p.p1 {margin: 0.0px 0.0px 2.0px 0.0px; font: 16.0px 'Helvetica Neue'}Cet ouvrage s'attache à l'analyse de la production cinématographique, ses usages et sesreprésentations dans l'URSS en guerre au cours d'une décennie cruciale de l'histoire duxxe siècle. De 1939 à 1949, l'URSS passe du pacte germano-soviétique et du partage de laPologne à l'invasion nazie, aux défaites puis à la victoire de 1945, enfin à l'occupation de lapartie orientale de l'Europe. Le cinéma soviétique, son industrie comme ses procédures decréation, connaît alors une profonde mutation: à la nécessité de documenter la guerre etses horreurs, de soutenir le moral de la population et susciter la résistance à l'envahisseurpar des fictions mobilisatrices succède la célébration de la victoire sur le nazisme. Pouvoirpolitique, responsables et professionnels des studios ont travaillé ensemble à l'élaborationd'un grand récit stalinien qui cherche jusqu'à aujourd'hui à imposer son monopole sur lesens de la guerre à l'Est.

Palme d'Or au Festival de Cannes 2018, cinéaste indépendant mais commercial, Koreeda Hirokazu est une figure majeure du cinéma japonais. Son œuvre est parcourue par une exploration méthodique des enjeux rencontrés par ses contemporains, au Japon et plus largement dans nos sociétés de capitalisme avancé.Connu et reconnu au Japon et à l'international comme le cinéaste de la famille, ses chroniques les plus célèbres – Nobody Knows, Tel père, tel fils, Une affaire de famille, Les Bonnes Étoiles… – comme ses films de genre – Air Doll, The Third Murder, L'Innocence… – ne se contentent pas d'aborder la famille au niveau thématique.C'est en adoptant le point de vue de populations habituellement invisibilisées – les femmes, les enfants, les personnes âgées – que ses films agissent sur les réalités sociales de leur époque. Cet ouvrage interroge les potentialités du cinéma en histoire sociale et explore le pouvoir des films en tant que réponse aux angoisses sociales contemporaines, voire comme outil que chaque spectateur et spectatrice est susceptible de se réapproprier.La mise en place de ces points de vue alternatifs, notamment, permet à Koreeda de créer par son œuvre un espace propice à une réappropriation des questions sociales et à un réagencement de notre rapport au réel et à autrui, comme le ferait la famille idéale. Mais famille idéale ne signifie pas famille parfaite.

p.p1 {margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; text-align: justify; font: 13.0px 'Helvetica Neue'}Le nouveau numéro de 1895 revue d'histoire du cinéma (n°104, Hiver 2024) est un varia. En " Point de vue ", Laurent Véray s'interroge sur les dangers que fait courir l'I.A. aux images d'archives. En " Études ", Elisabeth Magotteaux examine la réception que reçut Ballet mécanique de Fernand Léger aux États-Unis et au Canada dans les années 1930-1940 et l'influence qui fut la sienne. Jean-Pierre Berthomé s'affronte à la rude tâche d'identifier les lieux de tournage d'Othello d'Orson Welles. Alessia Botani revient sur un moment particulier de l'histoire des festivals et des cinémathèques avec le Festival du film de demain (Bâle, 1957). En " Archives ", Rafael Zanatto analyse le rôle qu'a joué Georges Sadoul dans le développement de l'historiographie du cinéma brésilien. Les " Chroniques " rendent compte de festivals, colloques, livres et DVD. Enfin la revue rouvre le dossier " musée du cinéma en France " après la tribune de Costa-Gavras et la réponse de la ministre de la Culture. Avec deux collages inédits de Jean-Michel Alberola et une riche iconographie.

La Nouvelle-Aquitaine est une région cinématographiquement attractive. Après un premier volume consacré aux imaginaires des territoires, ce volume dresse un état des lieux inédit des politiques engagées en faveur du cinéma et de leurs effets, de la cartographie des tournages, des types de territoires représentés et des circulations d'un territoire à l'autre. Afin de montrer comment les fictions cinématographiques et télévisuelles parcourent les paysages néo-aquitains, l'ouvrage rassemble les contributions d'universitaires (économistes, géographes, spécialistes de cinéma) et de professionnels tels que le responsable du Bureau d'accueil des tournages de Dordogne et les réalisateurs Xabi Molia et Rodrigo Sorogoyen.

