René Passeron était d'abord un peintre-chercheur et un orateur captivant. C'est parce qu'il avait lui-même une pratique artistique soutenue qu'il a su initier et promouvoir une approche de la création fondée sur les processus instaurateurs plutôt que sur l'analyse de l'œuvre achevée, comme le fait en général l'esthétique traditionnelle.En réinventant la poïétique chère à Valéry et en y intégrant l'expérience surréaliste, il a développé une philosophie originale de la création qui s'élargit à tous les domaines où il y a fabrication d'œuvre. Toute sa vie, il a forgé des critères opératoires définissant une création (unicité; compromission de l'auteur; statut de quasi-personne de l'œuvre).Artiste habité à la fois par le tragique de l'existence et le merveilleux de la rêverie bachelardienne, sa quête ressemble à une traversée expérimentale, d'abord en faisant passer l'esprit surréaliste dans l'abstraction lyrique, puis par cette " force du réel " dans ses tableaux des corps enfouis, dans ces objets trouvés et recomposés, jusqu'à la pratique des inimages, son invention la plus singulière, qui s'est déroulée sur plusieurs décennies.Ce livre rassemble pour la première fois les contributions des acteurs essentiels de la longue vie de René Passeron, disparu en 2017. Ici les apports scientifiques et historiques entrecroisent les témoignages directs d'artistes et de poètes. Il comprend aussi des documents biographiques uniques et fait le point sur l'apport fondamental de ce philosophe-artiste.Ont contribué à cet ouvrage: Dominique Berthet, Dominique Chateau, Richard Conte, Yolaine Escande, Olivier Faron, Amos Fergombé, Michel Guérin, Marc Jimenez, Jean-Clarence Lambert, Jean Lancri, Jean-Claude Le Gouic, Brigitte NaHoN, Edmond Nogacki, Jean-François Robic, Maryvonne Saison, Olivier Schefer, Gilles A. Tiberghien, Rachida Triki, Hélène Virion.

La conférence dans l'art allie geste, texte et image en se réappropriant les formes discursives que sont les lectures, les visites guidées, les allocutions inaugurales, les cours magistraux sous forme de digressions poétiques, de conférences dansées et de théorisations théâtralisées ou filmées dans lesquelles la figure de l'expert est incarnée par l'artiste lui-même.En assimilant ainsi dans l'art des éléments propres à la transmission des savoirs, au discours du savant ou du " maître ", l'artiste métamorphose le rapport entre art et discours, le temps d'un moment partagé avec le public. De l'auteur/artiste au spectateur/élève, l'expérience irrigue la perception et la connaissance vers une autre prégnance du réel.Les textes rassemblés ici portent sur les enseignements de la conférence performance, du discours dans l'art et sur l'art, en faisant un détour sur la théâtralisation de la plaidoirie. Que nous apprennent ces performances? Qu'apporte l'art au discours et à l'enseignement?Outre une mise en question du rôle de l'enseignant, ces performances montrent l'importance de la présence de l'enseignant. La présence est à comprendre dans les deux sens du terme: le premier sens focalise sur la capacité à " avoir de la présence " pour capter l'attention du public, s'imposer, et le second sens, comme présence et rencontre entre différents acteurs, dans ce moment particulier où les visioconférences se multiplient dans la sphère de l'enseignement.Ainsi, ces conférences bousculent-elles notre passivité pour redonner souplesse et créativité à notre présence au monde.

C'est à travers la figure singulière du fantôme, regroupant sous cette rubrique tout un ensemble de phénomènes, que cet ouvrage interroge l'existence de ce qu'on pourrait appeler le paradigme fantomatique. Un modèle qui s'avère très insistant de nos jours et que l'on retrouve aussi bien dans le champ de la création que dans celui de la réflexion philosophique, de la médecine ou des sciences humaines. Or la particularité du fantôme, c'est sa capacité intrinsèque de remise en question de nos convictions identitaires, de nos relations réglées au temps et à l'histoire, ou encore de nos certitudes quant à notre appartenance même au monde des vivants. En bref, le fantôme ouvre à l'inquiétante étrangeté d'une altérité radicale au sein même de nos modes d'accès au réel.

