Cet ouvrage collectif propose de traiter quelques aspects de la question du genre dans une sélection de films et séries anglophones sous différents angles incluant la critique post-mulveyienne, la déconstruction des normes genrées, la masculinité, les films de genre et la réception des œuvres. Il répond à l'intérêt toujours croissant du monde universitaire et du public pour ce domaine en constante évolution, permettant l'analyse de films de différentes époques, des années 1930 à aujourd'hui, sous un jour nouveau. Les films et séries ont de tout temps traité des relations genrées comme le miroir d'une époque, d'un climat socio-politique, d'une ère culturelle ou de mutations sociétales, devenant le terreau d'un champ d'étude foisonnant dont cet ouvrage donne un aperçu.

Référentiel, réflexif, métaphorique constituent un échantillon des expressions et concepts employés pour qualifier les films de Tim Burton, attestant du lien qui unit ce corpus à l'histoire de son art et à son époque. Partant de ce constat, cet ouvrage formule l'hypothèse que cette filmographie constitue un cinéma de la ré-imagination – le cinéaste utilise d'ailleurs lui-même ce terme pour définir l'approche conceptuelle de son cinéma.Ses films, conçus comme des boîtes à jouets rassemblant souvenirs, imagination et pièces intactes, mettent en scène ces différents éléments en tant que base formelle des ré imaginations burtoniennes. Ils s'entremêlent au sein d'une même image, tout au long d'un fil narratif parfois ténu. En adoptant des procédés cinématographiques et filmiques ramenant vers des âges antérieurs du septième art et rattachant les intrigues au domaine de l'imaginaire par l'intermédiaire de manifestations mentales, Tim Burton construit un cinéma ancré dans le passé qui aspire à reconstituer le royaume de l'enfance.

La culture italo-américaine à l'écran/Italian American Culture on Screen est un ouvrage collectif bilingue composé de huit chapitres écrits par des universitaires français et américains spécialistes d'études audiovisuelles. Il a pour vocation d'offrir une meilleure visibilité de ce champ d'étude en France. Les articles réunis traitent de la représentation de cette culture historiquement liée au cinéma en adoptant une approche tant esthétique que sociologique et historique. Ils abordent certains grands thèmes de la culture italo-américaine à l'écran: le devenir des stéréotypes dans les films et séries récents, l'immigration, la gastronomie, le jeu d'acteur, les gangsters et les flics, le western spaghetti revisité par Quentin Tarantino, et enfin les séries télévisées et la téléréalité exploitant ou prenant à revers les clichés dont cet ouvrage fait l'inventaire.

Grâce à sa quête permanente de " choses qui enflamment [son] imagination ", Jim Jarmusch occupe une place singulière dans le cinéma postmoderne américain et international. S'inspirant méticuleusement et avec enthousiasme de littérature, de philosophie, des arts visuels, de cartoons, de chansons et de musique, peintre des cultures et des paysages de l'ailleurs qui se veut à l'écoute des langues et accents du monde, Jarmusch cherche à " confondre et brouiller les éléments apparemment disparates " pour créer beauté et poésie.Depuis plus de trois décennies, un comique décalé, une narration contemplative, une structure épisodique, une intertextualité soulignée et des références transculturelles décrivent la condition humaine avec un désenchantement contenu et un ravissement distancié. Les 16 articles (rédigés en français et en anglais) qui composent Les variations Jarmusch réinterrogent l'éthique et l'esthétique de l'un des cinéastes les plus originaux d'Indiewood.

Jean, Antoine, Mouchette et les autres évoque de célèbres enfants de cinéma : au premier chef ceux de Jacques Feyder, de François Truffaut, de Robert Bresson… La plupart des analyses portent sur un film, exclusivement, mises à part les œuvres citées dans l'avant-propos qui précise les intentions et orientations majeures, et celles des chapitres thématiques, tels " L'enfant des tréteaux ", ou encore " Bandes enfantines ", qui engagent davantage les enfants dans des collectifs (Les Mistons de François Truffaut, La Récréation de Paul Carpita, Zéro de conduite de Jean Vigo, La Guerre des boutons d'Yves Robert…). D'un film à l'autre se nouent des liens subtils, plus ou moins manifestes, entre les différents destins enfantins. Parmi les annexes figurent des extraits d'une table ronde radiophonique à France Culture autour de laquelle Françoise Heitz et Patrick Louguet s'entretiennent d'enfance au cinéma avec le philosophe Raphaël Enthoven. L'originalité de l'ouvrage réside aussi dans ses illustrations, dessins évocateurs, à l'encre, réalisés avec un calame par l'artiste Philippe Louguet.