Le dossier du n°51-52 est consacré à la cinéaste française Céline Sciamma, réalisatrice de cinq longs métrages qu'elle a également écrits, sortis entre 2007 et 2021. Au cours de sa carrière, Sciamma a également collaboré à l'écriture du scénario pour les films d'autres réalisateur·ice·s, dont André Téchiné (Quand on a 17 ans, 2016), Jacques Audiard (Les Olympiades, 2021) et Noémie Merlant (Les Femmes au balcon, 2024), ainsi que Claude Barras pour le film d'animation Ma vie de Courgette (2016).Si ses trois premiers films – Naissance des pieuvres (2007), Tomboy (2011) et Bande de filles (2014) – connaissent un important succès, c'est avec le quatrième, Portrait de la jeune fille en feu (2019) que Céline Sciamma acquiert une notoriété internationale et que son œuvre devient le symbole de luttes féministes et queer. Son cinquième – et à ce jour dernier – long métrage, Petite maman (2021), poursuit l'exploration du thème de la sororité – à comprendre dans un sens large – déployé tout au long de sa carrière.Ce dossier offre une multiplicité de points de vue sur l'œuvre de Céline Sciamma en donnant autant la parole à de jeunes chercheur·se·s qu'à une autre figure féministe du cinéma militant – la suissesse Danielle Jaeggi – et à Sciamma elle-même, grâce à un entretien portant sur son parcours où elle déploie son regard sur l'état du cinéma et réfléchit à son propre engagement dans ce milieu.Résumé des articlesPrenez le temps de me regarder. À propos de Portrait de la jeune fille en feuDanielle JaeggiLa cinéaste suisse militante Danielle Jaeggi – réalisatrice notamment de Pano ne passera pas (1969) et de La Fille de Prague avec un sac très lourd, 1979 – propose une lecture personnelle du plus célèbre film de Céline Sciamma, centrée autour de la question du regard et de l'inscription du film dans un historique des combats féministes.Inventer un langage commun pour projeter des harmonies futures: entretien avec Céline SciammaCoralie Lamotte et Achilleas PapakonstantisDans cet entretien-fleuve, Céline Sciamma revient sur l'ensemble de sa carrière, détaillant ses motivations profondes, ses valeurs et ses choix, portant un regard lucide, parfois incisif à la fois sur ses propres films, sur l'état du cinéma et les dynamiques à l'œuvre au sein de ce milieu.Le pouvoir tentaculaire du désir. Re-mise en scène de dynamiques patriarcales et d'alliances sororales dans Naissance des pieuvres.Achilleas PapakonstantisEn se concentrant sur le premier film écrit et réalisé par Sciamma, Naissance des pieuvres, Achilleas Papakonstantis entend éclairer la manière dont la mise en scène du film prend pour objet la mise en scène préexistante de la société hétéropatriarcale et néolibérale en France du début du XXIe siècle. En mobilisant le concept sociologique de " capital sexuel ", l'auteur examine plus attentivement les stratégies de représentation du personnage de Floriane (interprété par Adèle Haenel).Bande de filles: stéréotypes racistes ou regard féministe?Salima TenficheDans son article, Salima Tenfiche mène une analyse de la réception clivée de Bande de filles, en s'attachant à des sources généralement ignorées, à savoir les blogs féministes et les réactions du public. S'interrogeant sur les raisons du rejet du film par une partie des personnes directement concernées par les représentations que celui-ci met en scène, l'autrice pose la délicate question de la légitimité des créateur·ice·s sur un terrain socialement et politiquement miné.Visions of Ecstasy. Résilience et mélancolie dans les séquences musicales de Bande de fillesAlice PemberLa contribution d'Alice Pember offre un point de vue complémentaire sur la réception de Bande de filles, en s'intéressant pour sa part aux moments musicaux du film et à la façon dont ils véhiculent un discours beaucoup plus ambivalent – entre résilience et mélancolie – que la plupart des lectures ont pu le laisser paraître.Le rythme dans la mise en scène de Céline Sciamma: expression individuelle, relationnelle et sociétale Sacha PeluchonEn s'appuyant sur l'analyse de l'ensemble des films de Sciamma et en sollicitant une riche littérature issue de l'anthropologie et de la philosophie, Sacha Peluchon montre comment l'élément rythmique structure l'œuvre de la cinéaste, et tout particulièrement la caractérisation de ses personnages, leurs relations et leur rapport à la société.Jeux d'enfants: fonction et pouvoir des activités ludiques dans le cinéma de Céline SciammaCoralie LamotteCoralie Lamotte analyse l'importance du jeu à la fois au niveau symbolique, narratif et de la mise en scène dans les deux longs métrages de Céline Sciamma dont les protagonistes sont des enfants – Tomboy et Petite maman. Elle suggère que les activités ludiques, loin d'être considérées comme un motif anodin de l'enfance, possèdent dans ces films un rôle identitaire et relationnel majeur.Jouer ou ne pas jouer: la direction d'actrices chez Céline Sciamma, entre réalisme et stylisationAlexandre MoussaL'article d'Alexandre Moussa se concentre sur le statut et le jeu des actrices dans les films de Sciamma. En revenant sur les méthodes de casting et les choix des interprètes et en analysant en détail leurs performances, il met en évidence une certaine rupture entre les trois premiers films de la cinéaste et les deux suivants, notamment à l'égard des dialogues.Un autre ordre du regard. La peinture et le cinéma dans Portrait de la jeune fille en feuTainah Negreiros de SouzaConjuguant son expérience de chercheuse et de peintre, Tainah Negreiros de Souza offre un regard original sur Portrait de la jeune fille en feu. À partir de l'analyse des tableaux du film et de la représentation de l'acte de peindre, l'article met en dialogue différents contextes historiques et propose des associations entre plusieurs courants picturaux, apportant ainsi une nouvelle perspective aux discussions qu'a pu provoquer ce film au sujet du regard et des représentations dans les arts visuels.

