Pourquoi avons-nous encore besoin d'Homère aujourd'hui? Comment expliquer cette nouvelle actualité de l'Iliade et l'Odyssée et le phénomène de cristallisation auquel elles semblent donner lieu? À travers une analyse de leurs réappropriations multiples dans la littérature et les arts contemporains, il s'agit de repenser les usages et les modalités du rapport à l'œuvre antique pour remettre en perspective les notions d'héritage et de patrimoine homériques dans le cadre d'une "littérature mondiale". Qu'en est-il des nouvelles formes de circulation, de citation des textes et de la tradition qui s'est constituée à partir de leur réception? En quoi les œuvres homériques permettent-elles de représenter et de penser les crises et les interrogations de notre temps? Comment l'art de l'aède peut-il être à la source d'une écriture fictionnelle moderne? Bref, en quoi l'Iliade et l'Odyssée sont-elles encore agissantes dans la littérature, l'art et plus généralement le monde contemporains?

Figures majeures des nouvelles poésies depuis les années 1960, fondateurs du spatialisme, Ilse Garnier (1927-2020) et Pierre Garnier (1928-2016) sont aussi les auteurs d'une création prenant pour thème la cathédrale et l'imaginaire qui lui est associé (l'architecture, le Moyen Âge, ou encore le picard pour Pierre Garnier). Leurs œuvres respectives montrent que la cathédrale n'est ni le privilège du Moyen Âge qui vit construire la plupart de ces églises monumentales, ni celui du XIXe siècle où elles furent restaurées et devinrent objets de fiction, ni celui des auteurs catholiques. Chez Pierre et Ilse Garnier, ouvertement non croyants, elle renvoie à un faisceau conceptuel multiple, entre attachement aux racines régionales et désir d'universel, passé et présent, spiritualité et immédiateté du concret, langue française et picard, poésie linéaire et poésie spatiale. Densité historique, enracinement local, désir d'élévation et modèle esthétique s'y cristallisent, apportant une nouvelle fois la preuve que le passé n'a rien de contradictoire avec l'avant-garde.

Dans l'Europe post-napoléonienne, le théâtre apparaît comme un moyen privilégié pour expliquer aux populations le concept encore récent de la nation. Dans les pays européens, on produit alors des drames consacrés aux épisodes cruciaux des histoires nationales respectives. Mais les matières épiques défient la scène à l'italienne: excessivement longs, les drames prévoient la présence sur scène d'armées entières et comprennent des passages narratifs. L'appel de l'épopée transforme paradoxalement en spectacles dans un fauteuil des drames destinés aux populations encore largement illettrées. Une génération plus tard cependant, des mises en scène réductrices et pompeuses élèvent les mêmes oeuvres au rang de drames nationaux. En croisant des approches littéraires et historiques, cet ouvrage dégage un corpus européen qui dévoile le rôle de la fiction pour la formation des nations, mais aussi les empreintes que les interprétations politiques laissent sur les œuvres littéraires.

Après la Seconde Guerre mondiale, le bloc de l'Est n'oublie pas Zola, l'auteur de Germinal, l'intellectuel engagé; il est vu comme un grand "défenseur de la vérité", et ce malgré les réticences de grandes figures marxistes, d'Engels à Lukács. L'analyse de la réception de cet auteur en URSS et au sein de sept démocraties populaires montre que s'il y a bien des invariants dans le discours marxiste porté sur Zola, chaque pays traite à sa façon de son œuvre et de son engagement.Ce livre constitue ainsi une synthèse inédite d'une réception idéologique et transnationale attentive aux particularités nationales.

Dans le second vingtième siècle, la réflexion sur la figure dans le langage verbal a bousculé les frontières disciplinaires et revisité les perspectives théoriques en réinterrogeant les distinctions entre abstrait et concret, intelligible et sensible, spéculatif et narratif. C'est à travers un hommage à Bruno Clément dont les recherches marquées par la rencontre entre littérature et philosophie ont renouvelé, en premier lieu à partir de Beckett, la pensée figurale que les contributeurs à ce volume se jouent des figures et des gestes de pensée, tels que la palinodie, l'éclat, le penser-à-rien, la tension ou la concession. Ils interrogent aussi les catégories de la fiction et de la voix et traversent les siècles pour relire Platon, Froidmont, Pascal, Molière, Rimbaud, Zola, Bergson, Genet, Duras, Beckett, Pinget, Ollier ou Hergé. Le lecteur trouvera ici matière à l'exploration des démarches héritières de la révolution figurale.

Dans l'Antiquité grecque et romaine, on attendait des mots écrits ou prononcés qu'ils suscitent l'imagination visuelle et puissent convaincre, plaire et émouvoir par leur qualité d'enargeia et d'euidentia. Ce volume collectif étudie ce phénomène de l'épopée homérique à la seconde sophistique, et, par-delà l'Antiquité, au début de l'époque moderne: le fonctionnement de l'enargeia y est analysé dans la poésie grecque (archaïque et hellénistique) et romaine, la tragédie attique et shakespearienne, l'historiographie latine et les écrits sur l'art de l'Antiquité et de la modernité. Il éclaire une pratique souvent réflexive avant même d'être théorisée et montre comment théorie et pratique interagissent à partir de l'époque hellénistique. Les différentes études réunies ici soulignent la manière dont l'enargeia mobilise différents sens, ses liens étroits avec la performance chorale et théâtrale, ainsi que les questions poétiques, épistémologiques et ontologiques qu'elle soulève.