Caractère unique ou polysémique, tronqué, éphémère ou tatoué, lettre d'amour ou de dénonciation, lettre perdue, égarée, retrouvée, oubliée, déchirée ou espérée, lettre-vidéo, ou courrier électronique, image palimpseste, la lettre emprunte mille formes pour interroger la création cinématographique. Après la littérature, le cinéma s'en empare, dès son origine, jouant de la missive comme ressort dramatique dans son rapport à l'espace et au temps et déjouant les difficultés de la monstration du caractère graphique dans le récit filmique.Si la lettre comme échange épistolaire au cinéma a déjà fait l'objet de plusieurs études, ce recueil entend s'arrêter plus particulièrement sur le signe graphique hantant ou structurant l'image cinématographique, sa présence et ses effets de sens, comme miroir et emblème de l'écriture filmique, entre mimésis et sémiosis. D'adjuvant technique quand elle supplée l'absence de parole, la lettre tend à devenir un élément de la plastique générale du film, au-delà du simple motif ou thème, voire un principe de mise en scène, passant du "?visible au lisible?", selon la formule de Deleuze. Participant à l'esthétique très travaillée de certains génériques, la lettre habite aussi le film dans son entier, laissant voir de manière plastique les ambiguïtés, les hésitations et les décisions des personnages, de façon d'autant plus signifiante quand ils sont eux-mêmes des artistes en phase de création. Certains réalisateurs en disséminent, voire en saturent leur œuvre, accentuant de cette manière les effets d'auto-citation et de reprises et la dimension réflexive de leur film. Ancrés dans l'alphabet personnel du créateur ou dans la mémoire collective, ces caractères balaient le champ de la communication entre les personnages mais aussi entre le réalisateur et le spectateur, témoin d'une énonciation en acte.C'est l'objet du présent volume, à travers une série d'études menant du muet au cinéma le plus contemporain, français ou étranger, du film expérimental au blockbuster, en passant par le documentaire ou le film d'animation que de représenter la lettre dans toutes ses acceptions et manifestations graphiques, plastiques ou esthétiques.

Comment expliquer le succès considérable des comédies loufoques américaines des années 1930? Rencontres, coups de foudre, ruptures, divorces, remariages… Ces vaudevilles sentimentaux ont répondu aux attentes d'une classe moyenne en plein essor, avide de libéralisation des mœurs, par des intrigues audacieuses, un humour verbal et le recours aux recettes du burlesque muet. Dirigées par des spécialistes du comique (Hawks, LaCava, Leisen, Ruggles…), incarnées par les stars les plus marquantes de cette décennie (Claudette Colbert, Irene Dunne, Clark Gable, Cary Grant, Katharine Hepburn…), elles forment la comédie screwball, " sous-genre " prolifique de l'entre-deux-guerres, qui continue d'inspirer aujourd'hui la " comédie romantique " au cinéma. Elle s'est fixée deux missions contestataires: railler les normes sociales et les représentants de l'ordre établi, et faire un sort aux clichés de la représentation du masculin et du féminin.À la croisée des travaux récents sur le classicisme hollywoodien et le genre au cinéma, cette étude appuyée sur un corpus de cent trente films replace la comédie screwball dans son contexte institutionnel et l'envisage sous son aspect le plus marquant: sa fonction communicationnelle et sociale. Sévèrement contrôlés par la censure interne hollywoodienne, ces films ont développé une esthétique verbale et visuelle spécifique, qui se traduit par une rhétorique du contournement et de l'atténuation. Le genre délivre aussi un message politique, en participant au débat démocratique avec ses interrogations sur les questions d'intimité, d'espace privé et public. Le discours amoureux et conjugal y réaffirme les valeurs fondatrices de la société américaine: la liberté d'expression, le libre consentement et l'engagement contractuel.

Ce recueil d'articles issu du colloque " Le Son au cinéma ", organisé à Arras en novembre 2008, vise à faire le point sur les utilisations du son au cinéma, en abordant des cinématographies que l'on a voulues les plus variées possibles. On y trouvera des contributions sur des cinéastes célèbres (Charles Chaplin, Fritz Lang, Robert Bresson, Stanley Kubrick), mais aussi sur des artistes moins connus du grand public, des artistes, cependant, dont l'œuvre est à la fois passionnante et féconde, comme le catalan Albert Serra ou Jean-Marie Straub et Danièle Huillet.La variété, mot d'ordre de ce recueil, apparaît dans les aires géographiques abordées : le monde anglo-saxon, la France, l'Espagne, l'Allemagne, sont évidemment bien représentés, mais ils côtoient également des cinématographies moins souvent étudiées, comme celles de Cuba, du Canada ou du Danemark.Variété également dans les périodes abordées : on constatera ici que le son du muet continue d'interroger nos perceptions ; que la transition du muet au parlant n'allait pas de soi, et ne va toujours pas de soi ; ou que le bruit du monde le plus contemporain, lorsque le cinéma y prête une attention raffinée, nous parle de notre histoire, de notre façon de voir le monde, et de nos autres formes artistiques.La nature des regards portés sur les œuvres est dominée par l'analyse proprement esthétique, qui est la raison d'être de ce volume, mais la technique est tout aussi passionnante, en particulier lorsque c'est un spécialiste tel que Riccardo Giagni, sound designer de Marco Bellocchio, qui nous en parle, en ouverture de ce volume foisonnant.