Le dernier numéro de 1895 revue d'histoire du cinéma (n°103, automne 2024) est en partie consacré à la question du travail. Il est introduit par Guilherme da Silva Machado qui analyse les dispositifs esthétiques de contrôle dont participe le cinéma. Deux études de cas examinent l'un, la mise en scène du travail dans les mines et la sidérurgie dans une perspective pédagogique (Nadège Mariotti), l'autre, les films de commande et le façonnage de la psychologie ouvrière selon Charles Dekeukeleire (Mathilde Lejeune). En Archives est publié un scénario inédit de Robert Linhart pour une série d'émissions télévisées. En outre ce numéro publie une réflexion philosophie de Ioulia Podoroga sur la photogénie du gros plan à partir de Bergson et un scénario inédit de Jean-Luc Godard, Odile, présenté par Michel Gribenski et la présentation d'un fonds d'archives inédit ayant appartenu à Ivan Mosjoukine. La rubrique des Chroniques présente des comptes rendus de festivals, colloques, expositions et livres et DVD, parmi lesquels le Napoléon d'Abel Gance.

Prenant pour point de départ le film Syncopation (William Dieterle, 1942), Les émigrés, le jazz et Hollywoodest un ouvrage d'histoire culturelle du jazz à Hollywood vu depuis l'angle original qu'est le regard porté par les artistes émigrés sur cette question. En 1942, le réalisateur émigré d'origine allemande William Dieterle réalise l'un des trois films hollywoodiens du début des années 1940 consacrés à l'histoire du jazz aux États-Unis. La production du film Syncopation - film qui entend retracer l'histoire de l'Amérique à partir de l'histoire du jazz -interroge ainsi plus largement les ressorts du traitement de cette musique au cinéma et les représentations africaines-américaines que cette musique charrie pour des émigrés européens en Amérique.Cet ouvrage se distingue de ces autres travaux par le lien original qu'il établit entre la présence d'artistes émigrés à Hollywood, leur rapports antérieurs au jazz africain-américain sous la République de Weimar et les usages politiques qu'ils font du réemploi de cette musique une fois émigrés aux États-Unis. Il s'agit ainsi de mettre au cœur du propos l'impact des circulations, notamment transatlantiques, de la musique de jazz issue de l'arrivée des jazzmen africains-américains en Europe dans les années 1920 et de combler le manque d'études qui abordent de manière transatlantique et transdisciplinaire le jazz au cinéma et ses transferts culturels sur le temps long de l'entre-deux-guerres et du second conflit mondial.Ainsi, en faisant de l'émigration un angle d'analyse, cet ouvrage examine de façon nouvelle et nécessaire la manière dont les émigrés se sont emparés de cette musique et la fonction qu'ils assignent au jazz et à ses représentations africaines-américaines dans le contexte de la Seconde Guerre mondiale.

Dans le numéro 102 de 1895 revue d'histoire du cinéma on trouve deux ensembles de textes autour d'Alice Guy et de John Ford. La première est au centre depuis quelques années d'une " réévaluation " qui a ouvert une polémique à l'endroit des historiens du cinéma qui auraient occulté la " première femme metteur en scène ". Les trois articles retournent aux sources, aux faits, à la documentation et montrent que ce n'est pas à cause des historiens qu'Alice Guy est restée mal connue du public mais malgré leurs travaux et malgré plusieurs moments de promotion dans l'édition, la presse, la télévision – en particulier après 1945. L'engouement actuel est donc à interroger en tant que demande sociétale. Quant à John Ford, le processus contradictoire de sa reconnaissance en France en tant qu'auteur et le rôle que la critique britannique a joué pour ouvrir les yeux de la française est retracé, ainsi que les rapports du cinéaste avec la censure. En outre une étude s'attache à la carrière en Russie d'un employé de Charles Pathé, Maurice Hache entre 1907 et 1913, tandis que dans la partie Archives le fonds Chantal Akerman est exploré et les usages possibles que l'on peut en faire. Les Chroniques s'attachent aux colloques, ouvrages et publications concernant l'histoire du cinéma.