Le récit de Shéhérazade dans celui des Mille et une nuits, sa reprise par l'artiste contemporain Sharif Waked dans une vidéo intitulée To be continued, les histoires que Jacques raconte à son maître dans le roman de Denis Diderot, certaines oeuvres d'Éric Rondepierre ou encore, dans le cas du film de fiction, la partie de tennis mimée à la fin du film Blow-up de Michelangelo Antonioni ont été parfois qualifiés de fictions secondes.Que recouvre cette expression? Au-delà de ces quelques exemples, quelles sont les œuvres artistiques, littéraires, cinématographiques, théâtrales susceptibles de fournir des cas d'étude pertinents? Quelles approches théoriques, narratologiques, visuelles sont susceptibles d'en cerner les configurations, les contours, les limites? L'enchâssement, la mise en abîme, la métalepse constituent-elles autant de figures appropiées ou simplement connexes?Autant de questionnements auxquels cet ouvrage tente de répondre autour de trois thèmes: la fiction seconde comme enchâssement, la fiction seconde et la théorie des mondes possibles, enfin la fiction seconde et les oeuvres artistiques.

Avec la précision de la fonction de l'art contemporain en tant qu'outil de recherche et d'amélioration de la société, la question du territoire et de son appropriation par les artistes prend de plus en plus d'ampleur. Si jadis le seigneur local invitait les peintres pour immortaliser les paysages de son domaine, aujourd'hui les nouveaux procédés sont mis en place par les artistes, comme par les curateurs pour initier des interactions entre les créateurs et le territoire sur lequel ils travaillent. Le lieu, la ville, le paysage, l'urbanisme et l'écologie locale restent bien entendu des thématiques récurrentes. Cependant, les nouveaux modes d'interaction avec les acteurs politiques et économiques, la coopération avec les habitants et la mise en place de réseaux locaux de créateurs, permettent aujourd'hui d'aller au-delà de la simple illustration. Parfois, le potentiel même du territoire, comme la présence des réseaux de création interdisciplinaires, des industries ou des structures de recherches ouvertes au dialogue avec les artistes, in uence les thématiques explorées par les artistes, comme le langage plastique des oeuvres. Face aux réseaux internationaux de l'art contemporain global, les réseaux locaux se densi ent et se spécialisent a n de créer une identité forte de leurs territoires, et d'offrir le soutien à leurs artistes pour les propulser au plus haut de la hiérarchie du monde de l'art.

Contre Temps a été réalisé en écho au colloque international qui a eu lieu en juillet 2013 au musée du Louvre-Lens, dans le cadre de son exposition inaugurale Le temps à l'oeuvre. Le musée du Louvre-Lens, le CNRS et l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ont réuni un panel d'experts pluridisciplinaires autour d'un sujet commun: le temps. Ce livre met en regard une vaste gamme de réflexions contemporaines autour de cette notion complexe. Le thème est abordé sous ses multiples facettes par des scientifiques, des philosophes, des historiens et des créateurs: chacune des interventions entre en dialogue avec les autres et permet ainsi un échange entre les disciplines représentées. La migration de la perception spatiale du temps, son accélération et sa décélération, les nouveaux rythmes de la vie humaine et leurs enjeux, les temps physiques et biologiques font partie des multiples thématiques abordées dans cet ouvrage. L'institution muséale elle-même, son rapport au temps, son rôle qui, au-delà de la conservation des œuvres, consiste à les préserver du temps, les mettre hors temps, tout en les ancrant dans leur propre temps, sont questionnés à travers les œuvres documentées et analysées d'un chapitre à l'autre.Face à la contrainte d'une relation " objective " avec le temps dans le monde contemporain, les auteurs proposent une expérimentation ou résistance par l'analyse scientifique. À partir d'expérimentations plastiques, scientifiques et philosophiques, le but est de trouver un point de départ dans une appropriation des référentiels et des systèmes de mesure établis, pour vivre le temps autrement.