L'ouvrage Sensibles Proximités : les arts aux carrefours se propose d'établir les multiples liens d'hybridations et d'impuretés dans un nombre important de films de toutes périodes et de toutes origines, mais aussi par la prise en compte d'œuvres chorégraphiques, muséales et vidéographiques significatives de leurs parentés avec le 7e art.

Pourquoi l'enfant au cinéma ? C'est d'abord que l'enfant au 7e art renvoie à des figures concrètes, singulières, à des traits de visagéité, à des expressions tellement émouvantes qu'on en garde au fond de soi les traces les plus vives. L'enfant au cinéma nous renvoie au problème du temps, envisagé de manière différente selonles civilisations qui l'ont façonné ; il interroge notre mémoire, individuelle et collective, il interroge nos " premières fois ".De plus, en tant qu'enfant-acteur ou enfant-spectateur, dans sa dimension de victime monstrueuse ou de bourreau angélique, il interroge aussi notre regard d'adulte. Le binôme innocence / perversité est ainsi porteur d'innombrables fi gures, où l'ambiguïté de l'enfant, la crainte que son univers parfois opaque inspire à l'adulte sont pleinement manifestées. L'intériorité de l'enfant au cinéma, révélée dans sa radicale différence d'interprétation du réel, peut donner à voir l'évanescence des critères moraux, mais aussi et surtout le brouillage symbolique qui fait toute la richesse fi lmique ; l'esthétique des fi lms présentant une réalité traumatique oscille du drame psychologique à l'épouvante, du gothique au fantastique, d'où l'interrogation métaphysique n'est souvent pas absente.La richesse thématique et la variété géographique des oeuvres envisagées qu'il nous est proposé de découvrir ou de redécouvrir ici font de cet ouvrage un panorama précieux de l'enfant dans tous ses états cinématographiques.

La fatalité s'est exercée sur le cinéma d'animation de l'époque du premier franquisme : une activité industrielle très limitée, l'absence de moyens financiers, un marché trop restreint constituaient un sérieux handicap. De plus, un discours déjà contraint (autocensure oblige) se trouva condamné ensuite par la confidentialité de la distribution, la fragilité du support et la redoutable concurrence du génie de Walt Disney. Ce cinéma eut cependant le mérite d'exister et l'étude de ce corpus réduit permet d'appréhender un moment historique qui a joué un rôle déterminant dans la production artistique espagnole. Les trois fi lms en question sont Garbancito de la Mancha (sorti sur les écrans en 1945, il est le premier dessin animé de long métrage en couleurs, non seulement espagnol mais encore européen), Alegres vacaciones (Joyeuses vacances, 1948) et Erase una vez (Il était une fois, 1950). Par nombre de séquences d'une fraîcheur intacte, ces fi lms subvertissent en partie l'inactualité de l'univers social et idéologique dans laquelle ils sont ancrés. La pluralité des formes de décryptage (idéologique, psychanalytique, narratologique, esthétique) s'attache à mettre en valeur les différents niveaux sémantiques des oeuvres du corpus.

Entrer dans le cinéma par le biais de la ville : c'est le but que se fi xe cet ouvrage tout en proposant un vaste tour d'horizon de zones linguistiques et de genres cinéma tographiques variés. De Berlin à Moscou, de Barcelone à Santiago du Chili, de Madrid,Nevers, Hiroshima, New York, Los Angeles aux bourgades naissantes du western, aux métropoles imaginaires de la science-fi ction ou aux villes modernes de Jacques Tati, les communications de ce recueil croisent et complètent leurs approches. Sont ainsi présentés des travaux où l'aspect documentaire et/ou fictif des villes donne lieu à une réflexion sur les moyens esthétiques mis en œuvre par les cinéastes pour transformer la réalité par le biais de la stylisation, de la symbolique, de réminiscences intertextuelles, de l'adaptation des métaphores urbaines de la littérature, ou encore par une utilisation subjectivisée de tous les moyens de la représentation, parfois même jusqu'à transformer le tissu urbain en un tout organique dont la fiction présente l'harmonie ou, bien plus souvent, les pathologies. Les aspects sociaux et politiques de ce tout constitué par la ville, et en particulier ces maux très contemporains que sont la marginalisation, l'aliénation ou le terrorisme, permettent également, dans un jeu de va-et-vient, de mettre en question les principes esthétiques utilisés pour leur représentation dans diverses cinématographies du monde. Ce recueil se présente donc comme une confrontation de propositions visant à refl éter la multiplicité des perceptions et représentations de la ville au cinéma, dans le but de susciter des regards et des questionnements novateurs, peut-être même provocateurs, sur le cinéma, ses modes de représentation et ses influences.