Cet ouvrage collectif propose de traiter quelques aspects de la question du genre dans une sélection de films et séries anglophones sous différents angles incluant la critique post-mulveyienne, la déconstruction des normes genrées, la masculinité, les films de genre et la réception des œuvres. Il répond à l'intérêt toujours croissant du monde universitaire et du public pour ce domaine en constante évolution, permettant l'analyse de films de différentes époques, des années 1930 à aujourd'hui, sous un jour nouveau. Les films et séries ont de tout temps traité des relations genrées comme le miroir d'une époque, d'un climat socio-politique, d'une ère culturelle ou de mutations sociétales, devenant le terreau d'un champ d'étude foisonnant dont cet ouvrage donne un aperçu.

Comment le silence agit-il au cinéma? Qu'est-ce qui permet d'identifier ce phénomène? Implique-t-il la disparition intégrale de la matière sonore ou seulement sa minimalisation à l'intérieur d'un film? Son intervention, ponctuelle ou durable, tend à engager une raréfaction, voire une suppression, des paroles et de la musique, mais pas forcément de tout bruit. Des lieux particulièrement silencieux, ainsi que le mutisme ou la surdité d'un personnage, sont également propices à l'instauration de telles situations audiovisuelles.Cet ouvrage analyse, à travers une approche généalogique et herméneutique, la présence du silence dans le cinéma contemporain sur le double principe d'héritages figuratifs et de ruptures discursives. Il s'appuie sur un corpus de films réalisés entre autres par Robert Bresson, Marguerite Duras, Andrei Tarkovski, Theo Angelopoulos, Tsaï Ming-liang, Béla Tarr, Pedro Costa ou Sharunas Bartas. Au-delà des considérations esthétiques, le livre interroge aussi les valeurs anthropologiques, morales, sociales et/ou politiques qui se glissent derrière ces manifestations concrètes du silence. Celui-ci nous invite, tant sur le plan éthique que sensible, à repenser notre rapport fondamental au monde.

Le dernier numéro de 1895 revue d'histoire du cinéma (n°101, hiver 2023) est centré sur des questions liées à la restauration des films avec une réflexion liminaire de Marie Frappat évoquant un " au-delà de la restauration " dont la contribution d'Enrico Camporesi donne une des modalités en ce qui concerne le cinéma expérimental, " Projeter e(s)t restaurer ". Mauro Piccinini enquête de son côté sur la " paternité " plurielle de Ballet mécanique à partir de sa genèse qui voit se croiser Ezra Pound, Man Ray, Fernand Léger, George Antheil, Dudley Murphy. Dans la partie Archives, Bernard Bastide nous fait découvrir Jean-Paul Boyer, technicien pionnier de la restauration des films et il ouvre le dossier de la restauration de la Femme et le Pantin de Baroncelli. Lilia Lustosa évoque la mission Suckdorff au Brésil sous l'égide de l'Unesco, au moment de la naissance du Cinema Novo, et ses ambiguïtés néo-coloniales. Jean-Michel Alberola livre un collage et Riwan Tromeur un portfolio d'œuvres plastiques sur le thème du film. La partie Chroniques publie des comptes rendus d'expositions, de livres et de DVD.

Sonimage – à comprendre comme l'articulation de sons et d'images et comme " son image ", la sienne propre – est un collectif de production audiovisuel fondé et animé par Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville en 1973. Choisissant la périphérie (Grenoble, puis Rolle) contre le centre (Paris), l'ambition de cette structure consiste à se doter de moyens de production autonomes, qui ne sont pas dépendants des structures de financement du cinéma. Plusieurs films tournés en 16mm (Ici et ailleurs, 1976) ou 35mm (Comment ça va?, 1976) sont réalisés à cette enseigne. Mais l'investissement de la vidéo non professionnelle paraît comme l'accomplissement le plus remarquable de Sonimage: Six fois deux, Sur et sous la communication (1976) et France/tour/détour/deux/enfants (1978) réinventent la conception de l'émission télévisuelle, en donnant la parole à des personnes non médiatisées. Des spécialistes suisses, français, canadiens et mexicains éclairent les enjeux de cette œuvre réalisée à deux et l'utopie de l'autogestion qui la sous-tend, en se focalisant à chaque fois sur un film ou une série d'émissions. Deux entretiens complètent l'ensemble (avec le technicien vidéo qui a permis à Godard et Miéville de s'équiper et avec le cofondateur de l'atelier Cinéma/Video à l'Ecole supérieure des arts visuels de Genève).