Comment l'espace insulaire est-il imaginé et représenté par les artistes insulaires de l'océan Indien? Quels rapports de pouvoirs l'analyse de leurs représentations paysagères révèle-t-elle? Le but de cette étude est de décontinentaliser – et décoloniser – le discours afin de rendre l'ile aux insulaires et d'examiner cette mise en parole car, plus que tout autre espace, l'ile n'existe qu'en tant que représentation de l'ile. Ce travail aborde non seulement les questions propres à la spécificité géographique, mais également celles relatives au passé colonial, au néocolonialisme et à la globalisation. Dépassant les frontières nationales, il donne à penser un espace alternatif qui ne se conçoit pas à travers les épistémologies exclusives et extranéisantes européennes, mais à travers les notions de connectivités, de territoire, et de réseaux établissant ainsi de nouvelles généalogies et cosmogonies qui s'étendent au-delà de l'espace insulaire.

Combattant les peintres académiques des Salons officiels, Huysmans critique d'art s'est posé dans L'Art moderne en promoteur des impressionnistes. La prédilection qu'il affichera dans À rebours pour Gustave Moreau, peintre mythologue, marque sa rupture avec Zola et les siens. Lorsqu'il fait l'éloge d'une esthétique hostile à toute forme de réalisme, il remet en question la notion de "modernité". Cette posture d'antimoderne fait date, parce qu'elle ouvre aux oeuvres les voies de l'imaginaire. En tournant l'écrivain vers ceux qu'il désigne comme "certains", elle inaugure un regard qui s'émancipe. Huysmans en donne un exemple devenu célèbre avec sa libre interprétation des Salomé de Moreau.

L'incendie de la cathédrale Notre-Dame de Paris en avril 2019 a fait renaître les polémiques sur la conservation du patrimoine architec­tural. Le débat avait déjà fait rage, à la suite du romantisme, au XIXe siècle, ainsi qu'après les deux guerres mondiales, y compris parmi les écrivains. L'inscription de l'architecture dans le discours littéraire est l'un des domaines de recherche privilégiés de Joëlle Prungnaud, où elle a renouvelé le regard de la critique sur la modernité fin-de-siècle. Cet intérêt pour le rapport qu'entretiennent architecture et litté­rature est né de son travail sur le genre gothique et la décadence. Les contributions contenues dans ce volume rendent ainsi hommage aux travaux et réflexions de Joëlle Prungnaud en s'intéressant, à travers des exemples précis du début du XIXe à la fin du XXe siècle, aux fonc­tions que peuvent avoir des éléments architec­turaux dans des œuvres littéraires provenant des différentes cultures européennes.

Un jeune noble allemand complète sa formation par un voyage en Italie où l'attendent des aventures galantes avec de grandes dames effrontées et des femmes du peuple délurées. Revenu en Allemagne, ce "chevalier de Vénus" se marie plusieurs fois et subit deuils et revers de fortune qu'il attribue à ses péchés de jeunesse. Des épisodes secondaires, avec de multiples personnages appartenant à la société de Cour et aux milieux populaires, constituent autant d'intermèdes qui se greffent sur la trame principale.Érotisme allusif, critique sociale pré-révolutionnaire et moralisme édifiant s'entremêlent dans ce roman d'aventures mouvementées au rythme rapide, bon exemple de la littérature libertine du XVIIIe siècle.La première traduction française d'une œuvre très connue en Allemagne et toujours rééditée depuis trois siècles.

Conçue pour des lecteurs de culture française, dans une perspective comparative, cet essai introductif place quelques repères sur le terrain faussement proche ("Dostoïevski et Tolstoï"), mais en réalité mal connu de la littérature russe.Ces repères, qui restent le plus souvent implicites dans les ouvrages disponibles, sont abordés ici dans une démarche progressive, à partir des stéréotypes les plus courants (la francophonie du "prince russe", "l'âme russe"), pour aboutir aux questions les plus pertinentes, comme celle de la relation singulière de la littérature russe avec "la vérité", qui lui donne une coloration prophétique, exotique.Les spécificités de la littérature russe, ses différences avec la littérature française, sont présentées de la manière la plus accessible possible, à l'aide de quelques outils parmi les plus largement utilisés dans les études littéraires, comme la théorie du "champ littéraire" de Bourdieu, ou la réflexion de Foucault sur la "fonction-auteur".

Robert Merle est une énigme. Voilà un écrivain qui obtint pour son premier roman, Week-end à Zuydcoote, le prix Goncourt, qui alimenta les chroniques littéraires durant plus d'un demi-siècle; un écrivain apprécié du grand public et dont l'œuvre est toujours publiée, traduite et adaptée, mais qui est demeuré au purgatoire des belles lettres.À contre-courant du Nouveau Roman, cet amoureux de la péripétie opta pour le romanesque, pour un roman populaire, démocratique, et symptomatique du second XXe siècle. Il mit en intrigue le totalitarisme, la guerre, la décolonisation, l'angoisse atomique, le féminisme, les événements de 68, etc. Par l'histoire du passé, du présent, ou de l'avenir dans ses romans de politique-fiction, Merle se confronta à des questions existentielles: le mal, le droit de tuer, la monstruosité de l'homme de devoir, le vivre-ensemble. Cette première monographie française se propose d'offrir une " revie littéraire " à un écrivain en quête d'humanité.