En Europe, la fin du XIXe siècle s'accompagne d'une hantise du déclin, qui s'est exprimée en termes de dégénérescence. Dans des textes alarmistes au contenu parfois pseudo-scientifique, certains penseurs et savants britanniques s'inquiètent de l'usure " raciale " de la nation, du péril héréditaire et de la présence insidieuse du danger dans le corps social. La connaissance de ce contexte, marqué par la renaissance du genre gothique, permet de faire sortir de l'ombre des textes inquiétants et d'apporter un éclairage nouveau sur des romans célèbres, comme L'étrange cas du Dr Jekyll et de Mr Hyde, Le portrait de Dorian Gray, L'île du Dr Moreau, Dracula et la fiction de Conan Doyle consacrée à la figure de Sherlock Holmes.L'être dégénérant en perpétuelle mutation revit un passé personnel, familial et biologique. Son corps est à la fois étranger et reconnaissable, monstrueux et déchiffrable. Certains romanciers prônent la régénération, d'autres mélangent jusqu'à les confondre la morbidité et la puissance, le dégénéré et le défenseur social, le malade et le médecin, le fou moral et le fou de moralité. En créant des êtres si indignes qu'il va devoir les liquider, l'écrivain transforme la dégénérescence en création.

À partir de la fin du XVIIIe siècle, les mises en scène fictionnelles de l'aveu se multiplient. Cet ouvrage s'intéresse à la scène romanesque de confession telle qu'on la trouve représentée chez six autrices et auteurs issus des espaces anglais, français et russe: Ann Radcliffe, George Sand, Charlotte Brontë, Fédor Dostoïevski, Maxime Gorki et Georges Bernanos. La comparaison invite à se déprendre des catégories traditionnelles de l'histoire littéraire. En s'inscrivant dans une seule et même dynamique narrative, celle du roman à mystères, cette scénographie vient révéler plusieurs contradictions du partage public-privé-intime en contexte de création postromantique. Envisagée au prisme d'une histoire culturelle de l'aveu, une telle mosaïque de textes ne doit pas manquer d'entrer en résonance avec la prolifération hypermoderne des mises en scène de soi. Les paradoxes de leurs aveux imaginaires deviennent ainsi nos paradoxes.

Depuis de nombreuses années, l'écrivain et militant écologiste nord-américain Rick Bass constate la disparition de nombreuses espèces animales et de leurs habitats. Comment alerter sur l'inquiétante perte de la biodiversité et encourager à modifier nos comportements et nos pratiques envers les animaux ? Comment décrire la richesse et la fragilité de faune nord-américaine sans attirer les curieux dans des espaces menacés par la présence humaine ? Quel rôle peut jouer la fiction dans cette entreprise militante ?À travers l'étude des nouvelles de Rick Bass, cet ouvrage interroge la manière dont l'écriture fictionnelle joue un rôle essentiel dans la protection du monde non humain et dans la valorisation des modes d'être des animaux. Il adopte une approche pluridisciplinaire et propose sa contribution aux débats éthiques, philosophiques et esthétiques sur les rapports entre la littérature et les animaux.L'une des particularités de la poétique de Rick Bass est qu'elle sollicite la structure et la substance de l'écriture afin de faire éprouver l'infinie variété des modes d'existence qui composent le vivant. Grâce à un travail sur le rythme, les sonorités ou la syntaxe, l'écriture de Bass donne à ressentir la présence élusive d'un cerf, la nage circulaire de cygnes ou la souffrance muette d'une mule blessée. Elle nous oriente vers d'autres styles, d'autres phrasés, et amène nos propres façons d'exister vers de nouvelles conduites plus éthiques.Cet ouvrage, qui est la première étude en français consacrée à l'œuvre de Rick Bass, s'adresse plus largement à toutes celles et ceux qui s'intéressent à la représentation des animaux dans la littérature et dans les arts.

S'intéresser à la pensée et à la fabrique de la phrase, comme étant la veine de l'écriture de Woolf, c'est tenter de rendre compte de ce qui ne se laissera jamais saisir comme objet, mais ne cessera de se donner à entendre dans son rapport avec l'impossible. Dans son œuvre renouvelée de multiples façons, la phrase apparaît à la fois comme plus d'une et à nulle autre pareille. À s'engager dans cette lecture, l'ouvrage se démarque des diverses approches historicisantes qui d'une manière ou d'une autre réifient l'écriture de Woolf. Il invite plutôt à se mettre à l'écoute subtile des multiples frayages de la phrase, de la mobilité de la régie des voix qui la trament, de la pulsation des timbres qui la transportent, à travers des textes de genres différents dont elle brouille toute frontière. L'ouvrage choisit par ailleurs d'éclairer un corpus peut-être moins connu de l'œuvre woolfienne. Il s'adresse aux lecteurs de Virginia Woolf pour qui la phrase définit cette passion de la lettre, de la littérature.Chantal Delourme est professeur émérite de l'Université Paris Nanterre, où elle a enseigné la littérature britannique et la théorie littéraire. Spécialiste du modernisme et de l'œuvre de Virginia Woolf, elle a publié de nombreux articles et une monographie sur To the Lighthouse, intitulée Virginia Woolf, To the Lighthouse. Les arabesques du sens (2001).

