évoque l'acte de création.

Cet ouvrage propose la première traduction française du traité L'Artusi, ou des imperfections de la musique moderne que le chanoine Giovanni Artusi fit paraître à Venise en 1600. Ce traité plonge le lecteur contemporain, qu'il soit ou non musicien, au cœur d'une des querelles artistiques les plus importantes de l'histoire de la musique puisque s'y inventent, dans le dialogue des arguments de deux personnages, la pratique, l'écoute et la pensée de la musique moderne.