Parmi la diversité des approches théoriques de la fiction, les particularités des fictions artistiques sont régulièrement évoquées, mais rarement étudiées. Le plus souvent, le domainelittéraire est le seul horizon d'études envisagé et la compréhension des oeuvres artistiques demeure marginale dans l'explicitation desenjeux cognitifs des différentes conceptions philosophiques. Cette publication se concentre sur la question de la fictionnalité des oeuvres d'art à travers leurs moyens d'expression ou de représentation. En effet, il apparaît que les particularités de certains médias et leurs interactions forment un territoire privilégié pour mieux cerner les fictions artistiques. Il s'agit alors d'étudier les spécificités et les relations des différents supports sémiotiques au sein d'une même oeuvre,et leurs modes de réalisation. Sous cet intitulé largement ouvert mais recadrépar son sous-titre, la notion de média est à considérer non pas au sens de " massmédias " mais de supports sémiotiques pour les oeuvres artistiques. Si l'usage duterme anglo-saxon doit donc être écarté, une autre acception trouverait ici parfaitement sa place pour qualifier certaines oeuvres, celle de " mixed média ". Les oeuvres constituées de médias mixtes renvoient à la question de l'intermédialité, c'est-à-dire celle du rapport entre plusieurs médias au sein d'une même oeuvre.

Deux lieux communs informent massivement l'art contemporain dans son rapport  la fiction. Le premier consiste à qualifier l'oeuvre d'art comme suspendue entre réalité et fiction. Le second justifie cette indétermination comme une conséquence de la spectacularisation du monde, de l'indistinction entre le vécu et sa représentation. Que recouvrent ces lieux communs ? Quelles sont les limites du tout fictionnel ? Pourquoi les fictions artistiques manifestent-elles l'ambition de troubler les frontières entre réalité et fiction ?Les oeuvres sur Internet et le brouillage de plus en plus grand entre auteur et utilisateur, original et duplication, nous demandent de reconsidérer notre approche de la fiction.L'autonomie croissante du web, son auto-référentialité, ne permettent pas toujours de distinguer entre domaines factuels et fictionnels. La question des représentations est au coeur des arts visuels et de la fiction. Par sa puissance métaphorique, le mot se prête à de très nombreuses définitions selon les contextes où il est utilisé. Dans leurs situations aux marges des fictions canoniques, les fictions artistiques et visuelles viennent nous interroger sur le statut de la croyance et l'importance des niveaux de représentations dans la génération de nouveaux univers fictionnels. L'utilisation de plusieurs médias, les interactions entre l'auteur, l'œuvre, l'utilisateur ou le spectateur, le désir de traverser les frontières entre réalité et fiction apparaissent comme trois ensembles de questions fondamentales qui se distinguent de celles abordées habituellement pour les fictions littéraires et cinématographiques.Quelles sont les particularités des fictions artistiques ? Les oeuvres réalisées sur Internet modifient-elles notre appréhension de la fiction ? Les rapports entre fictions et représentations permettent-ils d'éclairer ces questions ? Cet ouvrage divisé en trois parties : 1) fictions et représentations, 2) fictions en ligne, 3) pratiques artistiques en regard de la fiction répond à ces questions. Des spécialistes de la fiction : Kendall L. Walton, Marie-Laure Ryan, Jean-Marie Schaeffer, Lorenzo Menoud ; des artistes : Alain Declercq, Melik Ohanian, Khalil Joreidge et Joana Hadjthomas, Éric Rondepierre, Peter Hill, Yann Toma ainsi que d'autres personnalités internationales tentent de répondre à ces questions lors du colloque international Les arts visuels, le web et la fiction qui s'est tenu en Sorbonne à l'université Paris 1 en novembre 2006.

Ce que nous appelons ici " dessin hors papier " correspond à toutes les pratiques graphiques contemporaines qui suspendent l'usage du papier comme support d'un dessin. Ces pratiques ne sont certes pas nouvelles, mais suscitent de nos jours un incontestable regain d'intérêt. Ainsi, tout ou presque peut servir de subjectile aux desseins des artistes : le bleu du ciel, le café noir dans sa tasse, la peau des hommes et des animaux, un parking de supermarché, un rouleau de film super-huit, les écrans au format variable de nos nombreux appareils, le bouillon de culture d'un biologiste... Mais toutes ces excursions hors papier ne sont pas simple extension du domaine de la plume et du crayon, elles sont grosses de significations multiples qu'il convient d'analyser. C'est ce que propose cet ouvrage en réunissant les textes d'artistes, de chercheurs et de critiques, pour lesquels le dessin questionne son mode d'inscription dans le réel : c'est le cas de Convert ou d'Oppenheim, de Picasso, de Delvoye, ou encore de Barney, Achour, Moninot et de tant d'autres. Mais s'émanciper du papier n'est souvent qu'un moment de rupture dans la création d'une oeuvre qui n'interdit nullement le carnet de croquis, le tirage d'une photo ou la confection d'un livre d'artiste. C'est donc moins l'abandon (d'ailleurs illusoire) du papier qui intéresse ici les auteurs, que la pertinence poïétique d'un phénomène saillant de la création actuelle.