La chanson est au cœur de la pensée littéraire du xixe siècle : de Chateaubriand à Verlaine en passant par Lamartine, Stendhal, Hugo, Musset, Michelet, Flaubert et Rimbaud, toute la littérature en parle. Populaire, politique, proche et inatteignable, celle qui a tant fasciné reste pourtant trop mal connue et rarement étudiée, considérée souvent et par beaucoup comme un genre mineur.Expression privilégiée de l'affectivité la plus intime mais aussi d'enjeux plus collectifs, la chanson dite " populaire " au xixe siècle est au centre de cette étude très documentée dont le corpus est essentiellement composé de chansons à thématiques sociales ou politiques, en prise avec l'actualité.Au-delà du prolifique Béranger – célèbre chansonnier français qui connut un large succès dans la première partie du xixe siècle et dont beaucoup aujourd'hui ne connaissent que le nom – qui l'écrit, qui la chante, quels sont ses enjeux, quelles sont ses formes, quels sont ses thèmes ? Ce livre a une triple ambition : offrir la première approche textuelle minutieuse de la chanson française du xixe siècle, montrer comment se construit et s'affirme, au cours de la première moitié du siècle, l'idée même de chanson populaire devenue si commune de nos jours, et exploiter un corpus méconnu d'une rare richesse.

Les livres de Christian Prigent sont autant de traces d'un effort chaque fois reconduit pour cerner un réel qui résiste à la proclamée réalité de toute représentation qui prétend en rendre compte. Ces livres successifs, et quel que soit le genre qu'ils investissent, montrent ainsi une subjectivité à l'œuvre. C'est-à-dire qui sans cesse se cherche, questionne et expérimente des formes, éprouve des idées, traque au plus près la singularité de la sensation, le tout sur fond d'une histoire politique avec laquelle elle veut toujours être en prise, pour mieux s'y engager, et engager la littérature avec elle. L'articulation du dit et du senti, celle du texte et de l'image, mais aussi la question de la responsabilité morale et politique de qui veut faire œuvre littéraire, sont parmi les thèmes principaux que cette étude se propose d'aborder en tentant de décrire le parcours d'un écrivain qui, depuis bientôt cinquante ans, écrit l'une des œuvres les plus prolifiques de la littérature française contemporaine.

The Surveyor and the Saunterer explores the role played by maps and mapping in the writings of Henry David Thoreau. Thoreau was a professional surveyor and he had a deep and intimate knowledge of the history of cartography an

The works of Aragon and Ponge, major figures of 20th century literature, are the subject of this first systematic confrontation The reflection focuses on a relationship to language, to the revolutionary and perhaps, beyond supposed ideologies, to

The aim of the present study is to use Robert Louis Stevenson's works as an hermeneutical model to reconsider part of the story of the Latin American literature during the twentieth century. The study is a comparison between Stevenson's theorical

This volume brings together a series of contributions in homage to Nicole Jacques-Lefèvre who was a major figure in the development of literature research at the ENS in Fontenay-Saint-Cloud in the last quarter of the twentieth century. These cont