Si la littérature et le cinéma ont nourri une réflexion approfondie sur la fiction, d'autres domaines liés aux arts visuels sont largement restés inexplorés. Ainsi l'exposition peut recourir aux fictions canoniques (vidéo, cinéma, dispositifs textuels), mais aussi à l'image fixe, l'installation ou la performance. Quelle est l'importance respective de chacun de ces éléments en rapport avec la fiction ? Que produisent leurs éventuelles cohabitations ? Quelle est la place dévolue au " scénario ", celle relative au concepteur ou au visiteur de l'exposition ?Deux lieux communs informent massivement l'art contemporain dans son rapport à la fiction. Le premier consiste à qualifier l'oeuvre d'art comme suspendue entre réalité et fiction. Le second justifie cette indétermination comme une conséquence de la spectacularisation du monde, l'indistinction entre le vécu et sa représentation. Que recouvrent ces lieux communs ? Quelles sont les limites du tout fictionnel ?Certains rapports entre l'architecture et la fiction dans l+e cadre de l'exposition d'art contemporain sont analysés à travers un ensemble d'expositions personnelles réalisées par l'auteur entre 1993 et 2001 mais aussi étendus à cinq paradigmes susceptibles de caractériser la création contemporaine : in situ et readymade, peinture abstraite et performance, pratiques collaboratives.Dans leurs situations aux marges des fictions canoniques, les fictions artistiques et visuelles viennent nous interroger sur le statut de la croyance et l'importance des niveaux de représentations dans la génération des univers fictionnels. Mais, à travers la multiplicité des exemples qu'il est loisible de convoquer pour exemplifier les fictions artistiques, n'est-ce pas de façon à chaque fois différente, nous mettre dans le passage d'un monde à un autre ? Et gommer un peu à chaque fois la priorité de notre monde ordinaire en l'ouvrant vers une pluralité de mondes possibles ?

Face à la puissance et à la complexité de la globalisation et des réseaux, certaines oeuvres d'artistes contemporains, répondent par un mouvement sensible vers le " chez soi ". Ce que nous avons appelé art domestique reste un phénomène polymorphe qui invite à penser notre mise en demeure, entendue à la fois comme abandon du corps au confort, au décor, et comme incrédulité à échapper aux agressions du monde extérieur. Côté femme, les choses ne s'arrangent pas, tant les pressions sociale et économique incitent à les faire rentrer " à la maison ", tant " le modelage " des enfants et les tâches ménagères sont loin encore d'être équitablement partagés. C'est aussi que l'habitat, en tant que volume enveloppant, a son charme, son intimité, sa privauté. Des bricolages dominicaux aux technologies subtiles de la domotique, chacun y exerce " sa " créativité. Est-ce au sein ou en marge de la maison qu'il faut situer la présence des écrans et des alarmes, le foyer télévisuel, l'arbre de Noël ou les nains de jardin ? Quand la voiture sort du garage, c'est la maison qui déroule ses fauteuils, sa radio, sa clim...En quoi l'art contemporain est-il imprégné d'un art de vivre commun, voire d'une conscience critique du quotidien que l'on pourrait qualifier de domestique ?

La perspective du clonage reproductif humain, au travers du développement sans précédent des biotechnologies, est-il susceptible de provoquer, chez les plasticiens, des modifications de leur imagination créatrice ?Comment ces transformations et expérimentations rejoignent-elles les grands mythes fondateurs ? Qu'en est-il du " monstrueux ", du phénomène des jumeaux, des mixages entre création et procréation ?Si les arts et la littérature ont depuis longtemps anticipé, quelquefois sous les plus mauvais auspices - ceux d'un imaginaire anxieux voire catastrophiste - la possibilité de manipuler le vivant, voilà que, sous nos yeux, ce qui pendant des siècles n'a été qu'un idéal vain ou une épouvantable terreur, est en passe de se réaliser...