Nikolaï Tchernychevski (1828–1889) est un personnage d'une importance colossale en Russie, encore bien trop méconnu en Occident. Journaliste et critique littéraire, peut-être le plus influent des années 1860, théoricien paradoxal des relations entre l'art et la réalité, activiste politique (aussi bien Dostoïevski qu'Alexandre II le jugeaient à tort responsable de la naissance du mouvement révolutionnaire étudiant), Tchernychevski est resté dans l'histoire comme l'auteur de Que faire? (1863), roman qui prétendait fournir un " guide dans la vie ", sur lequel les jeunes radicaux pourraient modeler leur vie quotidienne, leurs relations personnelles et leurs émotions. La volonté de créer des " hommes nouveaux " et des " femmes nouvelles " pour le nouvel âge révolutionnaire était née. Et Que faire? devint bel et bien un guide de vie, ses situations fictionnelles (mariage et adultère organisés de façon rationnelle, vie en communautés, création d'un corps révolutionnaire parfait) se trouvant mis en application dans la réalité, avec des résultats variables. On trouve de nombreuses allusions implicites et explicites à Que faire? dans la littérature de l'époque, dans tous les romans de Dostoïevski postérieurs à 1863 et chez Tolstoï (l'intrigue maritale du roman se retrouve sous la forme d'un cauchemar d'Anna Karénine). Plus tard, Lénine déclara que Que faire? était son livre préféré (et reprit le titre de Tchernychevski pour son propre ouvrage — exposant un programme concret d'action révolutionnaire qui eut bien plus de succès). En 1937, Tchernychevski apparaît sous la forme d'un personnage de fiction dans Le Don de Vladimir Nabokov, écrit dans l'émigration, tentative cette fois-ci pour exorciser ce démon par l'ironie et le ridicule, notamment grâce à une lecture féroce du journal intime de Tchernychevski, publié en Union soviétique dans un tout autre but: développer son culte en le présentant comme un saint Jean-Baptiste, prophète du bolchévisme.L'influence de Tchernychevski dépassa sans l'ombre d'un doute ce que ses actes méritaient, mais le fait est que, amis ou ennemis, contemporains ou auteurs postérieurs, tous y virent une figure d'une importance particulière: un symbole de son époque et un prototype du mouvement révolutionnaire russe naissant.Cette fusion de " la littérature et la réalité ", l'un contaminant l'autre, fournit une matière idéale à une étude sémiotique de la culture qui puisse illustrer l'action réciproque de l'auteur en tant qu'homme et de son époque.Dans son ouvrage, Paperno étudie de très près la vie et l'œuvre de Tchernychevski, et montre comment l'écrivain naît d'un contexte historique spécifique, de préoccupations sociales et psychologiques communes à son milieu et sa génération et des codes littéraires en vigueur. Parmi eux, le passage d'une vision religieuse du monde à l'athéisme et la foi en la science, de la prééminence de l'aristocratie et la noblesse sur la scène culturelle à l'émergence d'intellectuels roturiers au sein des étudiants et des lecteurs de revues, du Romantisme au Réalisme (et à une nouvelle perception des rapports entre l'art et la vie), etc. Au bout du compte, Paperno montre comment l'expérience personnelle de l'auteur se transforme en structure littéraire, donnant naissance à un roman à même d'influer sur la vie émotionnelle et le comportement de lecteurs placés dans la même situation culturelle.

Avec les œuvres symphoniques de Mozart, Haydn, Beethoven, et plus largement, avec l'apparition de la musique instrumentale autonome, c'est la manière de concevoir la signification qui est bouleversée à la fin du XVIIIe siècle: il devient clair que les mots articulés du langage verbal n'ont pas le monopole de la pensée. De très nombreux débats ont alors éclos, pour tenter de penser ce nouveau rapport au sens. Il fallait aussi élaborer un discours qui rende compte des œuvres musicales et de leur force.Plutôt que de reprendre la question a priori et de manière non-historique, cet ouvrage propose de suivre les débats de l'époque et leurs enjeux: se dessinent alors des sensibilités différentes, selon les époques (entre le début du XIXe siècle et sa fin) et les lieux (France, Angleterre, Allemagne). On s'aperçoit bien vite que la réflexion sur la façon dont on signifie sans les mots précède les évolutions de la poésie et de la peinture au XIXe siècle; enfin, l'idée d'autonomie de l'œuvre accompagne la pensée politique. Bref, c'est aussi le moment de construire des conceptions de l'être humain fort différentes les unes des autres.Les mots de " poésie ", de " pureté ", de " dynamisme ", de " sensation ", de " forme ", reçoivent des acceptions aussi différentes que celles de timbre, de bruit, d'harmonie, de justesse. Une histoire des théories du signe est donc aussi, en creux, une histoire des théories du langage. En fait, c'est l'idée même de ce qu'est une interprétation qui reçoit ainsi des sens bien différents. À l'orée du XXe siècle, les œuvres de Freud ou de Saussure découlent de ces débats autant que celles de Stravinsky ou de Schoenberg, de Mallarmé ou de Van Gogh.Suivre ces familles de pensée et les conceptions du sujet humain qui sont construites, c'est aussi situer les différents styles musicaux qui éclosent alors. La conscience de leurs enjeux épistémologiques enrichit l'expérience d'écoute; elle assoit la liberté de chaque auditeur, ouvrant un champ plus large à l'appréciation des œuvres dans leur singularité.